THE BURNT ORANGE HERESY ist knisternde, fesselnde Noir-Meisterschaft

Knisternde, fesselnde Noir-Meisterschaft. THE BURNT ORANGE HERESY hatte von Anfang bis Ende meine gespannte Aufmerksamkeit. Bereits ein Fan des originalen Noir-Thrillers von Charles Willeford aus dem Jahr 1971, der hier von Scott B. Smith verfilmt wird, ist visuell und emotional fesselnd der furnierte Glanz, der mit dem Ortswechsel von den mückenverseuchten sumpfigen Everglades zum Lake Cuomo einhergeht. Italien (obwohl Mücken und Fliegen immer noch zu sehen sind) für diese Kinoadaption.

Regisseur Giuseppe Capotondi gibt sein englischsprachiges Regiedebüt mit THE BURNT ORANGE HERESY, seinem zweiten Spielfilm nach seinem Erstlingswerk 2009 mit „The Double Hour“. Dies ist eine perfekte Verbindung von Stoff und Regisseur. Capotondi ist im Ton sehr hitchcockianisch und bringt eine Intimität in die Geschichte, indem er Wahrheit und Lügen untersucht, wo Lügen oft zu Wahrheiten werden, aber Wahrheiten auch zu Lügen werden können, mit visuellen und absolut perfekten Darbietungen, die in einem feierlichen Tanz zusammenkommen.

James Figueras, einst ein hochgeschätzter Kunstkritiker, wurde abberufen, um Touristen in Mailand bezahlte Vorträge über „Kunst und Authentizität“ zu halten. Er ist umwerfend gutaussehend, aber schelmisch, und es ist leicht zu verstehen, warum die meisten Touristen, die seine intimen Vorträge besuchen, weiblich sind. Eine dieser Teilnehmerinnen ist Berenice, eine Lehrerin aus Minnesota, die in Europa Urlaub macht.

Figueras dreht sich alles um „die Show“ und er verbringt Stunden um Stunden damit, seine Präsentationen zu proben, vom geskripteten Text bis hin zum kleinsten Schnörkel eines kleinen Fingers auf den Händen, die wie im Höhepunkt des Triumphs in den Himmel ragen. Er ist eindeutig stolz auf seine Intelligenz und seine manipulativen Fähigkeiten, die Unwissenden von seinem Genie zu überzeugen, und hat ein selbstgefälliges Vergnügen daran, ihnen oft den Sand über bestimmte künstlerische „Wahrheiten“ in die Augen zu streuen, während er ihr Geld nimmt. Dem Kinopublikum, das davon profitiert hat, Figueras Probenprozesse zu sehen, ist Huckster das erste Wort, das ihm in den Sinn kommt.

Offensichtlich verliebt in Figueras, fügt Bernice ihrer Europatour sehr schnell ein Abenteuer ohne Drehbuch hinzu, schließt sich ihm im Bett an und geht dann mit ununterbrochenem, schlagfertigem Geplänkel tet-e-tet. Der Austausch ist eine Freude und wir sehen schnell, dass ein Spiel im Gange ist, besonders als Figueras einen Anruf vom Kunstsammler Joseph Cassidy erhält, der Figueras für das Wochenende in seinen Palazzo am Comer See einlädt. Und natürlich geht Berenice mit.

Bei der Ankunft erfährt Figueras von dem wahren Grund, warum Cassidy ihn gerufen hat. Der renommierte Künstler Jerome Debney lebt auf Cassidys Anwesen. Debney lebt seit Jahrzehnten zurückgezogen. Er spricht mit niemandem, einschließlich Cassidy. Und Cassidy respektiert seine Privatsphäre und dringt nicht in Debneys Cottage ein. Cassidy mag es auch nicht, sich die Hände schmutzig zu machen, und was er will, könnte genau das zur Folge haben.

Dank einiger mysteriöser Brände vor einigen Jahren sind alle Gemälde von Debney verschwunden. Es sind keine zu finden. Aber Cassidy ist sich sicher, dass Debney gemalt hat und seit Jahren neue Werke in seinem Cottage hat, und er will eins. Cassidy verspricht Figueras ein Interview mit Debney als Verlockung, seiner Bitte nachzukommen, und schlägt auch vor, dass ein Interview mit dem berühmtesten Einsiedler der Kunstwelt Figueras‘ Ruf als einflussreicher Kunstkritiker wiederherstellen würde; ganz zu schweigen von der Tatsache, dass Figueras dunkle Geheimnisse hat, die er geheim halten möchte, Geheimnisse, die Cassidy aufgedeckt hat. Der selbst wahrgenommene Meistermanipulator wird nun von Cassidy manipuliert. Als Gegenleistung für ein Interview und Cassidys Schweigen muss Figueras nur eines von Debneys Gemälden besorgen, und Cassidy ist es egal, wie er es macht, nur dass er es tut.

Aber es gibt eine Fliege in der Suppe. Berenice. Berenice ist nicht nur klüger und intuitiver, als Figueras ihr zutraut, sondern als sie Debney kennenlernt, bilden die beiden schnell eine tiefe, unerschütterliche Bindung, die auf Wahrheit basiert.

Es ist das Furnier der Charaktere und eine Erforschung dessen, was sich unter der Oberfläche verbirgt, ähnlich wie Gemälde der Meister, die bei der Röntgenuntersuchung andere Gemälde unter den Meisterwerken enthüllen, das ist fesselnd und treibt die Geschichte und die Intrigen immer weiter voran. Jedes gesprochene Wort hat eine verborgene Bedeutung. Dies wird am eloquentesten durch die Auftritte und reichen Monologe von Mick Jagger und Donald Sutherland vorangetrieben, wobei Jagger seinen Worten immer ein wissendes Grinsen der Grinsekatze hinzufügt und sie als Köder benutzt, um die Maus zu fangen, die in diesem Fall James Figueras von Claes Bang ist. Sutherland ist pure Meisterschaft als Ergänzung zum Mysterium des Einsiedlers Jerome Debney. Immer mit einem Augenzwinkern versteht er, wie die Welt jenseits der Kunstwelt funktioniert, und es ist klar, dass Debney Menschen wie Figueras als Schachfiguren in einem Meisterschachspiel betrachtet, oft als die entbehrlichsten Figuren im Spiel. Es gibt einen wunderschönen Tanz des gesprochenen Wortes, den Sutherland und Jagger köstlich darbieten.

Wenn man zuerst Claes Bang in „The Square“ zur Kenntnis nimmt, gibt es etwas an ihm, das Sie durch die Rolle, die er spielt, in einen Film hineinzieht. Hier, als Figueras, ist er von Anfang an schmierig, wenn wir zwischen dem Einstudieren seines Vortrags und seiner tatsächlichen Präsentation hin und her gehen. Sofort werden rote Fahnen gehisst, die auf einen Mangel an Ehrlichkeit und Authentizität bei einem Mann hindeuten, der über Authentizität referiert. Figueras ist wie ein Schauspieler, der eine Rolle in einem Theaterstück übernimmt. Bang durchdringt Figueras mit einem Gefühl der Unaufrichtigkeit, etwas, das sich im Verlauf der Geschichte bestätigt. Und dann werfen Sie einen Blick auf seine Dialogführung und das Wortspiel, auf das sich Figueras und Berenice einlassen. Bang hat eine makellose Kadenz und Stimmbeugung, schafft Mehrdeutigkeit und Misstrauen mit Doppeldeutigkeiten, die mit Figueras eigenen Geheimnissen und Lügen sprechen, und erfüllt ihn dann körperlich mit der Nervosität einer Katze in einem Raum voller Schaukelstühle.

Auch das Zusammenspiel zwischen Jagger und Bang ist nicht nur fesselnd anzusehen, sondern macht auch Spaß. Am anderen Ende des Spektrums sind die Chemie und der Austausch zwischen Sutherlands Debney und Elizabeth Debickis Berenice ehrlich, aufrichtig, herzlich und charmant. Sie spüren sofort, dass Debney weiß, dass Figueras ein Betrüger ist. Er sieht, was unter der obersten Farbschicht, unter der Fassade ist. Aber er sieht auch, was sich unter einer sehr dünnen, vielleicht unfertigen Leinwand befindet, die Berenice versucht, für sich selbst zu malen, und er macht sich Sorgen um sie. Die Dynamik zwischen diesen beiden und dem, was sie Debney und Berenice bringen, ist rein und schön. Die Ehrlichkeit ihrer Charaktere und die Beziehung zwischen den beiden wird exquisit durch die Klarheit und Farbe der Kinematografie zur Geltung gebracht.

Debicki engagiert sich als Berenice, und während Sie zunächst ihre Anziehungskraft auf diese dramatische, intelligente und potenziell geistreiche Kunstkritikerin verstehen, sind einige der Handlungen der Figur im dritten Akt mehr als fragwürdig. Ein Beweis für Debicki ist ihre immersive emotionale Leistung. Aber der Charakterwechsel, insbesondere in einer bemerkenswerten Szene, spricht nicht gut für Smiths Drehbuch, und die Figur fühlt sich zum ersten Mal in ihren Handlungen und Emotionen unaufrichtig.

Obwohl es in der Geschichte ein paar lockere Bereiche gibt, ist Scott Smiths Adaption insgesamt eine solide konstruierte Erzählung mit Charaktertiefe, vielen Intrigen, Drehungen und Wendungen und Mysterien. Und Fans des Willeford-Romans werden die Bedeutung, Symbolik und Aufbewahrung von Fliegen mehr als zu schätzen wissen.

Dank Smiths Arbeit hat Regisseur Giuseppe Capotondi viel zu tun, um die Worte auf der Seite auf der Leinwand zum Leben zu erwecken. Gut vertraut mit der Arbeit des Kameramanns David Ungaro und dem, was er mit Haifaa Al-Mansour in „Mary Shelley“ sowie Tim Suttons „Donnybrook“ gemacht hat, ist es die stimmungsvolle und atmosphärische Art von Ungaros Objektiven, die THE BURNT ORANGE HERESY sehr gut dienen .

Beleuchtung, Linsen und Farbe sind ebenso entscheidend für die visuelle Tonbandbreite des Films wie für ein Meisterwerk. Und die Farbe Blau. Blautöne sind überall. Das Blau an Figueras’ Wohnungswänden ist kein echtes Blau, sondern eher ein bisschen farblos, das als Metapher für Figueras selbst dient. Das Blau in der Cassidy-Villa mit dem sanften mediterranen Licht, das durch die Chiffonvorhänge fällt, ist unaufdringlich wie Wolken am Himmel. Das Äußere ist exquisit und reich, mit dem Laub des Cassidy-Geländes und insbesondere dem um Debneys Studio, das sich lebendig und wahrhaftig anfühlt.

Und dann sind da noch die eher klaustrophobischen Aspekte des Films, die sich durch Totoi Santoros Produktionsdesign und Objektivierung mit Figueras entwickeln; eine enge Badewanne, enge Linsen in einem kleinen Badezimmer, ähnlich wie Wände, die sich um ihn schließen. In ähnlicher Weise ist das wiederholte Objektivieren von Figueras in Spiegeln, das uns zwei Bilder a la zwei Persönlichkeiten gibt, atemberaubend. Dann blicken wir zu Debneys Studio mit den warmen Hölzern und dem goldenen Umbra der Beleuchtung. Es ist, als wäre Debney in eine Decke gehüllt, die sich vor der Welt schützt (was er auch ist, wie wir aus seinem Gespräch mit Berenice und Figueras wissen). Eine natürliche Bucht am Comer See, die jetzt eine Ruine ist, die mit Trümmern und alter heruntergekommener Architektur übersät ist, ist dank Ungaros Breitbild-Framing auf tragische Weise atemberaubend. Und diese Bucht mit den Ruinen – Totale von Sutherland und Debicki – spricht Bände über den Grad der Zerstörung, den jeder in seinem jeweiligen Leben hat. Die visuelle Schrei-Metapher im gesamten Film. Natürlich sind einige der köstlichsten ECUs von Jaggers Cassidy, da das Objektiv die Verspieltheit der Augen und die finstere Natur des Grinsens der Grinsekatze einfängt. Ein meisterlicher Genuss.

Während der dritte Akt strukturell eine gewisse Story-Schwäche aufweist, bleibt er visuell großartig, dank einer grünlichen Blässe, die alles bedeckt, nachdem Figueras und Berenice Cassidys Anwesen verlassen und in die Stadt zurückgekehrt sind. Und dann kommt ein letzter visueller Hinweis mit einer Küche in strahlendem Weiß und echtem Blau, die die Vereinfachung von Wahrheit und Schönheit darstellt.

Guido Notaris Schnitt ist schnell und durchdacht in seinem Design, so dass das Publikum seine Köpfe um das Mysterium und die Machenschaften wickeln kann, ohne sich mit dem Löffel zu füttern oder voreilig zu urteilen.

Die letzten Schnörkel kommen von Craig Armstrongs Partitur. Die Einfachheit und Eleganz des Klaviers ist die perfekte Ergänzung zu dieser verdrehten Geschichte.

Regie führte Giuseppe Capotondi
Geschrieben von Scott B. Smith nach dem Roman von Charles Willeford

Darsteller: Claes Bang, Elizabeth Debicki, Donald Sutherland, Mick Jagger

von Debbie Elias, 16.01.2020