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TCM Film Festival wird größer und besser! Shirley Jones eröffnet das Fest mit OKLAHOMA!

Eröffnung des TCM Classic Film Festival 2014 mit Galavorführung von Neu restauriert Oklahoma! (1955), mit Live-Auftritt von Star Shirley Jones

Auftritte der Stars Kim Novak und Ryan O’Neal; Filmemacher William Friedkin, Albert Maysles und Ira Wohl; und Redakteurin Thelma Schoonmaker zum Dienstplan hinzugefügt, Plus US-Premiere Restaurierung von Friedkin’s Zauberer (1977) und Vorführungen von Glockenbuch und Kerze (1958), Papiermond (1973), Graue Gärten (1975) und Bester Junge (1979)

Fünftes jährliches Festival vom 10. bis 13. April in Hollywood,

Zeitgleich mit dem 20-jährigen Jubiläum der TCM

Turner Classic Movies (TCM) öffnet die Ausgabe 2014 der TCM Classic Film Festival mit dem Weltpremiere einer brandneuen Restaurierung des beliebten Rodgers & Hammerstein-Musicals Oklahoma! (1955). Eigene TCM Robert Osborne , der als offizieller Gastgeber des Festivals fungiert, stellt vor Oklahoma! , mit dem Star des Films, Oscar®-Gewinnerin Shirley Jones , zugegen. Eitelkeitsmesse wird auch für das fünfte Jahr als zurückkehren Festivalpartner und Co-Moderator des Eröffnungsabend After-Party. Zum fünften Mal findet das TCM Classic Film Festival statt 10.-13. April 2014 , in Hollywood . Die Versammlung wird mit zusammenfallen 20-jähriges Jubiläum der TCM als führende Autorität im klassischen Film.

Darüber hinaus hat das Festival das diesjährige Programm um mehrere hochkarätige Gäste erweitert, darunter den Oscar®-prämierten Regisseur William Friedkin, Wer wird an der Vorführung der teilnehmen Restaurierung der US-Premiere seines spannenden Kultklassikers Zauberer (1977); Kim Novak, die an einer Vorführung des Charmanten teilnehmen wird Glockenbuch und Kerze (1958); Schauspieler Ryan O’Neal, wer wird die Komödie aus der Zeit der Depression vorstellen Papiermond (1973); legendärer Dokumentarfilmer Albert Maysle , der für eine Vorführung seines Meisterwerks zum Festival zurückkehren wird Graue Gärten (1975); Filmemacher Ira Wohl , der für seinen Oscar®-prämierten Dokumentarfilm zur Verfügung stehen wird Bester Junge (1979); und dreifacher Oscar®-prämierter Filmeditor Thelma Reiniger ( Raging Bull, The Aviator, The Departed ), der an einem besonderen Gespräch teilnehmen wird Verein TCM , dem zentralen Treffpunkt des Festivals.

Unter den vielen bereits angekündigten Veranstaltungen, die für das TCM Classic Film Festival 2014 geplant sind, wird TCM legendäre Schauspieler, Filmemacher und Menschenfreunde ehren Jerry Lewis mit einer mehrstufigen Feier seiner bemerkenswerten Karriere. Lewis wird seine Hand und Fußabdrücke vor dem Weltberühmten in Beton einbetonieren lassen TCL Chinesisches Theater IMAX . Darüber hinaus wird Lewis für eine Vorführung eines seiner denkwürdigsten Filme anwesend sein: Der verrückte Professor (1963). Auch das diesjährige TCM Classic Film Festival wird dem Tribut zollen Quincy Jones , der während des Festivals bei mehreren Veranstaltungen auftreten wird, darunter a Vorführung zum 50-jährigen Jubiläum von Sidney Lumets kraftvollem Drama Der Pfandleiher (1964), das Jones‘ Debüt als Filmkomponist markierte; und Richard Dreyfuß , mit Vorführungen von zwei seiner beliebtesten Filme, Das Abschiedsmädchen (1977) und Mr. Hollands Opus (Neunzenhundertfünfundneunzig).

Andere bereits angekündigte Festivalveranstaltungen umfassen eine Vorführung des kürzlich restaurierten Films Vom Winde verweht (1939) und eine Präsentation von Der Zauberer von Oz (1939) in seiner atemberaubenden Neuheit IMAX® 3D Format. Beide Filme feiern 2014 ihr 75-jähriges Jubiläum. Das Festival feiert den 50. Geburtstag von Walt Disney Mary Poppins (1964) mit einer besonderen Präsentation, während Mel Brooks wird für seinen Comedy-Klassiker erscheinen Flammende Sättel (1974), zusammen mit Maureen O’Hara für die Weltpremiere Restaurierung von John Fords Oscar®-Gewinner Wie grün war mein Tal (1941) und Margaret O'Brien für Vincente Minnellis ewigen musikalischen Favoriten Treffen Sie mich in St. Louis (1944). Das Festival wird auch Folgendes umfassen Weltpremiere Restaurationen : Billy Wilders Doppel Entschädigung (1944), der seinen feiert 70-jähriges Jubiläum ; Orson Welles’ Berührung des Bösen (1958); Oscar®-Gewinner für den besten Film von William Wyler Die besten Jahre unseres Lebens (1946); der Hit der Beatles Die Nacht eines harten Tages (1964) ; das Komödiendrama von Frank Capra Mr. Deeds geht in die Stadt (1936) ; Godzilla: Das japanische Original (1954); und das Lena-Horne-Musical Stürmisches Wetter (1943). Darüber hinaus bietet das Festival eine Vorführung des Komödienklassikers von Harold Lloyd Warum ärgern? (1923), mit dem legendären Stummfilmkomponisten Carl Davis Durchführung der Live-Weltpremiere seiner neuen Originalpartitur sowie jüngste Restaurierungen von Charlie Chaplins Lichter der Stadt (1931) und Alfred Hitchcocks Die Untermieter (1927), in dem das Mont Alto Motion Picture Orchestra ihre Originalpartitur für den Film aufführt.

Pässe für das TCM Classic Film Festival 2014 können ausschließlich über die offizielle Festival-Website erworben werden: http://www.tcm.com/festival . Beschreibungen für die neu angekündigten Ergänzungen zum Festival-Lineup sind unten enthalten. Weitere Vorführungen und Veranstaltungen für das TCM Classic Film Festival 2014 werden in den kommenden Monaten bekannt gegeben.

Eröffnungsgala – Shirley Jones und Oklahoma! (1955)

Das Shirley Jones Die Erfolgsgeschichte hätte nicht perfekter sein können, wenn sie von einem Studio-Presseagenten erfunden worden wäre. Die resolute und frühreife Shirley Mae wurde im winzigen Smithton, Pennsylvania (877 Einwohner) als einzige Tochter der Familie Jones (Brauer des beliebten Stoney’s Beer) geboren und war eine frühe Handvoll, zeigte jedoch Anzeichen eines besonders sanften Stimmumfangs. Ihre Kirche, ihre Lehrer und ihre Eltern waren alle versiert genug, um ihr Talent zu erkennen, und Shirleys lokaler Musikunterricht öffnete die Tür zu den Sommern im Pittsburgh Playhouse.

Jemand schlug der 18-jährigen Shirley Mae vor, sich für den „Miss Pittsburgh“-Wettbewerb anzumelden. Es war nicht Shirleys Leidenschaft, aber sie machte mit und holte sich 1952 die Krone. Hier verdichtet sich die Handlung etwas, denn durch all diese auffälligen Berufungen im Showbusiness machte Shirley Jones die Welt um sie herum darauf aufmerksam, dass sie sich entschieden hatte, Tierärztin zu werden. Und so schrieb sie sich mit allen anderen Wetten am Centenary College in New Jersey ein und bereitete sich mit einem einwöchigen Zwischenstopp in New York auf die Reise nach Osten vor.

Nachdem ihre Woche und ihr Geld ausgegeben waren, erhielt Shirley einen Anruf von einer Freundin, die ihr sagte, dass die Rodgers & Hammerstein-Show Südpazifik , damals am Broadway, würde offene Vorsprechen haben, um zwei sich trennende Chormitglieder zu ersetzen. Und so nahm Shirley diese schicksalhafte Busfahrt in die Innenstadt zum St. James Theatre und der Reihe von zig Showbiz-Hoffnungen, wo die Bühne akribisch vorbereitet worden war, um Smithtons Shirley Mae Jones nicht an eine Veterinäruniversität, sondern an die Zeit und den Ort ihrer bemerkenswerten zu bringen Millionen zu eins öffentliches Schicksal. Shirley stellte sich ganz nach vorn und sang ihr Lied „The Best Things in Life are Free“.

„Bitte warten“, sagte der Mann.

Eine weitere Linie und ein weiterer Ausflug nach vorne zum Singen folgten. Schließlich, fast erschöpft, die Reihe schrumpfte auf eine Handvoll, eine vierte Aufführung, hörte Shirley eine Stimme aus dem hinteren Teil des abgedunkelten Theaters.

„Danke, Miss Jones, dass Sie so lange hier waren. Wenn es Ihnen nichts ausmacht, würde ich gerne meinen Partner, Mr. Hammerstein, anrufen und ihn bitten, herunterzukommen und Sie zu hören.“

„Oh, klar“, sagte die stets liebenswürdige Shirley, „und wie heißt DU?“

Sein Name war Richard Rodgers.

Mr. Hammerstein kam und der Wirbelsturm von Shirley Jones begann. Die 19-jährige Shirley Mae Jones, die den Partnern von Rodgers & Hammerstein zum ersten und letzten Mal unter sofortigen „persönlichen Management“-Vertrag gestellt wurde, war nicht einmal ein Jahr später in Hollywood zusammen mit Schwergewichten wie Kathryn Grayson für Screen-Tests , Debbie Reynolds und Jane Powell für die begehrte Rolle der Laurey in der Filmversion des langjährigen Broadway-Stücks von 1955 OKLAHOMA! . Sie bekam die Rolle und viele andere folgten, einschließlich Rollen in Karussell (1956), April Love (1957), The Music Man (1962), einen Oscar für ihre Rolle als Lulu Baines, die Prostituierte neben Burt Lancaster in Elmer Gantry (1960), an den gehetzten Fernsehchef Die Rebhuhn-Familie .

Ihre Film-, Fernseh- und Bühnenrollen, ein rekordverdächtiger Broadway-Auftritt, zwei kürzliche Emmy-Nominierungen und eine anhaltende Karriere mit Symphoniekonzerten und Auftritten als Rednerin weltweit haben Shirley Jones einen strahlenden Platz im Herzen von ganz Amerika eingebracht, der nie scheint wegzugehen. Und so ist die einzige Frage, die in der glorreichen Geschichte der amerikanischen Ikone Shirley Jones übrig bleibt: „Hat jemals jemand das Centenary College angerufen, um ihm zu sagen, dass Shirley nicht kommt?“

Oklahoma! ( 1955)

4K-Restaurierung präsentiert in Zusammenarbeit mit Twentieth Century Fox

Nur wenige Schauspielerinnen können ihr Leinwanddebüt in einem so sehnsüchtig erwarteten Film geben Oklahoma! , aber genau das ist Shirley Jones passiert, als Richard Rodgers und Oscar Hammerstein sie Joanne Woodward vorgezogen haben, um in der Filmversion ihres ersten großen Hits mitzuspielen. Die Songwriter zögerten, den Film zu drehen, bis sie genau das richtige Bild bekommen hatten. Mit der Ankunft von Todd-AO, dem patentierten Breitbildverfahren von Mike Todd, wussten sie endlich, dass sie die Majestät der Grenze in all ihrer Pracht zeigen konnten, einschließlich Mais so hoch wie ein Elefantenauge (16 Fuß hoch, um genau zu sein). Aber trotz der gigantischen Größe der Produktion blieb der Fokus einfach und zeigte die Romanze des Farmmädchens Jones und des Cowboys Gordon MacRae. Agnes de Mille hat einen Großteil ihrer Bühnenchoreografie nachgebildet, die den modernen Tanz in das Bühnenmusical eingeführt hatte, während Regisseur Fred Zinnemann eine überraschend realistische Herangehensweise an die Produktion brachte.

Diese einzigartige 4k-Präsentation, die sorgfältig aus 65-mm-Todd-AO-Elementen von Twentieth Century Fox und Fotokem restauriert wurde, wird mit 30 Bildern pro Sekunde gezeigt – der gleichen Bildrate wie bei der Erstveröffentlichung des Films im Jahr 1955. Der ursprüngliche 6-Spur-Soundtrack hat wurde auch bei Twentieth Century Fox in Zusammenarbeit mit End Point Audio und Chase Audio by Deluxe restauriert und neu gemastert.

William Friedkin und Zauberer (1977)

Was die schiere filmische Durchschlagskraft betrifft, ist es schwer, mit den Filmen des Regisseurs mitzuhalten William Friedkin . Der Exorzist (1973), Die französische Verbindung (1971), Zauberer (1977) und In LA leben und sterben. (1985) sind ein so großartiges, aber knallhartes Vergnügen anzusehen, so geradezu süchtig machend, dass man leicht vergisst, was für ein akribischer Handwerker Friedkin auf jeder Ebene ist.

Als Veteran des Live-Fernsehens in den 1950er Jahren machte Friedkin Mitte der 1960er Jahre eine Ausbildung zum Dokumentarfilmer – eine Ausbildung, die zu dem entnervenden Du-sind-da-Realismus von führte Die französische Verbindung und die schreckliche Schönheit von Der Exorzist und Zauberer . „Was ich vor jedem Film zu tun versuche, ist, mich vollständig in viele tangentiale Phasen dieses Themas einzutauchen, bevor ich es mache – also schwimme ich buchstäblich darin, bevor ich ein Filmbild belichte“, hat Friedkin beobachtet.

1971 seine Die französische Verbindung wurde unter breitem kritischem Beifall veröffentlicht. Der Film wurde in einem düsteren Stil gedreht, der eher für Dokumentarfilme als für Hollywood-Spielfilme geeignet ist, und gewann fünf Academy Awards®, darunter Bester Film und Beste Regie.

Friedkin folgte mit den 1973ern Der Exorzist , basierend auf William Peter Blattys Bestseller-Roman, der das Horror-Genre revolutionierte und von einigen Kritikern als der größte Horrorfilm aller Zeiten angesehen wird. Der Exorzist wurde für 10 Oscars® nominiert, darunter Bester Film und Beste Regie. Er gewann Auszeichnungen für das beste adaptierte Drehbuch und den besten Ton.

Friedkins Actionfilm In LA leben und sterben. gewann den Publikumspreis beim Cognac Film Festival. Der Film mit William Petersen und Willem Dafoe in den Hauptrollen war ein kritischer Favorit und zog Vergleiche mit Friedkins eigenem Die französische Verbindung .

Friedkin begann 1998 mit der Regie von Opern mit einer viel beachteten Inszenierung von Berg Wozzeck beim Maggio Musicale in Florenz. Er folgte 2002 mit einer doppelten Rechnung von Bartok Herzog Blaubarts Schloss und Puccinis Gianni Schicchi an der Los Angeles Opera. 2004 inszenierte er an der Los Angeles Opera R. Strauss’ Ariadne auf Naxos . Andere Werke umfassen Saint-Saëns ' Samson und Delila an der New Israeli Opera, Tel Aviv, und Verdi’s Aida 2005 am Teatro Regio Torino in Turin, Italien; Herzog Blaubarts Schloss / Gianni Schicchi für die Washington National Opera im Kennedy Center und die Bayerische Staatsoper, München, Deutschland, sowie Neuproduktionen von Strauss’ Salome und die Uraufführung von Wolfgang Rihms Das Gehege 2006 und 2007; und eine doppelte Rechnung von Schwester Angelika / Der Tabaro an der Los Angeles Opera im Jahr 2008. Friedkin kehrte 2011 mit Leos Janáceks zum Maggio Musicale in Florenz zurück Der makropulöse Fall. Und 2012 leitete er Offenbachs Die Geschichten von Hoffmann at Theater An der Wien, Vienna, Austria.

Zauberer (1977) – US Premiere Restaurierung

Präsentiert in Zusammenarbeit mit Paramount und Warner Bros.

Diese Adaption des Romans von Georges Arnaud, der auch Henri-Georges Clouzots Spannungsklassiker inspirierte Der Lohn der Angst (1953) ist Regisseur William Friedkins Liebling aller seiner Filme, vor allem, weil er seiner ursprünglichen Vision näher kam als jeder andere. Diese Geschichte von vier Männern in einem südamerikanischen Hinterland, die sich anmelden, um eine Ladung Dynamit durch gefährliches Gelände zu fahren, begann als Low-Budget-Film. Als Friedkin seine Vision um nervenaufreibende Sequenzen erweiterte, in denen die Trucks eine wackelige Hängebrücke überqueren und tückische Bergstraßen befahren, stieg das Budget auf 22 Millionen US-Dollar. Zunächst ein kritischer und Kassenfehler, teilweise wegen überwältigender Konkurrenz aus Krieg der Sterne (1977) erlebte der Film in den letzten Jahren eine kritische Renaissance. Der Film, der heute als eines der Meisterwerke der 70er Jahre gefeiert wird, wurde für sein sparsames Geschichtenerzählen, seine verschwenderischen Produktionswerte und Friedkins fachmännischen Umgang mit den Themen Schicksal und menschliche Verantwortung gelobt. 2013 betreute der Regisseur diese neue, digitale Restaurierung, die bei den Filmfestspielen von Venedig mit großem Erfolg uraufgeführt wurde.

Kim Novak und Glockenbuch und Kerze (1958)

Das Publikum hat es immer verstanden und geliebt Kim Novak , doch viele Kritiker hielten ihre Arbeit für zu einfach im Vergleich zu Schauspielern, deren stilisierte Darbietungen heute als überholt gelten. Rückblickend erhält Novaks Arbeit im Laufe der Zeit immer mehr Anerkennung. Sie wird für ihre schauspielerischen Fähigkeiten anerkannt und geehrt. Zu Novaks jüngsten Auszeichnungen gehört der renommierte Goldene Bär für sein Lebenswerk bei den Internationalen Filmfestspielen Berlin. 2003 wurde Novak der Eastman (Kodak) Archives Award für ihren bedeutenden Beitrag zum Film verliehen (frühere Preisträger waren Greta Garbo, Audrey Hepburn, James Stewart, Martin Scorsese und Meryl Streep).

Novak erhielt auch eine besondere Ehrung von der American Cinematheque in Hollywood, wo ihre Filme im Januar 2004 im Egyptian Theatre gezeigt wurden. Sie hatte einen seltenen persönlichen Auftritt mit einem Q&A auf der Bühne zwischen den Vorstellungen von Glockenbuch und Kerze (1958) und Schwindel (1958).

1956 wurde Novak zum Kassenschlager Nr. 1 der Welt und behielt diese Position drei solide Jahre herausragenden Filmemachens. In dem Wissen, dass nichts ewig währt, und weil er nicht den tragischen Enden zum Opfer fallen wollte, die oft dazu führten, dass Stars und Sexsymbole in Identitätskrisen verloren gingen, traf Novak die Entscheidung, Hollywood zu verlassen. Es brauchte großen Mut, einer erfolgreichen und lukrativen Karriere den Rücken zu kehren, als sie auf ihrem Höhepunkt war, aber sie hatte das Bedürfnis, sich auf die Suche nach sich selbst zu machen, um zu lernen, was sie wirklich vom Leben wollte. Novak zog in eine Klippenwohnung entlang der wilden Küste von Big Sur, Kalifornien, mit dem Ziel, einen neuen Lebensstil im Einklang mit der Natur zu schaffen und ihn mit ihrer Liebe zur Malerei und zum Schreiben von Gedichten zu kombinieren. Eines ihrer Gedichte wurde zu einem Lied verarbeitet und vom Kingston Trio und Harry Belafonte aufgenommen.

Novak wurde als Marilyn Pauline Novak in Chicago als Tochter eines Geschichtslehrers geboren, der während der Depression Eisenbahnfrachtführer wurde. In dem Versuch ihrer Mutter, Novak dabei zu helfen, ihre Schüchternheit zu überwinden und aufgeschlossener zu werden, ermutigte sie ihre Tochter, einem Teenagerclub beizutreten, wo sie bald mit dem Modeln begann. Sie trat zusammen mit 20 anderen Models in zwei Filmen auf, als sie von einem Agenten entdeckt und einen Vertrag bei Columbia Pictures unterschrieben wurde.

Novaks erster Auftrag war neben Fred MacMurray Schwächling (1954), ein stimmungsvoller Film Noir unter der Regie von Richard Quine. Sie war die Breakout-Performerin und dieser Film, und das führte zu ihrem zweiten Film, in dem sie ein wunderschönes Broadway-Playgirl in der George-Axelrod-Komödie spielte. Phffft (1954), neben Judy Holliday und Jack Lemmon. 5 Gegen das Haus (1955) folgte, danach wurde sie an den unabhängigen Produzenten und Regisseur Otto Preminger ausgeliehen Der Mann mit dem goldenen Arm (1955), in dem sie die mitfühlende besorgte Freundin eines Drogenabhängigen spielte, gespielt von Frank Sinatra. Noch spektakulärer waren ihre Hauptrollen als Kleinstadt-Landmädchen in der Verfilmung von William Inges Picknick (1955) unter der Regie von Joshua Logan und als prominente Ehefrau von Tyrone Power in Die Eddy-Duchin-Geschichte (1956).

Im Jeanne Adler (1957) verkörperte Novak neben Jeff Chandler die Titelrolle des stürmischen Broadway-Stars der 20er Jahre. Im Musical von Rodgers und Hart Kumpel Joey (1957) spielte sie mit Rita Hayworth und Frank Sinatra. 1958 spielte sie neben James Stewart in Alfred Hitchcocks Film Schwindel , ein Film, der von der Library of Congress als nationaler Schatz bezeichnet wurde, wurde zum ersten Mal ausgewählt, als das National Film Registry beschloss, der Bibliothek 25 Filme pro Jahr hinzuzufügen. Sie folgte Schwindel mit einer Komödie Glockenbuch und Kerze , wieder gegenüber von Stewart und Jack Lemmon. In ihrem nächsten Film Mitten in der Nacht (1959) spielte sie eine viel weniger glamouröse Liebesbeziehung ihres alternden Arbeitgebers Fredric March und glänzte wirklich als Schauspielerin. Ihre Filme in den frühen 1960er Jahren zeigten ihre Vielseitigkeit Fremde, wenn wir uns treffen (1960) mit Kirk Douglas und der ausgefallenen Komödie Die berüchtigte Wirtin (1962), wieder mit Jack Lemmon.

In einem wegweisenden Schritt für alle Schauspieler, die nach ihr kamen, war Novak die erste Schauspielerin (und Frau), die einen Eigentumsvertrag für ihr eigenes Produkt aushandelte, sobald ihr ursprünglicher Columbia-Vertrag endete. Der Deal wurde von ihrem langjährigen Agenten Norman Brokaw, dem heutigen Vorstandsvorsitzenden von William Morris, ausgehandelt. Sie gründete ihre eigene Produktionsfirma und tat es Männerabend (1962) und flog dann nach Irland, um in der dritten Version von Somerset Maughams Roman mitzuspielen. Von menschlicher Knechtschaft (1964), mit Laurence Harvey. Ihr nächster Film, Billy Wilder’s Küss mich dumm (1964), schockierte die Legion of Decency, als es veröffentlicht wurde, aber es wurde 2001 wiederentdeckt und für sein zukunftsorientiertes Denken gefeiert und spielt seitdem besondere Engagements in Kunsthäusern, um erneute Kritiken zu schwärmen, insbesondere für Novaks Leistung als „ Polly die Pistole.“

Novak kehrte nach England zurück, um dort die Hauptrolle zu spielen Die amourösen Abenteuer von Moll Flanders (1965) und heiratete ihren Co-Star Richard Johnson. Im Die Legende von Lylah Clare (1968) spielte Novak erneut eine Doppelrolle (die ein Thema in ihrer Arbeit zu sein schien) als früher Leinwandstar und die jüngere Schauspielerin, die von einem besessenen Regisseur ausgewählt wurde, um sie neu zu erschaffen. Folgend Der große Bankraub (1969) kehrte Novak nach Big Sur zurück.

Obwohl Novaks oberste Priorität ihr Privatleben ist, hat sie die Liebe zur Schauspielerei nie verloren, weil sie sie als einen weiteren Ausdruck ihrer Kunst betrachtet. Sie hat gelegentlich „die Wildnis“ für ein Projekt wie verlassen Nur ein Gigolo (1978) gegenüber David Bowie, oder Der Spiegel knackte (1980), mit Rock Hudson, Elizabeth Taylor und Tony Curtis. Einige Jahre später arbeitete sie mit Ben Kingsley weiter Die Kinder (1990), erschien dann später in Mike Figgis’ Liebestraum (1991).

In den letzten Jahren hat sich Novak entschieden, sich durch ihre Kunst auszudrücken. Ihre Bilder sind in erster Linie impressionistisch und außerordentlich emotional. Ihre erste öffentliche Ausstellung ihrer Kunst hatte sie 2012 im Historical Museum of San Francisco.

Glockenbuch und Kerze (1958)

Präsentiert in Zusammenarbeit mit Sony Pictures

Im selben Jahr spielten James Stewart und Kim Novak mit Schwindel , der kürzlich vom British Film Institute zum größten Film aller Zeiten erklärt wurde, haben sie sich auch für diese liebenswerte romantische Komödie mit einer übernatürlichen Wendung zusammengetan. Die beiden sehr unterschiedlichen Filme sind eng miteinander verbunden, da Paramount und Columbia einen Vertrag ausgearbeitet haben, um Stewart für diesen Film zu besetzen und Novaks Dienste für den Hitchcock-Film in Anspruch zu nehmen. Novak spielt eine Hexe aus Greenwich Village, die Stewart mit einem Liebeszauber belegt, um ihn einem alten College-Rivalen zu stehlen. Es ist schwer zu glauben, dass sie Magie brauchen würde, um einen Mann dazu zu bringen, sich in sie zu verlieben, besonders mit James Wong Howes Kinematografie, die sie in ihrer schönsten Form einfängt. Und als ob Novak nicht verlockend genug wäre, um jemanden zu den dunklen Künsten zu bringen, hat sie eine Familie entzückender Exzentriker – Bruder Jack Lemmon und Tante Elsa Lanchester – um den Deal zu versüßen. Ein Jahr bevor er zum Star wurde Manche mögen es heiß (1959) stiehlt Lemmon alle seine Szenen als schelmischer Hexenmeister, der Bongos im örtlichen Jazzclub spielt und seine Magie einsetzt, um Passanten zu punkieren.

Ryan O’Neal und Papiermond (1973)

Geboren als Patrick Ryan O’Neal am 20. April 1941 in Los Angeles, Ryan O’Neal schien als Sohn des Schriftstellers Charles „Blackie“ O’Neal und der Schauspielerin Patricia O’Callaghan für das Showbusiness bestimmt zu sein. Entschlossen, seinen eigenen Weg zu gehen, trainierte O'Neal, um ein professioneller Boxer zu werden, und nahm 1956 und 1957 an zwei Golden-Gloves-Meisterschaften in Los Angeles teil. Er hatte eine beeindruckende Bilanz im Amateurkampf – 18 Siege bei 4 Niederlagen und 13 Ko-Spielen.

In den späten 1950er Jahren zogen O’Neal und seine Familie nach Deutschland, um Sendungen für Radio Free Europe zu schreiben, die sein Vater schrieb. O’Neal setzte seine Schulbildung an der Munich American High School fort, bis er seinen ersten Job in der Unterhaltungsindustrie als Stuntman in der amerikanischen Fernsehserie ergatterte Geschichten der Wikinger.

In den frühen 1960er Jahren heiratete O’Neal die Schauspielerin Joanna Moore und das Paar hatte zwei Kinder: Tatum und Griffin. Die beiden trennten sich einige Jahre später und O’Neal heiratete später die Schauspielerin Leigh Taylor-Young, die er am Set von kennenlernte Peyton-Platz , seine erste große Fernsehrolle. Sie hatten ein Kind, Patrick.

O’Neal gab sein Spielfilmdebüt in Elmore Leonard’s Der große Sprung (1969). O'Neal fuhr fort, Twentieth Century Fox's zu machen Die Spiele (1970), wo er zum ersten Mal den Schriftsteller und Marathonläufer Erich Segal traf. Sein großer Durchbruch folgte bald, als er aus mehr als 300 Kandidaten für die Rolle des Oliver Barrett neben Ali MacGraw in Arthur Hillers Adaption von Erich Segals Bestseller ausgewählt wurde Liebesgeschichte im Jahr 1970. Der Film war ein Riesenerfolg und brachte O’Neal sowohl Oscar®- als auch Golden Globe®-Nominierungen als bester Hauptdarsteller ein.

Nach Liebesgeschichte , O'Neal wandte sich der Komödie zu und spielte neben Barbra Streisand in dem Riesenerfolg Was ist los Doc? (1972). Danach spielte er mit Warren Oates und Jacqueline Bisset in Der Dieb, der zum Essen kam (1973). Als nächstes übernahm O'Neal die Rolle eines Herumtreibers, der mit seiner Tochter, gespielt von der echten Tochter Tatum, an Betrügereien arbeitet. in dem von der Kritik gefeierten Hit Papiermond (1973), für den er als bester Hauptdarsteller für einen Golden Globe nominiert wurde. Tatum gewann für ihre Rolle einen Oscar als beste Nebendarstellerin.

Anschließend spielte O’Neal 1975 in Stanley Kubricks historischem Drama mit Barry Lyndon ; Olivers Geschichte , eine Fortsetzung von Liebesgeschichte 1978; und der Noir-Hit Der Fahrer , ebenfalls 1978. 1979 erzielte O'Neal einen weiteren Kassensieg mit Das Hauptereignis , wieder mit Barbra Streisand. Und 1984 spielte er zusammen mit Drew Barrymore, Shelley Long und Sharon Stone in Unüberbrückbare Differenzen.

1979 lernte O’Neal die Schauspielerin Farrah Fawcett kennen und verliebte sich in sie. Zusammen hatten sie ein Kind, Redmond. O’Neal und Fawcett spielten in der TV-Miniserie mit Kleine Opfer (1989), basierend auf der wahren Geschichte von Diane Downs. O'Neal kehrte zum episodischen Fernsehen zurück und spielte 1991 in der Sitcom erneut mit Farrah Fawcett, der Liebe aus dem wirklichen Leben, mit Guter Sport .

Zu O'Neals weiteren Rollen gehörte die Hauptrolle neben Robert Downey, Jr. in Die Chancen stehen gut (1989); Treu (1996), mit Cher in der Hauptrolle; und die Komödie Malibus Meistgesuchter (2003). O'Neal hat weiterhin im Fernsehen mit einer wiederkehrenden Rolle in erfolgreichen Krimidramen gearbeitet Knochen und machte kürzlich eine Reality-Show mit Tochter Tatum auf OWN.

Papiermond (1973)

Präsentiert in Zusammenarbeit mit Paramount Pictures

Peter Bogdanovichs Liebesaffäre mit der Vergangenheit kam ihm in dieser Adaption von Joe David Browns Roman zugute Addie Pray . Er stellt nicht nur liebevoll das ländliche Kansas und Missouri während der Weltwirtschaftskrise nach, sondern seine Arbeit spiegelt auch die besten Regisseure des Goldenen Zeitalters Hollywoods wider. Die tief fokussierten Schwarz-Weiß-Landschaften fangen die malerischen Weiten von John Fords Filmen ein (an einer Stelle passieren die Hauptdarsteller ein Kino, in dem Fords Film von 1935 gezeigt wird). Dampfschiff um die Biegung ), während das rasante Geplänkel zwischen dem Betrüger Ryan O’Neal und der echten Tochter Tatum, als das harte kleine Mädchen, das seine Komplizin wird, den komischen Dialog in den Filmen von Howard Hawks widerspiegelt. Ein Kritiker bezeichnete den Film sogar als den letzten Film von Preston Sturges. Bogdanovich war begierig darauf, wieder mit O'Neal zusammenzuarbeiten, nachdem sie es geschafft hatten Was ist los Doc? (1973) und überzeugte O’Neals Tochter, sich an der Schauspielerei zu versuchen. Er hat eine so gute Leistung aus ihr herausgeholt, dass sie den Oscar als beste Nebendarstellerin gewann und sogar Co-Star Madeline Kahn schlug, die die Karnevalstänzerin spielt, mit der O’Neal denkwürdigerweise anfängt.

Albert Maysles und Graue Gärten (1975)

Einer der führenden amerikanischen Dokumentarfilmer und Kameraleute, Albert Maysle macht seit mehr als einem halben Jahrhundert Filme. Zusammen mit seinem Bruder David (1932–1987) leistete Albert Pionierarbeit für die „Direktkino-Bewegung“, die ausgesprochen amerikanische Version des französischen „Cinema Verité“, in der sich das Drama des menschlichen Lebens so entfaltet, wie es ist, ohne Drehbücher, Kulissen oder Erzählung.

Die Maysles-Brüder nutzten diese innovativen Techniken, um die ersten Sachfilme zu drehen, darunter den bahnbrechenden Film von 1968. Verkäufer . Solche Maysles-Klassiker wie gib mir Obdach (1970) und Graue Gärten (1975) folgten bald darauf und sind für ihre exquisite Kinematografie und einfühlsamen Porträts berühmter und unbesungener Menschen bekannt.

Albert hat zahlreiche Auszeichnungen und Anerkennung für seine Filme und Kinematographie von Organisationen wie der Guggenheim Foundation, der Peabody Foundation, den Emmys®, der American Society of Cinematographers und der International Documentary Association erhalten, die drei Filme von Albert und David unter die besten gewählt hat 25 Dokumentarfilme, die jemals gedreht wurden.

2005 gründete Albert das Maysles Documentary Center, ein gemeinnütziges Kino und Schulungszentrum in Harlem, New York. Das MDC bietet aufstrebenden Dokumentarfilmern in der Gemeinde Harlem, sowohl Jugendlichen als auch Erwachsenen, kostenlose und kostengünstige Schulungen an. Das Maysles Cinema ist das einzige unabhängige Filmhaus in Upper Manhattan und widmet sich der Ausstellung und Produktion von Dokumentarfilmen, die zu Dialog und Action anregen.

Graue Gärten (1975)

Präsentiert in Zusammenarbeit mit Janus Films und der Academy of Motion Picture Arts and Sciences

Dieser ergreifende und auffallend originelle Dokumentarfilm ist eine Hommage an zwei Frauen, die mehr als 20 Jahre lang außerhalb der Linien gemalt haben und es wunderschön gemacht haben. Einst die Königinnen der Gesellschaft, zogen sich Edith Bouvier Beale und ihre Tochter, auch Edith Bouvier Beale genannt, in den 50er Jahren aus der Welt zurück, nur um von den bahnbrechenden Dokumentarfilmern Albert und David Maysles wiederentdeckt zu werden. Die Brüder wollten ursprünglich einen Film über Prinzessin Lee Radziwill, die Schwester von Jacqueline Kennedy Onassis, drehen. Als sie die Beales während ihrer Recherchen trafen, waren sie jedoch so fasziniert von der Welt, die sie in ihrer verfallenen Villa in East Hamptons geschaffen hatten, dass sie beschlossen, stattdessen einen Film über sie zu drehen. Eines der größten Geschenke der Maysles in Filmen wie gib mir Obdach (1970) und Verkäufer (1968) sollen sich selbst aus dem Bild nehmen, und diese Gabe zeigt sich hier. Beim Filmen von Mutter und Tochter, „Big Edie“ und „Little Edie“, ließen sie ihre Protagonisten den Film durch ihre täglichen Routinen, Erinnerungen, spontanen musikalischen Darbietungen und häufiges Gezänk prägen. Das Ergebnis ist eine poetische, oft komische Beschwörung der Exzentrik und zweier Frauen, die nie aufgehört haben, sie selbst zu sein.

Ira Wohl and Bester Junge (1979)

Ira Wohl ist der mit dem Academy Award® ausgezeichnete Filmemacher von Bester Junge (1979), ein Dokumentarfilm über den Weg seines 50-jährigen, geistig behinderten Cousins ​​Philly zu größerer Unabhängigkeit. Wohl ist auch der Macher der Fortsetzung, Bester Mann (1997), die zeigt, wie Philly überlebt hat und gedieh, sowie Beste Schwester (2006), in dem Phillys 80-jährige Schwester Frances in einer Zeit lebt, in der fast alle Menschen, Werte und Traditionen, die ihrem Leben einst einen Sinn gaben, aufgehört haben zu existieren

2004 produzierte Wohl Die Leute sagen, ich bin verrückt , der allererste Dokumentarfilm, der von jemandem mit Schizophrenie fotografiert und inszeniert wurde. John Cadigan, ein bildender Künstler, der im Alter von 21 Jahren einen psychotischen Zusammenbruch hatte, lädt das Publikum ein, die Welt in seinem „schönen Geist“ zu bereisen – ein chaotisches, paranoides und fantasievolles Universum, in dem er darum kämpft, zu wissen, was real ist, und es dennoch schafft, kreativ zu leben und erfülltes Leben.

Wohl hat einen Master-Abschluss in Sozialarbeit von der University of Southern California und ist lizenzierter klinischer Sozialarbeiter mit einer Privatpraxis sowie einer Teilzeitpraxis am Neuropsychiatric Hospital and Institute der UCLA, wo er die Studenten zur Psychotherapie behandelt. Er ist gerade aus Chicago zurückgekehrt, wo er eine Reihe von vierzehn ausführlichen Interviews gedreht hat, die das gesamte Spektrum psychischer Störungen abdecken, für eine neue Reihe von DVDs über den Prozess, den Nutzen und die Philosophie der Diagnose.

Bester Junge (1979)

Familie und Zeit stehen im Mittelpunkt dieser bewegenden Dokumentation, die derzeit ihr 35-jähriges Bestehen feiert. Der Filmemacher Ira Wohl verbrachte vier Jahre damit, seine betagte Tante und seinen Onkel zu begleiten, die sich mit der Notwendigkeit befassten, eine Zukunft für ihren geistig behinderten Sohn Philly zu schaffen. Ursprünglich wollte Wohl Philly helfen, unabhängiger zu werden. Zwei Tage vor Phillys erstem Treffen mit einem Neurologen, um genau festzustellen, was sein Potenzial für ein unabhängiges Leben war, beschloss Wohl, die Begegnung zu filmen. Innerhalb eines Tages erkannte Wohl, dass dies eine Geschichte war, die er erzählen musste, und dokumentierte weiterhin Phillys wachsende Unabhängigkeit und seine Entwicklung zu einer Großfamilie von Betreuern sowie die Auswirkungen, die dies auf seine familiären Beziehungen hatte. Bester Junge erhielt begeisterte Kritiken und gewann den Oscar® für den besten Dokumentarfilm. Es inspirierte eine Fortsetzung, Bester Mann (1997), der sich auf Phillys Leben in einer Wohngruppe und die Vorbereitungen für seine Bar Mizwa konzentriert.

Ein Gespräch mit Thelma Schoonmaker

Thelma Reiniger Powell wurde in Algier, Algerien, geboren, wo ihr Vater für die Standard Oil Company arbeitete. Sie wuchs auf der Insel Aruba auf und besuchte nach ihrer Rückkehr in die Vereinigten Staaten die Cornell University, wo sie Politikwissenschaften und Russisch studierte, um Diplomatin zu werden. Während ihrer Abschlussarbeit an der Columbia University antwortete sie a New York Times Anzeige, die eine Ausbildung am Arbeitsplatz als Filmschnittassistent anbot. Der Kontakt mit diesem Bereich weckte den Wunsch, mehr über die Filmbearbeitung zu lernen, und ihre Karriere war eingestellt.

Während eines sechswöchigen Sommerkurses an der Filmschule der New York University lernte sie Martin Scorsese und Michael Wadleigh kennen. Innerhalb weniger Jahre bearbeitete sie Scorseses ersten Spielfilm, Wer klopft da an meine Tür? (1967), danach schnitt sie eine Reihe von Filmen und Werbespots, bevor sie den Schnitt von Wadleighs Film von 1970 überwachte Holzlager , für den sie für einen Academy Award® nominiert wurde.

1981 gewann Schoonmaker den Academy Award, den American Cinema Editors Eddie und den BAFTA Award für ihre Bearbeitung von Scorseses Wilder Stier (1980). Seitdem hat sie an allen Spielfilmen von Scorsese mitgearbeitet: Der König der Komödie (1983); Nach Geschäftsschluss (1985); Die Farbe des Geldes (1986); Die letzte Versuchung Christi (1988); das Segment „Lektionen fürs Leben“ von New Yorker Geschichten (1989); GoodFellas (1990), der ihr einen weiteren BAFTA-Preis und eine weitere Oscar®-Nominierung einbrachte; Cape Fear (1991); Das Alter der Unschuld (1993); Kasino (Neunzenhundertfünfundneunzig); Bündeln (1997); Martin Scorseses Dokumentarfilm über die ersten 100 Jahre des amerikanischen Films, Eine persönliche Reise mit Martin Scorsese durch amerikanische Filme (Neunzenhundertfünfundneunzig); Die Toten zum Leben erwecken (1999); Martin Scorseses Dokumentarfilm über das italienische Kino, Meine Reise nach Italien (2001); Kriminelle Organisationen von New York (2002), für den sie eine weitere Oscar-Nominierung erhielt und den American Cinema Editors Eddie Award gewann; Der Flieger (2004), für den sie ihren zweiten Oscar und den American Cinema Editors Eddie gewann; Die Verstorbenen (2006), für den sie ihren dritten Oscar und ihren vierten American Cinema Editors Eddie Award gewann; Shutter Island (2010); Hugo (2011), für den sie für einen Oscar nominiert wurde; und zuletzt Der Wolf von der Wall Street (2013), für den sie eine American Cinema Editors-Nominierung und eine BAFTA-Nominierung erhielt. Derzeit arbeitet sie an Martin Scorseses Dokumentarfilm über das britische Kino.

Neben der Bearbeitung arbeitet Schoonmaker unermüdlich daran, die Filme und Schriften ihres verstorbenen Mannes, des Filmregisseurs Michael Powell, zu fördern, zu dessen Werk Titel wie gehören Die roten Schuhe (1948), Schwarze Narzisse (1947), Das Leben und der Tod von Colonel Blimp (1943), Eine Frage von Leben und Tod (1946) und Spanner (1960).