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Redakteur IVAN VICTOR hat das magische Händchen, das einen „Haufen Filmmaterial“ in den neuesten Fernsehhit „68 Whiskey“ verwandelt – Exklusives Interview

Das Fernsehen feiert seit langem unsere Männer und Frauen in den Waffen während des Krieges. Wir haben den Slapstick-Humor von „McHale’s Navy“ und „Hogan’s Heroes“ gesehen, die zwei Fronten des Zweiten Weltkriegs angehen, den Pazifik und das Leben in einer deutschen Kriegsgefangenenmütze. „China Beach“ bot einen dramatischen Blick auf Vietnam aus weiblicher Perspektive. M*A*S*H, eine der beliebtesten Fernsehserien aller Zeiten, hat uns mit dem Herz und dem Humor des 4077. nach Korea geführt. Und jetzt führt uns 68 WHISKEY in das heutige Afghanistan und zu den Männern und Frauen, die als Sanitäter der Armee im Camp Orphanage dienen. Ironischerweise genügt ein Blick und Anhören einer Besetzung von Charakteren wie Roback, Davis, Alvarez, Petrocelli, Holloway, Colonel Austin und Sasquatch, und wir werden lebhaft an die Hijinks von Hawkeye Pierce und Co. in M*A*S*H erinnert aber mit der zunehmenden Gefahr, Technologie und politischen Manipulationen und Machenschaften der heutigen Welt. 68 WHISKY ist, um ehrlich zu sein, M*A*S*H für das 21. Jahrhundert und eine sehr willkommene und zeitgemäße Ergänzung des Zeitgeists und des Paramount Network. Aber die perfekte Balance zwischen Komödie und Tragödie zu finden, um eine hochwertige Show zu produzieren, die das Publikum anspricht, erfordert ein geschicktes Auge und ein geschicktes Timing sowohl vor als auch hinter der Kamera.

Relativ unbekannte Hauptdarsteller von 68 WHISKY, darunter Sam Keeley (Roback), Jeremy Tardy (Davis), Nicholas Coombe (Petrocelli), Cristina Rodlo (Alvarez), Gage Golightly (Durkin), Lamont Thompson (Col. Austin), Beith Riesgraf (Holloway) Derek Theler (Sasquatch) und so vielen anderen Ensemblespielern, nur sechs Episoden in und die Show hat Legionen von Fans, die bereits nach der zweiten Staffel und darüber hinaus suchen, dank des scharfsinnigen Schreibens von Showrunner und Schöpfer Roberto Benabib, authentisch Produktionsdesign, dynamische Kinematographie, herzliche Darbietungen und Charaktere, in die wir uns schnell investiert haben. Mit jeder Episode schälen wir eine weitere Ebene der Kameradschaft und Freundschaft ab, während wir mehr darüber erfahren, was jeden Soldaten antreibt und wer er im Grunde ist.

Ohne vor den Tragödien und der Brutalität des Krieges zurückzuschrecken, begegnet uns mit 68 WHISKEY ein Warzone-Naturalismus, der Comedy und Hijinks erfordert, um die Spannungen der afghanischen Region, die allgegenwärtigen Taliban und sogar die Korruption korrupter Politiker mit der Welt auszugleichen Nebengeschäfte im Spiel. Während die Geschichte auf der Seite steht, ist es das Beschreiten dieser feinen Linie, Visuals mit Geschichte zu verschmelzen, was 68 WHISKY so fesselnd und fesselnd macht, wie es ist. Jede Episode hat mehr als ihren Anteil an Momenten, die den menschlichen Zustand und die Emotionalität ansprechen, in der unbeständigen und unsicheren Situation eines Kriegsgebiets zu sein, und findet dennoch Zeit, uns das Beste der Menschheit inmitten des Wahnsinns des Krieges zu zeigen und trotzdem das Publikum zu fesseln wie am Schnürchen mit fesselnden, spannungsaufbauenden Szenarien, die sich sowohl in Afghanistan als auch an der Heimatfront entfalten. Dieses Gleichgewicht innerhalb jeder Episode zu finden und einen Zusammenhalt innerhalb der Serie als Ganzes herzustellen, ist Sache des erfahrenen Redaktionsteams von 68 WHISKEY.

Seit mehr als 25 Jahren ist Editor IVAN VICTOR eine konstante Kraft in der Welt der Postproduktionsbearbeitung. Mit einem Sinn für Rhythmus und Timing, der für jeden erfolgreichen Redakteur unerlässlich ist, findet Victor den Sweet Spot mit Tempo und Geschichtenerzählen, sei es für eine Serie wie „Reno 911!“, eine realitätsbasierte kostenlose für alle wie „Jackass“ oder Spaß- gefüllte thematische Serien wie „1600 Penn“ und „The Goldbergs“. Und jetzt richtet er seine Aufmerksamkeit auf die perfekte Verschmelzung von Komödie und Drama mit 68 WHISKEY als Teil eines kollaborativen und zusammenhängenden Redaktionsteams.

Ich habe ausführlich mit IVAN VICTOR über sein Handwerk und 68 WHISKY gesprochen. Artikuliert und sachkundig und mit einem charmanten Sinn für Humor ist Ivan nichts als leidenschaftlich an jedem Element des Storytelling-Prozesses durch die Bearbeitung. Von der Ebbe und Flut der Kamera über die Fokussierung auf Augenlinien bis hin zum perfekten Tempo für das Halten einer Aufnahme oder eines Witzes oder eines ergreifenden und dramatischen Moments spricht er offen über den Prozess und die Freude und Zufriedenheit bei seiner Arbeit, denn am Ende des Tag haben Sie ohne den Editor nur einen „Haufen Filmmaterial“.

Ivan, ich bin ein riesiger Fan von 68 WHISKY. Für mein Geld ist das M*A*S*H für das 21. Jahrhundert. Und wie bei M*A*S*H ist die Bearbeitung dieser Show der Schlüssel zu ihrem Erfolg, zu ihrem Verständnis.

Brillant! Das ist schön zu hören.

Wir haben ähnliche Beziehungen und Situationen, aber wir haben mehr Drama mit 68 WHISKY, als wir wahrscheinlich seit den Tagen von „China Beach“ gesehen haben, das in der Vietnam-Ära spielt. Aber hier gibt es eine großartige Balance zwischen Komödie und Drama. Und eines der Dinge, die mir bei 68 WHISKY auffallen, ist die Schwierigkeit, tonale Balance zu finden. Wenn Sie Comedy haben, wollen die Leute normalerweise schneiden, schneiden, schneiden, schneiden, schneiden, um die ganze Komödie hineinzubekommen. Aber du hast so viele schöne Momente in den ersten vier Folgen von dir, die ich gesehen habe, bevor ich mit dir gesprochen habe, wo du den Moment ruhen lässt; Du lässt die Stille greifen, damit wir die Momente genießen können. Ich bin neugierig, wie finden Sie diese Balance aus redaktioneller Sicht?

Nun, oft ist es schwierig, weil es zum System des Fernsehens gehört, dass es sich um einen sehr schnelllebigen Prozess handelt, insbesondere bei einer Show, die direkt in eine Serie übergeht. Aber ich werde sagen, dass vieles davon aus dem Notizprozess stammt, sowohl mit dem Studio als auch mit Imagine und dem Netzwerk [Paramount]. Wir arbeiten alle zusammen, um sicherzustellen, dass wir all diese Momente bedienen, und es ist nur eine Frage des Experimentierens, ob wir ein wenig innehalten, bevor wir vom Drama zur Komödie übergehen, ob wir uns wieder zurück ins Drama begeben Sobald wir einen komödiantischen Moment hatten? Es gibt viel Trial-and-Error, wenn es darum geht, Zeilen herauszunehmen, die vielleicht zu lustig sind, die dann den dramatischen Moment untergraben würden, den wir gerade hatten, besonders im Piloten. Wir haben unsere Charaktere wirklich etabliert, besonders mit Roback, der eine Menge toller Witze hatte und alle wunderbar geliefert wurden, aber wir erkannten, dass es diesen beiden Emotionen ermöglichte, so gut wie möglich zu spielen, wenn wir fünf davon herausnehmen würden.

Roback ist eine faszinierende Figur, die so viel zugrunde liegendes Gepäck hat, dass ich vermute, dass sie im Verlauf der Serie noch mehr zum Tragen kommen wird. Aber wir sehen seine Fehler und das ist eines der schönen Dinge, die Ihre Bearbeitung ermöglicht. Niemand ist lilienweiß. Jeder hat Fehler. Jeder hat eine Hintergrundgeschichte, bis hin zu Colonel Austin, der seine eigene hat. Sie lassen das mit dieser Bearbeitung natürlich auf eine sehr natürliche, organische Weise herauskommen. Ich sehe es nicht als Formel. So viele Shows, die wir mit einem weiten Schuss eröffnen, fangen wir an, in einen mittleren Schuss zu gehen. Wir machen Berichterstattung, Berichterstattung, Nahaufnahme, Nahaufnahme, wieder raus. Es ist sehr vorhersehbar. Ich sehe diese Vorhersehbarkeit hier nicht.

Das ist richtig. Ein Teil der Ästhetik, die am Anfang mit dem britischen Regisseur Michael Lehmann und mit Roberto [Benabib] etabliert wurde, und ich weiß, dass Imagine auch sehr daran interessiert war, zu versuchen, dies so filmisch wie möglich zu machen, obwohl es das ist eine Fernsehsendung. Es in die ländliche Gegend Afghanistans zu stellen, bedeutet, dass wir, wenn wir hinausgehen, diese wunderschönen weiten Ausblicke haben. Es gab einen echten Wunsch nach schönen, fließenden Kamerabewegungen und einem fließenden Ablauf der visuellen Präsentation der Show. In dieser Hinsicht war es sehr ehrgeizig. Das als Ästhetik zu haben, hilft Ihnen, nicht in das Muster von, wie Sie sagen, weit zu mittel zu eng zu geraten, mit gelegentlichen Einfügungen oder Bewegungen hier und da.

Ich bin froh, dass Sie die Beschreibung von „ein Fluss“ verwendet haben. Nummer eins, die Show ist sehr filmisch, diese Show ist auf jeder Ebene extrem filmisch. Aber dieser Fluss, und ich sehe ihn, wenn wir oben im Helikopter sind, wenn sie oben in den Black Hawks sind, denn während der Helikopter seine Ebbe und Flut in der Luft hat, haben wir auch eine Ebbe und Flut der Kamera, der Bearbeitung, die diesem Tempo folgt. Also ich finde das wirklich interessant, und es ist sozusagen ziemlich beruhigend. Beim Anschauen fällt mir auf, dass das tatsächlich einige leichtere Momente sind, bis sie plötzlich aufpassen müssen. In diesem Fall hält die Kameraaufnahme und Sie halten sie während der Bearbeitung. Sie gehen nicht hin und her, um die Heiterkeit und den Wahnsinn von Roback und Davis einzufangen. Ich mag es wirklich, wie das spielt, visuell und emotional.

Sie haben Recht.

Wie viele Stunden Filmmaterial müssen Sie pro Folge durchforsten, um diese auf ihre Laufzeit von etwa 45 zu bringen?

Nun, das sind Acht-Tage-Shootings. Ich habe es vor einer ganzen Weile aufgegeben, zu zählen, wie viele Stunden Filmmaterial ich habe, weil es mich manchmal einfach aufregt, wenn ich denke: „Ah, da ist dieser Berg.“ Also versuche ich, Szene für Szene zu gehen, Moment für Moment. Aber es gibt eine ordentliche Menge. Die Sache ist jedoch, es ist eine super ehrgeizige Show, und die Schauspieler sind so gut, was erstaunlich ist, was bedeutet, dass die Regisseure mit einem Plan kommen, den Plan ausführen und weitermachen. Es ist also nicht wie bei einigen der anderen stundenlangen Dramen, an denen ich gearbeitet habe, wo Sie vielleicht 10, 12 Einstellungen für eine Szene haben, weil die Kamera im Raum herumhakt, um Ihnen neue, andere interessante Aufnahmen zu machen. Die Regisseure, die hereingekommen sind, waren sehr spezifisch in dem, wonach sie suchen, und während wir uns in einem Fernsehmedium befinden, in dem Sie Berichterstattung benötigen, damit Sie eine 48-minütige Kürzung auf 44 vornehmen können, ist es keine lächerliche Menge an Filmmaterial. Und wieder treffen die Schauspieler die meiste Zeit ins Schwarze, was unglaublich ist. Es ist eine erstaunliche Besetzung, mit der man arbeiten kann.

Diese Besetzung ist unglaublich. Es ist nicht nur für die Show als Ganzes, sondern auch für Sie als Redakteur eine Peinlichkeit des Reichtums. Und ich vermute, es läuft darauf hinaus, dass Sie Ihre Lieblinge manchmal im Schneideraum töten, denn so zusammenhängend und schön alles auf dem Bildschirm mit erstklassigen Darbietungen spielt, kann ich mir nicht vorstellen, dass sie Ihnen etwas geben, das Sie nicht behalten möchten in.

Ja schon. Gelegentlich gibt es den einen oder anderen Fehler, es gibt den einen oder anderen Moment, in dem eine Aufführung nicht großartig ist, aber es gibt immer großartige Sachen zur Auswahl. Und das Casting und die Chemie, die jeder hat, ist ziemlich speziell. Und ich denke, ein Teil dessen, was das funktioniert, ist, dass es in dieser Besetzung noch keine massiven Stars gibt. Sie kamen sehr frisch dazu und waren so dankbar für die Gelegenheit und die Qualität der Produktion, die Qualität des Drehbuchs und das, was sie als Schauspieler tun mussten, dass sie jedes Mal einfach die Ware bringen.

Und dies ist auch eine sehr aktuelle und aktuelle Show mit vielen Botschaften, die wir sehen.

Ja! Sicher. Und es scheut sich nicht, wie Sie auch erwähnt haben, dass es sich um unvollkommene Menschen handelt, die in dieser sehr hohen Drucksituation Probleme haben, die über ihnen schweben und sie belasten.

Einer der charmantesten Charaktere, die in dieser Show auftauchen, und Sie haben einige der wertvollsten Momente festgehalten, ist Nicholas Coombe als Anthony Petrocelli. Petrocelli und die Ziege haben eine solche Leichtigkeit und eine solche Süße. Ich bemerke, dass die Kamera jedes Mal, wenn er mit der Ziege fotografiert, meistens näher kommt, außer wenn sie alle wandern. Aber die Sonne scheint. Es gibt nie einen dunklen Raum. Es hellt wirklich nur das gesamte Segment auf. Und ich kann Ihnen nicht sagen, wie sehr ich das schätze und wie Sie diese Szenen einfach sitzen lassen.

Die Ziege ist auch ein Star. Ich habe vergessen, die Ziege zu erwähnen, also muss ich mich bei der Ziege und den Vertretern der Ziege entschuldigen. Ein Teil von dem, was Sie sagen, spielt in eine meiner allgemeinen Schnittästhetiken hinein, wenn ich damit durchkomme, nämlich wenn die Kamera ihren Job macht und die Schauspieler ihren Job machen, es sei denn, es besteht eine wirkliche Notwendigkeit, etwas zu machen ein Schnitt, ich werde immer auf der Seite irren: „Lass diese unglaublich talentierten Leute und jeden hinter der Linse den Moment schaffen, in dem sie existieren, lass das einfach spielen.“ Wie Sie wissen, geht es beim Bearbeiten nicht nur ums Schneiden. Es geht auch um Entscheidungen. Und manchmal besteht die Wahl darin, den Fluss nicht zu unterbrechen und einen Moment zu konstruieren, obwohl es sich oft nicht künstlich anfühlt, wenn Sie in die Geschichte eintauchen. Ich denke, es gibt etwas, das, wenn es einen Schnitt gibt, auf einer gewissen Ebene das Gefühl hat, dass es eine Manipulation gibt; nicht unbedingt auf eine schlechte Art und Weise, aber du spürst, dass da eine Hand ist, die eine Entscheidung für dich trifft.

Besonders gern. Und die Schnitte, die Sie in 68 WHISKY haben, sind biologisch. Es ist sehr natürlich, weil wir vom POV von Roback, Davis und Alvarez zum POV von Petrocelli wechseln. Oder wir gehen mit Holloway in den Operationssaal. Es ist nicht so, dass wir von einer Handlung absehen. Sie lassen jede Szene bis zu ihrem natürlichen Ende ausklingen. Dann bringen Sie uns in die POV von jemand anderem, was passiert, damit jeder eine faire Erschütterung bekommt. Und wir lernen immer mehr über jeden Charakter in der Mischung. Ich fühle mich nie manipuliert mit der Art, wie du das schneidest. Es ist wirklich sehr natürlich.

Das ist gut. Wir machen unseren Job richtig.

Wie viel Verantwortung fühlst du, Ivan, als Redakteur? Denn wie jeder weiß, sei es Film oder Fernsehen, die Bearbeitung ist die letzte Verteidigungslinie, um die Vision des Produkts richtig zu machen und es auf den Markt zu bringen. Da fällt viel auf den Redakteur.

Mit Sicherheit. Ich gewiss, ich fühle es. Aber ich genieße es auch. Ich weiß nicht, ob „Ehre“ ein zu viel Wort ist, aber es ist sicherlich etwas, wonach man sich fühlen muss, von der ersten Idee über die Schreibphase bis hin zur Vorbereitung, nach all den Kämpfen, die sie drehen müssen, besonders in dieser Show wo wir im September mit der Produktion begannen, also gab es einige sehr kurze Tage aufgrund der Tatsache, dass es dunkel wurde, Sie haben das Gewicht der Arbeit aller und Schweiß und Leidenschaft, die auf Sie herabfallen. Und eines der großartigen Dinge an der Show ist, dass Roberto Benabib, der Showrunner, einer dieser Showrunner ist, für die die Post ihr Lieblingsteil des Prozesses ist. Es ist also großartig, wenn Leute kommen und sagen: „Gib mir Bescheid, wenn es irgendwelche Probleme gibt. Ich möchte nicht, dass Ihre Abteilung in Stress gerät.“ Und er kommt herein und weiß, dass sie zu ihrem Lieblingsteil des Prozesses kommen.

Wie eng arbeiten Sie mit den einzelnen Episodenregisseuren zusammen? Oder arbeitest du hauptsächlich mit dem Showrunner und bekommst dann Feedback von Imagine und Paramount?

Die Regisseure einer einstündigen Show bekommen vier Tage für ihre Schnitte. Normalerweise passiert es also nicht immer so, aber normalerweise haben Sie als Redakteur vier Tage nach den Dailys Zeit, um Ihren Schnitt zusammenzustellen. Und unsere Schnitte sind vollständig mit Hintergrundgeräuschen und Schlüsselgeräuschen tapeziert, wenn wir sie brauchen, und auch mit der Musik darin. Aber normalerweise hat der Regisseur Anspruch auf vier Tage und danach kommt Roberto oder wer auch immer der Showrunner ist, und hat ein paar Tage Zeit. Dann geht es ins Atelier. Du kommst zurück, du adressierst ihre Notizen. Dann geht es ans Netzwerk und es gibt normalerweise ein paar Runden von Netzwerknotizen. Aber im Fernsehen ist es das Medium des Showrunners, und sicherlich in dieser Show, weil Michael Lehmann unser Produzent und Regisseur ist. Er ist daran beteiligt, seine Meinung darüber abzugeben, wie verschiedene Schnitte funktionieren, und hilft bei der visuellen Seite der Dinge in Bezug auf Farbe und Ton. Aber ab dem Zeitpunkt, an dem der Regisseur seinen Schnitt veröffentlicht, liegt so ziemlich alles beim Showrunner.

Ich weiß, dass es da draußen einige Fernsehregisseure gibt, die ihre Hände gerne die ganze Zeit über beim Redakteur haben und die sehr, sehr laut sagen, was sie wollen. Daher bin ich bei dieser speziellen Show neugierig, wie das funktioniert hat. Ich muss sagen, dass Paramount, zwischen „Yellowstone“ und 68 WHISKY, mit der Schaffung von filmischem, episodischem Fernsehen aus dem Park hauen.

Ja. Sie scheinen auch wirklich zu wissen, wer ihr Publikum ist, und sie arbeiten darauf hin, im Gegensatz zu einigen Leuten, die vielleicht ihre eigene Ästhetik haben und verdammt sind, ob die Leute, die den Kanal tatsächlich sehen, mögen, was Sie ihnen geben. Sie sind ziemlich eingefahren.

Sie haben einige sehr breite Komödien gemacht und Shows wie „Blunt Talk“ oder „The Goldbergs“ bearbeitet, und dann sind Sie mit etwas wie „Reno 911“ weit raus gegangen. Aber 68 WHISKY scheint die perfekte Mischung für die Bearbeitung zu sein. Für dich selbst, Ivan, bevorzugst du es, eine Show wie 68 WHISKY zu schneiden, die etwas Drama und etwas Comedy hat? Oder ist es egal? Hast du eine Präferenz?

Nicht enorm. Ich bevorzuge es, wenn es Comedy gibt, weil es einfach großartig ist, bei der Arbeit zu lachen und diese Momente zu verfeinern. Ich genieße beide Aspekte, denn im Grunde ist eine Komödie nur ein Drama mit Witzen obendrauf. Sie betrachten also immer das Geschichtenerzählen als Grundlage. Und dann geht es darum, die Witze zum Funktionieren zu bringen. Also, ich bin mit beiden zufrieden.

Wie viele Kameras werden verwendet, um 68 WHISKY zu drehen?

Meistens sind es ein oder zwei. Und dann gibt es im Finale gelegentlich eine große, ich werde es nicht sagen, aber es gibt ein paar große Szenen, die drei erforderten. Aber oft ist es nur die einzelne Kamera. Gelegentlich gibt es eine gewisse Überdeckung, besonders wenn sie Licht jagen, aber um die Art von Augenlinien und Winkeln zu erhalten, nach denen wir meistens suchen, ist es nur eine einzige Kamera.

Ich weiß es zu schätzen, dass Sie gerade Augenlinien erwähnt haben, weil wir ständig in der Augenlinie jeder Figur sind, wenn sie auf dem Bildschirm zu sehen ist. Sie schauen uns an. Wir sind keine Fliege an der Wand in der Decke. Es gibt kein Dutching von Kameras. Wir kommen nicht für eine Kranaufnahme herein und zoomen nach unten. Die Art und Weise, wie dies ist, zeigt, dass wir das Gefühl haben, bei ihnen zu sein. Und ich denke, das ist sehr wichtig für diese Show.

Einverstanden. Und das hängt meiner Meinung nach wieder mit der Arbeit von Michael Lehmann und Roberto zusammen, aber insbesondere von Michael, die dafür gesorgt haben, dass es zwar einen Fluss gibt und wir erkennen, dass die Kamera ein Werkzeug zum Erzählen von Geschichten ist, aber auf eine sehr spezifische Weise verwendet wird das funktioniert organisch mit der Erzählung, im Gegensatz zu „Oh gut, ich kann mit allem auf den Kopf gestellt und von hinten nach vorne beginnen. Und ich kann die Kamera drehen, weil wir jeden Tag einen Techno [Kran] am Set haben.“ Die Dinge werden mit Absicht gemacht, im Gegensatz zu jemandem, der denkt: „Oh, ich habe noch nie so eine Aufnahme gemacht, das wäre cool.“

Welches Schnittsystem benutzt du für 68? Eifrig?

Ja.

Was macht das Avid-System so gut für diese Show? Oder bevorzugen Sie nur Avid? Avid ist meiner Meinung nach spektakulär, aber ich weiß, dass viele Leute gerade Adobe und andere Software ausprobieren, also bin ich neugierig auf Ihre Meinung.

Ich habe Avid gelernt, also basiert mein System, wie ich Tageszeitungen organisiere und wie ich arbeite, wirklich der gesamte Prozess, darauf, wie ich meine Erfahrung und mein Können als Redakteurin und Geschichtenerzählerin durch dieses Stück Software gesammelt habe. Ich weiß, dass einer der großen Vorteile, besonders bis vor ein paar Jahren, all das Filesharing ist, was ich verstehe. Ich weiß, dass Premiere daran gearbeitet hat, aber … ich weiß, dass es eine Show gab, die jemand vor ein paar Jahren gemacht hat, wo sie auf Premiere gegangen sind und die Dateifreigabe auf diesem System nicht funktioniert hat, also wenn Sie geben wollten einen Mülleimer an jemand anderen, du musstest ihn kopieren und jemand anderem geben, und dieser muss ihn dann hinüberkopieren. Und das Öffnen dauerte fünf Minuten, und Sie konnten Ihrem stellvertretenden Redakteur nicht einfach sagen: „Hey, hier ist etwas für Sie in einem Mülleimer, können Sie das, das und das reparieren?“ Und dann tun sie es und geben es dir zurück. Daher denke ich, dass sich viele der technischen Workflow-Aspekte von Premiere nicht wirklich für eine Show eignen, bei der wir drei Editoren und drei Assistenten haben. Da sind dieser Joel Goodman und Scott Wallace, die auch in der Show schneiden, und wir hatten eine wunderbare, gemeinsame Erfahrung miteinander. Sie sind nette Jungs und äußerst talentierte Redakteure. Es kommt oft vor, dass wir zusammenarbeiten und fragen: „Hey, was vermutest du von dieser Szene? Wie fühlst du das?“ Aus dieser Perspektive und mit der gesamten Postabteilung war es eine wunderbare Erfahrung.

Ich muss sagen, Episode fünf, „Pain Management“, die Joel [Goodman] bearbeitet hat, Sie sprechen von dramatisch und actiongeladen! Aber immer noch ein paar kleine komödiantische Momente darin zu finden, wie „Haben sie den Starbucks-Truck?“, war perfekt zeitlich und platziert und eine perfekte Szene, um das Trauma dessen, was wir sehen, mit einigen unserer eigenen aufzuhellen durch den Angriff verletzt und verletzt und getötet werden. Joel hat einen tollen Job gemacht. Und es passt stilistisch perfekt zu dem, was Sie bereits in den ersten vier Folgen festgelegt haben. Es ist wunderschön gemacht. Nahtlos erledigt, hin und her, mit euch.

Recht. Ich habe eins und vier gemacht und Scott hat zwei gemacht. Joel hat drei gemacht, also haben wir irgendwie mitgemacht. Ich finde das auch immer interessant, weil wir alle unterschiedliche Stile und unterschiedliche Ästhetiken haben. Aber das Rückgrat, wie die Episode aussieht, ist durch Roberto. Roberto ist unglaublich respektvoll gegenüber seiner Idee und dem, was wir als Redakteure denken, was funktionieren wird. Wenn etwas für ihn nicht funktioniert, meldet er sich natürlich. Aber es ist irgendwie interessant, wenn Sie sich andere Folgen ansehen, es gibt einige Redakteure, die drei Sekunden früher zur nächsten sprechenden Person wechseln, die Leute werden auf unterschiedliche Weise vor- und nachlaufen. Trotzdem hat man das Gefühl, dass es sich um ein konsistentes Geschichtenerzählen handelt. Das ist nicht etwas, worüber wir herumsitzen und diskutieren, diese leichten Besonderheiten. Aber ich denke, es ist einfach die Alchemie, wie wir uns alle gegenseitig bei der Arbeit beobachten und wir sehen uns die Folgen an und wir stellen sicher, dass wir alle die gleiche Show schneiden, anstatt so zu schneiden, wie wir es gerne tun würden.

Ich habe nur noch eine letzte Frage, Ivan, und das ist, warum redigieren? Warum für Sie bearbeiten? Was hat es mit dem Bearbeiten auf sich, was ist das Geschenk, das es einem gibt?

Oh Gott! Ich darf viel Zeit alleine sein. Das genieße ich sehr. Nicht, dass ich in irgendeiner Weise ein Misanthrop wäre, aber ich genieße die Menge an Zeit, in der ich mir selbst überlassen bin, um etwas zu erschaffen. Und dann gibt es diese Momente der Zusammenarbeit. Und wenn Sie sich genauer mit den Leuten befassen, mit denen Sie gerne zusammenarbeiten, ist es schön, großartige Mitarbeiter zu haben, die hinzukommen. Ich finde die gesamte Zusammenarbeit großartig. Meine stellvertretende Redakteurin Jessica ist wunderbar, und wir haben viel zu lachen und eine gute Beziehung. Ich mag es immer, wenn Leute das Editieren zu schätzen wissen, weil wir gewissermaßen in dunklen Räumen eingesperrt sind und das Editieren, nehme ich an, die unsichtbare Kunst ist. Es ist also schön, dass es Leute gibt, die die Rolle anerkennen. Ohne sie [Bearbeitung] haben Sie nur einen Haufen Filmmaterial.

von debbie elias, exklusives interview 18.02.2020