LEIGH WHANNELL erhöht den Einsatz mit UPGRADE – Exklusives Interview

Es überrascht nicht, dass Autor/Regisseur LEIGH WHANNELL mit UPGRADE! Bis heute am besten bekannt als eine der kreativen Kräfte hinter den „Saw“- und „Insidious“-Franchises sowie als Darsteller des beliebten „Specs“, rechte Hand von Lin Shayes „weiterforschender“ Elise Ranier während der „Insidious“-Saga, Whannell greift jetzt weiter in sich hinein, gräbt tiefer in seine eigenen Talente, um alle Register zu ziehen und UPGRADE zu liefern. UPGRADE wurde von Whannell geschrieben und inszeniert und geht nicht nur mit Action, sondern auch auf philosophischer Ebene im immerwährenden Kampf zwischen Mensch und Maschine an die Grenzen.

UPGRADE ist ein überwältigendes Kinoerlebnis, das dank des Kameramanns Stefan Duscio und der Produktionsdesignerin Felicity Abbott nicht nur ein visueller Hingucker mit Hochglanz und üppigem Produktionsdesign ist, sondern auch die Geschichte und Konzeptualisierung von Whannell ist mehr als aufregend. Hier treffen wir Grey Trace. Als Liebhaber aller Dinge der alten Schule, der in einer nicht allzu fernen Welt der computerisierten Künstlichkeit lebt (und in vielerlei Hinsicht das Hier und Jetzt), akzeptiert Gray die High-Tech-Arbeit seiner Frau Asha als Teil der Existenz, aber dafür Für ihn wird es niemals die sinnliche Erfahrung ersetzen, sich die Hände mit echter Arbeit und einem praktischen Dasein schmutzig zu machen. Dank eines brutalen Angriffs auf das Paar wird Asha getötet und Gray bleibt querschnittsgelähmt. Aber was wäre, wenn Greys körperliche Funktionsfähigkeit wiederhergestellt werden könnte? Was wäre, wenn er durch genau die Technologie, gegen die er wütet, wieder gesund werden könnte? Grey wird von einem genialen Milliardär angesprochen, der nicht alt genug aussieht, um Fahrrad zu fahren, geschweige denn ein künstliches Intelligenz-Implantatsystem namens S.T.E.M. zu entwickeln, und muss sich seinen dunkelsten Dämonen und Ängsten stellen. Bleibt er in seinem gelähmten Zustand oder akzeptiert er die Technologie, die es ihm ermöglicht, sich an denen zu rächen, die seine Frau ermordet haben? Und natürlich hat alles einen Preis.

Diese Ideologie von Mensch und Maschine und ihrer gegenseitigen Abhängigkeit ist mehr als überzeugend und zum Nachdenken anregend. Der Mensch braucht Maschinen. Egal wie praktisch man sein möchte, man braucht heutzutage immer noch eine Maschine, sei es ein Computer oder eine Drohne oder im Fall von Grey – MINT, aber wo zieht man die Grenze bei Integration und Implementierung? . Wo wird der Punkt, an dem der Mensch aufhört, Mensch zu sein und zur Maschine wird – sei es durch Roboteroperationen und -erweiterungen oder einfach dadurch, dass er sein eigenes Gehirn nicht nutzt? Whannell erforscht dies und mehr mit einem Drehbuch, das sich dreht und wendet und Sie mit einem vollen sensorischen Erlebnis in den Kaninchenbau führt.

Mit Logan Marshall-Green als Grey Trace, Harrison Gilbertson als Computergenie Eron und Benedict Hardie in einer erschreckenden „Hitler-ähnlichen“ Performance als militanter Anführer Fisk ist UPGRADE eine perfekte Mischung aus Action, Terror und Sci-Fi.

Es ist immer ein Vergnügen, mich wieder mit Leigh Whannell zusammenzusetzen, diesmal um mit UPGRADE über sein eigenes Regie-Upgrade zu sprechen. . .

Von Getty Images einbetten

Leigh, meine Gedanken kreisten, als ich das sah. Vom konzeptionellen Standpunkt von Mensch versus Maschine und der Vorstellung, wo der Punkt hinkommt, an dem der Mensch aufhört, Mensch zu sein und zur Maschine wird, sei es durch Roboteroperationen, Verbesserungen oder einfach dadurch, dass er sein eigenes Gehirn nicht benutzt? Dann erhalten wir diese großartige Konzeptualisierung, die Sie durchziehen und mit so vielen Tangenten und Ebenen entwickeln, die wir uns ansehen können. Und Sie gestalten Ihre visuelle Palette so perfekt, dass sie die Ideologie und Geschichte ergänzt. Und neben der Kinematographie von Stefan Duscio hat man dann noch ein tadelloses Sounddesign. Sie verwenden die gleiche Philosophie, dass das Gehör und andere Sinne eines Blinden verbessert werden. Hier ist jemand, der Tetraplegiker ist, und dann wird alles um ihn herum mit der Farbe, mit dem Klang verbessert. Du hast kein Detail übersehen.

Ja. Ja. Er ist unglaublich, Stefan Duscio. Damit muss man sich auseinandersetzen, bei einem Film wie diesem, bei dem man so ehrgeizig ist und bei dem Budget, das wir hatten, ist die einzige Überlebenschance das Planen, Planen, Planen, Planen. Ich wollte während der Vorproduktion alles überkommunizieren und überplanen. Stefan, der Kameramann, und ich, wir hatten so viele Gespräche über jede Szene und was die Emotionen dieser Szene waren. Wir haben es als Vorwand benutzt, um viele Filme zu sehen. Wir waren in einem Büro und ich sagte: „Weißt du, ich möchte, dass es wie ‚SEVEN‘ aussieht, so dass ‚SEVEN‘ wie ein Renaissance-Gemälde von etwas wirklich Hässlichem aussah. Sehen wir uns ‚SEVEN‘ an.“ Und der Produzent kam herein und sagte: „Seht ihr euch nur Filme an oder redet über den Film?“ Aber all diese Vorplanung zahlt sich aus, die Sie dann ausführen, weil Sie wissen, warum Sie jede Entscheidung treffen. Sie wissen, warum dieses Blau oder diese Person dieses bestimmte Hemd trägt oder warum wir die Kamera auf diese Weise richten. Es ist also großartig zu hören, dass Sie es bemerkt haben, und wenn Sie sagen, der Film handelt von Mensch gegen Maschine und davon, wie viel von uns wir Computern geben, das trifft für mich heute wirklich zu. Es ist nicht einmal eine Spekulation über die Technologie der Zukunft. Es geht darum, wie viel von unserer Menschlichkeit in diesen Dingen lebt. Ich war gerade in New York und saß dort und sah mich um, und buchstäblich jede Person um mich herum hatte [ein Handy] und starrte hinein. Ich denke, es ist eine ausgewachsene Epidemie. Wir setzen so viel von unserer Menschlichkeit ein und kuratieren diese kleinen zweiten Leben jetzt online mit unseren Social-Media-Konten. Es ist eine Droge. Vieles, worüber dieser Film spricht, ist also dieses moderne Problem, nicht einmal potenzielle Probleme in 30 Jahren, sondern das, wo wir uns gerade befinden.

Mit dem Vertrauen auf Technologie und nicht mit Ihrem Gehirn.

Ja. Wir delegieren so viel und bekommen so viel von unseren Emotionen aus diesen Dingen. Diese kleinen Dopaminstöße, die Sie mit „Likes“ und so bekommen, sind eine Droge. Ich weiß nicht, wie wir uns davon entwöhnen sollen. Ich denke, unser Vertrauen wird nur zunehmen, bevor es abnimmt.

Etwas, das ich an UPGRADE wirklich liebe, besonders am Sounddesign, weil es eine Kakophonie von Klängen ist, ist, dass es so akribisch geschichtet ist, dass wir natürlich den Sound des Muscle-Cars haben, die Menschlichkeit des Menschen und der alten Schule Metal mit diesem besonderen Sound des Trans Am im Gegensatz zum Sound des Polizeiautos oder dem Sound des computergesteuerten Autos, das Asha hat. Sehr unterschiedliche Geräusche, alle differenziert, selbst in denselben Szenen. Dann haben Sie nur das Umgebungsgeräusch des Tropfens des Wasserfalls in Grays und Ashas Haus und auch in Erons Haus Höhle , denn so hast du es wirklich entworfen, als Versteck. Und du hörst das Echo des Gehens auf Beton. Also all diese kleinen Dinge, die sehr greifbar und sehr menschlich sind, stehen im Kontrast zu diesem ganzen roboterhaften Unterton.

Ja, und das ist so toll, dass du das bemerkt hast, weil wir das wollten. Wir wollten, dass die Technologie in diesem Film die Natur imitiert, und das ist wirklich … Das zentrale Thema des Films ist, dass die Technologie mit uns verschmilzt und zur Natur wird. Und so hat er im Beispiel von Aarons Haus, dem Versteck, das wir gebaut haben, die Natur ins Haus gebracht. Er hat Bäume im Haus. Er geht nicht nach draußen. Er lässt die Natur zu sich kommen. Ich denke, dass Felicity Abbott, die Produktionsdesignerin, sie und ich schon früh entschieden haben, dass wir wollten, dass die gesamte Technik in diesem Film versucht, die Natur zu imitieren. Zum Beispiel habe ich beim Sounddesign, über das Sie gesprochen haben, gesagt, ich möchte, dass alle Computer in diesem Film eingeschaltet werden. Ich will keine Blips und Bloops, wie wir sie in vielen Science-Fiction-Filmen hören. Ich sagte, alles soll nach Natur klingen. Wenn in Grays und Ashas Haus ihre Computerbildschirme angehen, ist es das Geräusch von rauschendem Wasser und Vogelgezwitscher. Alles versucht, die natürliche Welt nachzuahmen, aber es ist nicht die natürliche Welt. Es ist fast so, als würden wir die natürliche Welt digitalisieren, um sie zu erleben, ohne sie tatsächlich betreten zu müssen.

Deshalb wird es mit dem Sounddesign und der Bearbeitungsstruktur über das hinaus erhöht, was es wäre, wenn wir draußen wären.

Das ist gut, weil Sie das Zeug in einer Tonmischung machen, und wenn Sie dort in diesem Raum sitzen, fragen Sie sich, ob das irgendjemand bemerken wird? Du wirst es hineinstecken, aber du weißt es nicht. Wenn ich Sie also sagen höre, dass es mir klar wird, dass Dinge, die Sie in den Film einbauen, egal wie klein, empfangen und verarbeitet und bemerkt werden.

Ähnlich verhält es sich mit der Lichtgestaltung. Ich muss sagen, ich liebe es, wie Sie und Stefan Scheinwerfer verwendet haben, viele Scheinwerfer – Scheinwerfer, die von den Drohnen herunterkommen, Scheinwerfer auf dem OP-Tisch, Scheinwerfer, wenn Eron S.T.E.M. vorführt, Scheinwerfer auf den Roboterarmen in Greys Küche . Aber Sie verwenden die Scheinwerfer nur, wenn es künstlich und roboterhaft und technisch ist. Wenn es sich nicht darauf konzentriert, ist die Beleuchtung natürlicher. Wie Sie den Trans Am in den Garagen haben. Natürliches, normales Licht. Sie gehen zum Haus des Mörders, wo Grey nach Informationen sucht, und Sie haben die sonnengeküssten Strahlen durch die Vorhänge gefiltert, eine Art Filter, aber dieser goldene Schein dahinter. Alles ist natürlich. Holztöne und das Licht ist weicher. Ich liebe diese visuelle Unterscheidung, die Sie mit der Beleuchtung machen, und dann kommen Sie zu Old Bones und werfen Neon hinein, und dort ist es wieder eine Kakophonie visueller Töne.

Oh danke. Das ist ein tolles Kompliment. Stefan ist ein großartiger Kameramann, und deshalb arbeiten wir bereits mit jemandem zusammen, der so gut ist, und durch unsere Gespräche haben wir beschlossen, dass der Film wieder eine Mischung aus organischem und künstlichem Material sein soll. Die Scheinwerfer kommen also, wie Sie sagten, von den Maschinen, aber die Natur versucht, dem nachzugeben, wie Reben, die hineinwachsen. Es ist, als wäre ich immer noch hier. Außerdem lieben wir praktische Beleuchtung, wie Lichter, die in der Szene sind. Anstatt also hier oben ein Licht zu haben, das die Szene beleuchtet, lassen wir eine Lampe, die eigentlich eine Requisite ist, ein Licht sein. Und so erlauben Ihnen die Maschinen, das mit Scheinwerfern zu tun und alles herunterfallen zu lassen. Wir haben gerne damit gespielt. Jede Requisite, über die jemand mit uns gesprochen hat, wir haben versucht herauszufinden, wie sie die Szene beleuchten kann, ob es die Drohne ist, wie Sie sagen, die im Scheinwerferlicht steht, oder es ist ein Stück Technik. Es erlaubt Ihnen nur, den hellen Teil des Charakters zu machen, was ich liebe. Ich liebe es, die Lichtquellen im Rahmen zu sehen.

Ich denke, das letzte Mal, als ich etwas mit Light Sourcing gesehen habe, das so schön gemacht wurde, hat Danny Boyle es in „Sunshine“ gemacht. Die gesamte Beleuchtung wurde tatsächlich in das Raumschiff eingebaut, also schien es natürliches Licht zu sein.

Ach, tatsächlich? Interessant. Ich habe den Film nie gesehen, aber ich will ihn unbedingt sehen.

Du solltest wirklich. Auch hier ist es philosophisch, zum Nachdenken anregend, aber visuell mit dem Design, das sie tatsächlich eingebaut haben. Es könnte Dod Mantle gewesen sein, der die Kinematografie darin gemacht hat, ich kann mich jetzt nicht erinnern, aber die gesamte Beleuchtung war eingebaut , es war also wie ein organischer Teil des Schiffes.

Richtig, wofür Sie eine Entschuldigung haben, denn wenn Sie es mit einem Raumschiff zu tun haben, müssen Sie erfinden. Niemand weiß wirklich, wie ein Schiff aus dieser Zeit aussieht, also können Sie überall Lichter an den Wänden anbringen. Das ist großartig. Ich liebe das auch. Es lässt den Film einfach mehr atmen. Ich habe das Gefühl, wenn Sie das Licht sehen können, das die Person in der Szene verwendet, hilft es dem Film, sich realer zu fühlen, sich direkter mit dem Zuschauer zu verbinden als eine wunderschön beleuchtete Szene, aber Sie können keine der Lichtquellen sehen.

Ich muss über dein Casting reden, Leigh. Ihr Casting ist vorbildlich. Sie bringen Logan [Marshall-Green] herein. Sie sehen den Unterschied, den körperlichen Unterschied, den er von vor der Verletzung bis zur Tetraplegie und dann einmal von S.T.E.M. implantiert ist und die Roboternatur oder die gestelzte Natur der Bewegung. Er hat nicht die natürlichen fließenden Körperteile. Wie lange haben Sie beide daran gearbeitet, das zu erreichen? Weil es uns ständig daran erinnert, besonders wenn S.T.E.M. trennt die Verbindung und plötzlich liegt er wieder auf dem Boden und sackt ganz natürlich um, wie es ein Körper tut. Aber die körperliche Unterscheidung in seiner Körperbewegung ist hervorragend.

Volle Anerkennung für Logan. Er ist ein sehr physischer Schauspieler. Er kommt vom Theater. Er ging zu Julliard, also arbeitet er gerne von Kopf bis Fuß. Viele Filmschauspieler, mit denen Sie sprechen, arbeiten hier [zeigt auf Kopf und Schultern]. Logan will bis in die Zehenspitzen arbeiten. In diesem Film ist er der Spezialeffekt. Er trägt kein Exoskelett und er hat kein Hightech-Gerät an sich geschnallt. Es ist wirklich nur sein Körper. Ich habe ihm das sehr früh gesagt, als wir uns zum ersten Mal telefoniert haben, weil ich Logan in einem Film namens „The Invitation“ gesehen hatte, der ein großartiger Low-Budget-Thriller war, und er spielte diese Figur, deren Sohn gestorben war und er trägt all diese Trauer, und ich dachte, das wird großartig für diesen Film. Als wir das erste Mal über den Film sprachen, sagte ich: „Du bist der Spezialeffekt in diesem Film.“ Das hat er sich wirklich zu Herzen genommen. Sofort. Ich ging nach Australien, um mit der Vorproduktion zu beginnen. Er war in LA und schickte mir per E-Mail Videos von sich in seinem Hinterhof, wie er sich bewegte. Und ich würde ihm Notizen schicken. Ich würde sagen: „Weniger Tin Man. Tanze nicht Roboter, denn du bist kein Roboter. Anstatt sich so zu bewegen, möchte ich, dass Sie sich so bewegen. . . Wenn der Computer die Kontrolle übernimmt, möchte ich, dass Sie sich mit reiner Flüssigkeit und Anmut bewegen. . . Das kontrolliert ein Balletttänzer.“ Also fing er damit an, ein bisschen mehr zu tun, und dann reiste er einen Monat vor Drehbeginn nach Australien, was im Vergleich zu dem, was manche Filme mit Training machen, keine lange Zeit ist. Also haben wir einfach losgelegt. Er war einen Monat lang jeden Tag da und wir hatten ihn mit einem Stuntteam zusammengearbeitet, aber wir hatten ihn auch mit einem Tanz- und Bewegungskoordinator zusammengearbeitet, jemand, der für den Cirque du Soleil gearbeitet hatte. Er war dieser stämmige kleine Kerl, und jeden Morgen kam Logan um 5:00 Uhr herein und dieser Typ ließ ihn einfach in Bewegung kommen, nur seine Haltung richtig machen. Ich erinnere mich, dass Logan zu mir sagte: „Gott, ich habe nie bemerkt, wie schlecht meine Körperhaltung war, bis ich diesen Film gemacht habe“, denn wenn der Computer übernimmt, sitzt er so da.

Er hat die perfekteste Haltung im Universum!

Ja. Und wenn Sie sich seinen Charakter vor dieser Szene ansehen, hat er darauf geachtet, diese Geschichte zu erzählen, und er war irgendwie gebeugt. Er war irgendwie ein eingezogener Typ, und plötzlich hat er sich geöffnet. Es hat also wirklich Spaß gemacht, das mit ihm zu machen, und ich denke, wenn ich jemanden gehabt hätte, der nicht gut in den körperlichen Dingen war, wäre ich im Nachhinein mit diesem Film tot im Wasser gewesen, weil man so darauf angewiesen ist, zuzusehen ihn und das Verstehen dieser Geschichte durch den Schauspieler. Jemand, der das nicht schafft, würde, glaube ich, das Publikum aus dem Film ziehen.

Dann bringen Sie Harrison Gilbertson ins Spiel. Ich kenne seine Arbeit aus Scott Waughs „Need For Speed“, aber hier! Das ist das ganze ausgebleichte „Dennis the Menace“-Haar und das unschuldige, engelhafte Gesicht. Aber da ist wieder die Unschuld und Ruhe und die greifbare Angst, die er hat hervorragend.

Ja, Harrison Gilbertson. Er ist toll. [Eron] weiß nicht, wie man mit Menschen spricht. Meiner Meinung nach wurde sein Charakter dazu erzogen, mit Computern zu sprechen. Damit fühlt er sich viel wohler als Menschen. Sogar meine Tochter. . . Meine Tochter kann mein Telefon schon bedienen. Sie ist fünf. Sie kann es entsperren. Ich sitze da und sehe sie an. Sie denkt, es sei völlig normal, in die Küche zu gehen und zu sagen: „Alexa, spiele den ‚Frozen‘-Soundtrack.“ Und Alexa sagt: „Der ‚Frozen‘-Soundtrack wird abgespielt.“ Es ist erstaunlich für mich, dass das, was wir mit dem Denken als Science-Fiction aufgewachsen sind, meine Tochter denkt, genau wie wir leben. Und als ich mir diese Figur vorstellte, dachte ich an jemanden, der damit aufgewachsen war, mit Siris zu reden, und sich damit viel wohler fühlte. Du stellst einen echten Menschen vor ihn und er sagt: „Äh, hallo.“ Vor einem Computer sitzen, und er ist wie Mozart. Er ist wie ein anmutiger Konzertpianist, wenn er mit einem Computer zu tun hat, aber es sind Menschen, die [ihn erschrecken]. . . Es ist also wie eine Umkehrung … dieser elektronische Babysitter. Das habe ich Harrison gesagt, als er die Rolle bekam. Ich sagte: „Hör zu.“ Ich sagte ihm: „Wenn du kannst, möchte ich, dass du für zwei Wochen weggehst.“ Er hatte ein Haus an der Küste von Melbourne und ich sagte: „Ich möchte, dass Sie dorthin gehen und mit niemandem außer per E-Mail kommunizieren. Ich möchte also nicht, dass Sie mit jemandem telefonieren oder mit ihnen sprechen. Einfach mailen.“ Er ist einer dieser Schauspieler, die so darauf stehen. Er sagte: „Oh ja.“ Er liebt diese Herausforderungen. Ich wollte nur, dass er jemand ist, der nicht mit anderen Menschen kommunizieren kann.

Und denken Sie nicht, dass ich Ihre Anspielung auf James Wan in UPGRADE nicht bemerkt habe!

Oh ja. Ja, das war da. Du hast alles gemerkt! Ich danke dir sehr. Wirklich unglaublich! Vielen Dank.

Jetzt, wo das alles fertig ist und endlich in die Welt hinauskommt, nimmst du immer etwas aus deinen Projekten mit. Was hast du bei der Arbeit an UPGRADE über dich gelernt, das du in die Zukunft mitnehmen möchtest?

Oh, das ist eine großartige Frage. Du meinst als Filmemacher oder als Mensch oder beides?

Beide.

Beide. Als Filmemacher habe ich gelernt, dass man ehrgeizige Dinge für ein geringeres Budget machen kann. Es besteht die Tendenz, manchmal zu denken, dass ein Film mit großen Ideen ein Studio-Tentpole-Budget braucht. Was ich dabei herausgefunden habe, ist, dass Sie den Spukhausfilm nicht einfach die Familie im Haus oder das Drama mit zwei Schauspielern in einem Raum mit einem geringeren Budget machen müssen. Die Art und Weise, wie wir Dinge erreichen konnten, indem wir einfach die richtigen Leute eingestellt haben. . . Felicity, die du erwähnt hast, und Stefan. Ich gebe ihnen volle Anerkennung. Ich würde den Film im Abspann nicht als „ein Leigh Whannell-Film“ bezeichnen, weil ich gesagt habe, und ich bin nicht falsch bescheiden, ich habe gesagt: „So viel von diesem Film ist die Crew.“ Ich liebe sie. [Aber] es ist nicht mein Film. Es sind wir alle. Ich meine das ernst und stehe dazu. Mir wurde klar, dass wir mit der Hilfe dieser Leute tatsächlich einen Film wie diesen machen können, was gut ist. Und der Grund, warum ich das mit einem niedrigeren Budget sage, ist, dass ich die kreative Freiheit eines niedrigeren Budgets liebe. Sobald Sie anfangen, ein großes Studio um 40 Millionen Dollar zu bitten, haben Sie viele Köche und ein großes Komitee um Sie herum, und sie sagen: „Okay. Seite eins. Das gefällt mir nicht.“ Was ich mag, ist diese Autonomie zu haben, aber ehrgeizig zu sein. Um ehrlich zu sein, denke ich, das Wichtigste, was ich gelernt habe, ist, dass ich es nicht mag, zu lange von meiner Familie getrennt zu sein, weil wir diesen Film in Australien gedreht haben und es interessant war. Danach sagte ich zu meiner Frau: „Gott, ich möchte diese Karriere machen, aber wie machen wir das?“ Ich möchte, dass sie mit mir kommen, und das wird immer schwieriger, wenn die Kinder älter werden und in die Schule gehen. Es ist also ein interessanter Scheideweg, wenn man sagt: „Wow. Ich glaube nicht, dass ich für diesen Handlungsreisenden-Lebensstil geschaffen bin, aber das ist es, was ich mit meinem Leben machen möchte.“ Vielleicht muss ich also mit anderen erfahreneren Regisseuren sprechen, die es getan haben, und sie fragen, wie sie Familie und dieses Leben zusammengeführt haben. Ich kenne keinen wirklich erfahrenen, großen [Regisseur] . . . James[Wan] ist einer. Er hat noch keine Familie, aber ich weiß, dass es da draußen andere Regisseure mit Familien gibt. Das wäre also eine interessante Frage, die man ihnen stellen könnte, wie sie die beiden zusammengeführt haben. Schwierig.

interview von debbie elias, 23.05.2018

ANHÄNGER MIT ROTEM BAND