ROBERT CARLYLE gewinnt Gold mit BARNEY THOMSON: Exklusives Interview

Sie kennen Robert Carlyle. Aus Der volle Monty zu Trainspotting zu Cracker zu 28 Wochen später und natürlich als goldhäutiger Mr. Gold/Rumpelstilzchen in der erfolgreichen ABC-Show Es war einmal , hat dieser talentierte Schotte sowohl im Fernsehen als auch im Film Auftritte geschaffen, die unauslöschlich, abwechslungsreich, unterhaltsam und preisgekrönt sind. Aber jetzt tritt Robert Carlyle als Autor/Regisseur der herrlich dunklen Komödie BARNEY THOMSON hinter die Kamera. Und was weißt du? Für seine Bemühungen erhält er einen BAFTA Scotland Award für den besten Spielfilm. Und habe ich erwähnt, dass er auch in dem Film mitspielt? Robert Carlyle hat in der Tat ein goldenes Händchen.

Und wer ist BARNEY THOMSON? Wie Robert Carlyle ihn beschreibt, ist Barney Thomson ein Barbier mittleren Alters, der schon immer auf sein Glück angewiesen war. Keine Freundin, keine echten Interessen, kein Ehrgeiz. Er hatte einmal den vorderen Stuhl am Fenster im Friseursalon. Leider ist Barney im Laufe der Zeit immer weiter in den Laden zurückgedrängt worden, bis er hinter einem Perlenvorhang in der Nähe der Mülleimer und der Toilette ist. Der einzige Ort, an den er gehen kann, ist zur Tür hinaus, wo wir Barney treffen. Aber alles ist nicht völlig miserabel. Barney hat seine Mutter Cemolina; ein nervenaufreibender Nörgler, dessen größte Freude es ist, mit den Mädchen zu spielen und Barney zu beleidigen.

Die Dinge werden sich jedoch bald verbessern, da ein Serienmörder durch die Stadt rennt und in Saran verpackte Körperteile seiner Opfer an ihre offensichtlichen Lieben verschickt. Und aus irgendeinem Grund hat Polizeiinspektor Holdall seine Seiten auf den unglücklichen Barney als Mörder eingestellt.

Während der Dreharbeiten vor Ort in Vancouver Es war einmal , nahm sich Robert Carlyle die Zeit, ausführlich mit mir über BARNEY THOMSON zu sprechen, ein Projekt, das er seit Jahren liebevoll als „stalking him“ bezeichnet. Es gibt eine Freundlichkeit und Aufrichtigkeit, die man in Carlyles Stimme hört, die vielsagend ist; er ist sowohl bescheiden als auch gnädig. Dank seines reizenden schottischen Akzents wird ein fast unbeschreibliches Gefühl von Laune und Freude in seine Worte eingegossen, das eskaliert, wenn das Gespräch Elemente des Filmemachens berührt, auf die er besonders stolz ist. Und stolz ist, was er mit seiner Arbeit hinter und vor der Linse von BARNEY THOMSON sein sollte.

Entweder war die Idee nicht ganz richtig oder das Drehbuch passte nicht zu Carlyle oder das Timing war nicht richtig, aber BARNEY THOMSON und Robert Carlyle haben bis jetzt nie wirklich zusammengefunden. Nachdem Carlyle im Laufe der Jahre einige Filme als Regisseur angeboten bekommen hatte, wusste er selbst, dass er noch nicht bereit war. Dank seiner jahrelangen Schauspielerfahrung „wusste ich, wie schwierig es eigentlich ist. Ich hatte das Glück, im Laufe der Jahre mit einigen fantastischen Regisseuren zusammenzuarbeiten und zu beobachten und zu wissen, was es mit ihnen macht und dass es einen zermürbt. Und ich wusste, dass es etwas sein muss, das mir Spaß machen wird.“ Interessanterweise wurde ihm BARNEY bereits „vier- oder fünfmal über einen Zeitraum von sieben oder acht Jahren als Schauspieler angeboten, um die Rolle zu spielen. Ich mochte es, aber es war einfach nicht ganz richtig und ich scheute mich davor zurück.“ Aber dann drehte sich der Spieß um, als er in Vancouver arbeitete Es war einmal .“

Einige Produzenten, die er kennt, kamen blindlings mit einem Projekt auf ihn zu. „Schauen Sie, wir haben ein Glasgow-Drehbuch, das Sie interessieren könnte.“ Natürlich nutzte der Junge aus Glasgow die Chance, mehr zu hören. Lachend erinnert er sich: „Und es war wieder einmal BARNEY THOMSON! Ich kann mich diesem Film nicht entziehen! Es hat mich irgendwie verfolgt. BARNEY hat mich verfolgt!“ Aber Carlyle wusste, dass er jetzt noch einmal hinsehen musste. „Ich musste mir das genauer ansehen und sagen: ‚Warum gehst du davon weg? Warum vermeidest du das?‘ Also dachte ich: ‚Warum sollte ich? Das Drehbuch ist gut. Es spielt in Glasgow. Aber es ist nicht wirklich ein Glasgow, das ich erkenne. Es ist nicht einmal ein Glasgow, das ich kenne.“ Und John Lenic, mein Produzentfreund, sagte zu mir, vielleicht liegt es daran, dass es von einem Kanadier aus Vancouver geschrieben wurde. [lacht] Aha! Das ist es! Das ist der Schlüssel. Also Rich Cowan, der ein netter Kerl ist, er hatte das Drehbuch, aber er war damit nicht weitergekommen. Er sagte: ‚Bitte nimm es weg und mach damit, was du willst.‘“ In dem Wissen, dass das Drehbuch aus Glasgower Sicht neu geschrieben werden musste, „saßen wir selbst und mein guter Freund Colin McLaren die nächsten 12 Monate, 18 Monate, und fügten es zu dem zusammen, was Sie sehen.“

Was Carlyle und McLaren zurückbrachten, ist ein Drehbuch, das scharf, witzig und einprägsam ist. Der nächste Schritt war, die Seite auf den Bildschirm zu bringen. Auffallend ist die visuelle Grammatik des Films und die gesamte tonale Bandbreite des Films. Visuell ist dieser Film dynamisch und schön. Die Verwendung von Farbe ist vielsagend und fügt dem Film eine eigene Ebene hinzu. In Zusammenarbeit mit dem Kameramann Fabian Wagner werden die Kamerawinkel variiert und emotionale Texturen hinzugefügt, während das Rahmendesign einfach, reduziert und fokussiert ist. Die Gesamtergebnisse täuschen über die Arbeit eines erstmaligen Spielfilmregisseurs hinweg. Carlyle würdigt Wagner voll und ganz für die Arbeit.

„Fabian war eine wunderbare Hilfe. Er ist einfach fantastisch. Sie können dabei mit niemandem besser zusammenarbeiten als mit Fabian. Als ich das Drehbuch entwickelte, sah ich es als ein klares altmodisches Stück an und dachte, lass es uns so drehen. Stellen wir sicher, dass sich die Kamera nicht dreht. Es gibt keine SteadiCam. Sehr wenige Dolly-Aufnahmen. Ich wollte Aufnahmen, die ziemlich direkt sind und die Schauspieler dich direkt ansehen.“ Bezeichnend ist, dass Carlyles größter Einfluss auf den visuellen Look des Films das amerikanische Fernsehen von 1955 bis 1967 war. Er gibt eine „Liebe für das goldene Zeitalter des Fernsehens in den USA“ zu. . . Diese Zeit des Fernsehdramas war einzigartig und ziemlich atemberaubend. Einige wundervolle wunderbare Wege, die die Jungs damals zusammengefügt haben. Es ging eher darum, dass wir einfach die Geschichte erzählen. Lassen Sie uns nicht zu viel mit der Kamera herumspielen. Lasst uns einfach schöne Aufnahmen komponieren und die Schauspieler das Zeug darin machen lassen. Und das war der Schlüssel für mich und Fabian die ganze Zeit. Es ging darum, dass wir die schöne Aufnahme zusammenstellen und nicht so viele Setups haben, sondern nur ein oder zwei inszenieren, von denen wir wissen, dass sie richtig sind, und uns darauf konzentrieren. Noch einmal, es ist so viel Geld, so viel Geld, um den Film zu machen, und ich kann mir nicht vorstellen, wie ich das anders machen soll.“

Sobald das visuelle Design festgelegt war, „erzählte der Film dann sozusagen seine eigene Geschichte. Der Barbershop ist, denke ich, das Herzstück des ganzen Films. Meine Erinnerung an Friseurläden, als ich ein Kind in Glasgow war – eigentlich in jedem Land – als kleiner Junge an diese Orte ging – sie haben sich nie wirklich verändert. Die Tuniken, die sie tragen, die Schneider, die sie benutzen. Es ist bis heute alles ziemlich gleich. Ich dachte, das ist der Schlüssel zum ganzen Film. Draußen auf der Straße kann sich dann die Friseurwelt vermischen – es gibt keine Handys, keine Computer, nichts dergleichen. . .aber ich glaube nicht, dass man sich zu lange damit aufhalten kann. Es ist ziemlich kahl. Die Aufnahmen sind ziemlich kahl. Es gibt nur sehr wenige Extras, es gibt sehr wenig Hintergrund in den Totalen, weil ich wollte, dass Sie diesen Vordergrund sehen, anstatt vorbeilaufende Leute und vorbeifliegende Autos zu sehen. . . .das wird kein Actionfilm. Ich will nichts davon. Ich will diesen Schauspieler.“ Das Endergebnis ist ein sehr sauberer Look, der über die Farbsättigung und den Glanz des Films hinausgeht. Es ist uneingeschränkt ohne Ablenkungen durch die Augenlinie.

BARNEY THOMSON hat eine visuelle Poesie, die größtenteils aus der Verwendung von Farbe stammt. Polierte Rottöne und dunklere Hölzer in einer grobkörnigen Zeitlosigkeit für den Friseursalon, die dann durch die reine weiße Sterilität der Wohnung von Friseurkollege Chris und das cremefarbene Beige von Cemolinas Zuhause ausgeglichen wird. Jede Entscheidung war bewusst.

Laut Carlyle „kommt dieser Look, dieses Gefühl, die Rottöne – es ist ein Burgunder – ziemlich stark durch, und auch die Brauntöne wie ein Tabak verleihen dem eine Qualität. . .Ich wollte ihm diesen älteren Look geben. Und Grüns auch. Rot und Grün zusammen oder Rosa und Grün haben etwas ziemlich Interessantes. Diese Farben sind für mich eine Ehe. Und wir haben versucht, viel davon zu tun. Die Sequenzen klingeln einfach auf diesen Tönen. Wenn Sie dann zu Cemolinas Haus kommen, ist da eine Art Creme, es ist eine Art Beige. Diese beige-cremefarbene Welt, die Sie bei Ihren Großeltern sehen. Von Wand zu Wand!' Indem Cemolinas Farbpalette im Haus gedämpft wurde, konnte die Figur mit lebhaften Blumenmustern in ihrer Kleidung und der Farbe in ihrem Haar im Mittelpunkt stehen. Der Weiß-auf-Weiß-Hightech-Look von Chris’ Zuhause verleiht Chris eine neue Dimension, die wir nicht sehen, während er im Friseursalon ist. „Ich habe versucht, Barney noch mehr von Chris abzustoßen. Weil er Chris hasst, weil Chris wahrscheinlich alles ist, was er nie war und wahrscheinlich alles, was er sein wollte.“

Ein Hauch von Spezialeffekten kommt ins Spiel, wenn Barney in sich selbst eintaucht und verwirrende Erinnerungen zum Vorschein kommen, während im Hintergrund burgunderroter Blutregen herabtropft. Wie Carlyle den Effekt beschreibt: „Das war etwas, um Barney einfach zu sagen, dass Sie das schon einmal gesehen haben. Du warst so oft mit deiner Mutter in diesem Haus. Das hast du gesehen, Junge. Sie haben sich das alles angesehen. Und plötzlich sieht er alles neu in dem Moment, in dem er alles zusammenfügt. Er setzt das Ganze in diesem Raum irgendwie zusammen und erkennt, dass seine Mutter wirklich dieses Monster war.

Apropos „dieses Monster“, das Gespräch dreht sich um Emma Thompson und ihre Leistung als Cemolina. Schnell zugeben: „Was für ein Profi sie ist. Vom Start zum Ziel. Sie packte diesen Teil einfach mit beiden Händen. Um einen amerikanischen Ausdruck zu verwenden, sie hat es aus dem Park gehauen.“, erklärte Carlyle, wie und warum Emma Thompson zu BARNEY THOMSON kam. „Ich hatte gehofft, dass sie so auf das Drehbuch reagieren würde. Es gibt eine Menge Geschichte hinter dem Grund, warum ich mit Emma gegangen bin. Ich wusste, dass ich jemanden brauchte, der mutig war, um diese Rolle zu spielen, weil die Figur Cemolina im Allgemeinen für einen Mann ist. Jungs sind so verrückt und verrückt, wenn sie diese Art von Rolle spielen. . .Also dachte ich, wer wird mutig genug sein, das zu übernehmen. Und du siehst Emma an. Dann schaut man sich an, wie sie im Film aussah, und da ist jemand, der keine Eitelkeit hat, der wegen der Kunst dabei ist.“ Aber so kam die Rolle zu Emma Thompson, die unausgesprochene Bände über Robert Carlyle und Emma Thompson spricht. „Vor vielen, vielen Jahren denke ich an die Zeit von Der volle Monty , kam diese Karte an meine Tür. Nicht durch meinen Agenten. Es kam gerade an meine Tür und es war von Emma. Ich hatte Emma Thompson nie getroffen, aber Emma sagte: ‚Ich habe den Film geliebt. Gut erledigt. Ich bin so stolz auf dich. Blah, blah, blah.’ Einfach eine schöne unaufgeforderte Sache. Und ich dachte, ich werde eines Tages die Chance bekommen, diese Freundlichkeit dieser Karte zurückzuzahlen. Cemolina war in gewisser Weise meine Vergeltung dafür. Als ich Emma das Drehbuch schickte, legte ich ein kleines Anschreiben bei, in dem ich ihr das mitteilte, und sie antwortete und akzeptierte die Rolle innerhalb von anderthalb Tagen. Und wir hatten Emma Thompson an Bord. An diesem Tag gab es eine große Feier im Produktionsbüro.“

Aber der Casting-Reichtum von BARNEY THOMSON setzt sich mit Ray Winstone fort, der sein komödiantisches Zeug mit großer Souveränität zur Schau stellen kann. Laut Carlyle. „Ray und ich sind großartige Kumpel und ich denke, dass Ray großartig mit Comedy umgehen kann. Wie ich selbst wird er oft als Bösewicht gecastet, diese psychotische Art von Charakter in Filmen und so. Ich wusste, dass Ray Comedy im Blut hatte. Er hat es eingefangen. Er hat darin hervorragende Arbeit geleistet.“

Die große Frage dreht sich jedoch um Robert Carlyles Duell zwischen Schauspieler und Regisseur, was oft problematisch sein kann, wenn es sich um ein und dieselbe Person handelt. Mit dem Wissen, dass er sowohl Schauspieler als auch Regisseur sein würde, sowie seiner eigenen jahrelangen Erfahrung vor der Kamera, war Carlyle auf der Höhe seines Könnens und in der Lage, das Kunststück zu vollbringen. „Erstens, ich und Colin haben das Drehbuch irgendwie so strukturiert, dass Barney sehr reaktiv ist. Er folgt der Handlung nicht so sehr. Alles passiert irgendwie mit Barney, und Dinge passieren mit Barney. Es ist also meistens reaktiv. . . In Komödien, in düsteren Komödien, braucht es keine Aufführung, bei der einem das Herz zerreißt. Zweitens hatte ich einen wunderbaren Stellvertreter, obwohl er kein Stellvertreter war, einen wunderbaren Freund, einen befreundeten Glasgower Schauspieler namens Mark Barrett. . . .Emma und Ray und der ganze Rest der Besetzung hatten die Gelegenheit, vier- oder fünfmal Takes mit Mark zu machen, während Fabian und ich die Aufnahmen vorbereiteten und richtig hinbekamen. Und wenn wir das geschafft hätten, würde ich reingehen.“

Einige gute Tipps für alle Schauspieler/Regisseure sind Lektionen, die Robert Carlyle gelernt hat. „Um ehrlich zu sein, waren die meisten meiner Takes, wenn die Kamera eingeschaltet wurde, meistens ein oder zwei Takes. Sehr sehr schnell. Mach es fertig. Komm darüber hinweg. Und denke nicht zu viel darüber nach. Sitzen Sie nicht in Ihrem eigenen geparkten Kopf. Sie haben diesen Luxus nicht. Du musst breiter und größer sein. Das und etwas, das ich gelernt habe, ist erreichbar.“ Carlyle vermittelte auch ein wenig Weisheit aus seiner Zeit am Set von „Once Upon A Time“. „Sie müssen sehr schnell Ihr eigener Schiedsrichter über das werden, was Sie tun. Sie wissen selbst, ob die Einstellung richtig ist und ob sie richtig ist oder nicht. Die Tatsache, dass ich diese Art von Arbeit im Vorfeld der Dreharbeiten zu BARNEY gemacht habe, war wunderbar. Das war der Schlüssel. . .Ich hatte einen kleinen Monitor im Hinterkopf, der immer da war Es war einmal , und damit zu beginnen, denke ich, einer der größten Gründe, warum ich es tun konnte.“

Nachdem wir BARNEY THOMSON fertiggestellt haben, der bereits preisgekrönt, von Kritikern und vom Publikum gefeiert wurde, ist es an der Zeit, darüber nachzudenken, bevor wir uns der nächsten unvermeidlichen Regiearbeit zuwenden, und wirft die Frage auf, was Robert Carlyle bei der Regie dieses Films über sich selbst gelernt hat? Mit einem herzhaften, aufrichtigen Lachen ist seine Offenheit charmant. 'Ich bin verrückt!' Aber Carlyle wird ernst und ist mehr als nachdenklich und bescheiden. „Eigentlich, dass ich das könnte. Ich hatte unglaubliches Glück, Debbie. Ich habe im Laufe der Jahre mit einigen wunderbaren Regisseuren zusammengearbeitet. Leute wie Danny Boyle, Alan Parker, Ken Loach. Ich hoffe, dass ich von ihnen genommen habe. Du hoffst, dass all die Jahre, die ich vor der Kamera gestanden habe, ein wenig abgefärbt haben. Ich denke, was BARNEY mir beigebracht hat, ist, dass es so war. Es hat. Und dass es mir möglich war, dies zu tun. In meiner Theaterzeit habe ich 4 oder 5 Jahre im Theater gearbeitet und dann tatsächlich angefangen, Regie zu führen. Ich habe ungefähr 6 oder 7 Jahre lang im Theater Regie geführt. Die Regieführung der Schauspieler war also nie ein Problem. Es war nie ein Thema. Was ein Problem sein würde, war, ob ich diese Vision, die in meinem Kopf ist, auf den Bildschirm bringen kann. Das war der Schlüssel. Und das ist mir natürlich mit der wunderbaren Hilfe von Fabian gelungen.“