Kameramann NEWTON THOMAS SIGEL rockt die Welt von BOHEMIAN RHAPSODY mit Licht und Objektiv – Exklusives Interview

Newton „Tom“ Sigel hat seit den Anfängen seiner Karriere als Kameramann beim Fernsehhit „Wunderbare Jahre“ einen langen Weg zurückgelegt. Er verfeinerte sein Handwerk bei Filmen wie „Die üblichen Verdächtigen“, „Brokedown Palace“ und „Three Kings“ und es dauerte nicht lange, bis Sigel sich selbst bei Projekten mit größerem Budget von „Valkyrie“ bis „Superman Returns“ wiederfand, während er nuanciert lieferte visuelle Metapher in Indie-Filmen wie „Towelhead“. Sigels Karriere sprang mit „Drive“ auf Hochtouren, gefolgt von „X-Men: Days of Future Past“, „X-Men: Apocalypse“ und mehr. Und jetzt stellt sich Tom Sigel mit BOHEMIAN RHAPSODY der vielleicht größten Herausforderung (und größten Spielwiese) seiner Karriere als Kameramann. Das Ergebnis ist sowohl optisch als auch mit visuellem Storytelling herausragend. Es ist eine Sache, schöne Bilder zu entwerfen, zu beleuchten und zu objektivieren und eine zusammenhängende tonale Bandbreite zu schaffen. Es ist die nächste Stufe, wenn das visuelle Design und die Textur eine eigene Ebene des Geschichtenerzählens erzählen. Das tut Tom Sigel hier.

Einer der beeindruckendsten Aspekte von BOHEMIAN RHAPSODY ist Tom Sigels Kinematographie und die visuelle Tonbandbreite des Films, die nicht nur den kometenhaften Aufstieg von Queen widerspiegelt, sondern auch das Genie und den inneren Konflikt und die Ambiguität von Freddie Mercury. Die ästhetischen Veränderungen der Popkultur von den Anfängen der 70er über die Glam-Rock-Jahre bis in die 80er Jahre widerspiegelnd und mit Live Aid am 13. Juli 1985 kulminierend, beeindrucken Beleuchtung und Linsen, vor allem bei den Konzertversatzstücken.

Im Gegensatz zu der elektrisierenden und hochmodernen Stilisierung der Konzertbeleuchtung steht die Lebendigkeit der Clubs, die Freddie in den 80er Jahren besuchte, die mit der satten roten Beleuchtung und den Farbtupfern unter dem Rot überflutet waren. Während es atmosphärisch ist, schreit es auch metaphorisch „Stopp“. Die Beleuchtung und Beleuchtung von Freddies Villa ist fast magisch, doch in seinem Klavierzimmer herrscht eine Intimität mit der Tiffany-Lampe am Fenster, wenn er sie ein- und ausschaltet und Mary signalisiert, wie es ein kleiner Junge mit einer Blechdose und einem Faden mit seiner besten Freundin tun würde nebenan. Die Wärme von Freddies Elternhaus ist einladend, einladend und gemütlich, aber angesichts dessen, was Malek Freddie durch seine Performance bringt, können wir die klaustrophobische Natur des Zuhauses aus seiner Perspektive spüren. Ein feiner visueller Balanceakt, der mit Maleks Performance zusammenarbeitet. Bemerkenswert sind signifikante Momente, in denen die Beleuchtung zu den musikalischen Beats passt und eine visuelle Lyrik erzeugt, die der Herausgeber John Ottman mit seinen Schnitten weiter umsetzt, auflöst und ein fast hypnotisches emotionales Erlebnis schafft.

BOHEMIAN RHAPSODY, ein Spielplatz für einen Kameramann wie Sigel, gab ihm die Chance, seine bereits weit gespannten Flügel auszubreiten und die Kreativität von Queens eigenen Bühnenproduktionswerten mit seinen eigenen in Einklang zu bringen, und er wird der Herausforderung mehr als gerecht. Während Sigel Queens eigene innovative Konzertproduktionswerte annimmt, die damals den Konzertstandard setzten, führt Sigel sie hier zu neuen Höhen, indem er Bühnen und Kamerabewegungen voll ausnutzt, verbessert durch Aufnahmen mit der Arri Alexa 65 und unter Verwendung der Hasselblad Prime DNA und Prime 65-S-Objektive. Und suchen Sie nicht nach einer Schuss-für-Schuss-Live-Aid-Einrichtung. Während die Bühne identisch und die Aufführung dieselbe ist, führt Sigel die Kamera hinter die Kulissen und gibt uns einen Einblick in das, was geschah, bevor Queen die Welt in Wembley erschütterte. Die Kamera lässt das Publikum an dieser Magie teilhaben.

Vor Ort in Indien nahm sich Sigel in der Vorproduktion seines neuesten Films „Dhaka“ (den Sigel zugegebenermaßen als „nicht meine typische Tasse Tee“ bezeichnet) unter der Regie von Sam Hargrave, produziert von den Russo Brothers und mit Chris Hemsworth, eine Auszeit um in diesem exklusiven Interview mit mir telefonisch über BOHEMIAN RHAPSODY zu sprechen. . .

Eines der großen Dinge mit bohemian Rhapsody ist die Kinematographie. Ich würde gerne hören, wie Sie mit Bryan [Singer] gearbeitet haben und wie Sie Ihre visuelle tonale Bandbreite entwickelt haben, denn Ihre Visuals folgen sehr deutlich den emotionalen Beats von Freddies Leben und dem kometenhaften Aufstieg von Queen. Sie mussten sich mit diesem Gerät wie ein Kind in einem Süßwarenladen fühlen, da Sie Konzertbeleuchtung, Bühnenbeleuchtung und die gesamte Live Aid Wembley-Erholung übernehmen mussten. Dann gibt es intime Clubs, das Familienhaus, das eine ausgeprägte goldene Wärme ausstrahlt, plus unter Berücksichtigung der 15-jährigen Zeitspanne und der kulturellen Veränderungen, die sich auf die unterschiedlichen Looks auswirken. Als Sie zum ersten Mal erfahren haben, dass Sie diesen Film machen, und sich zum ersten Mal mit Bryan zusammengesetzt haben, wie haben Sie herausgefunden, wie Ihr Aussehen tatsächlich aussehen würde?

Nun, es war interessant, weil ich die Musik von Queen kannte und sie mochte, und ich war immer irgendwie fasziniert davon, wie sie die Populärkultur und Sportstadien und Sportveranstaltungen infiltriert hatte, aber ich wusste nicht wirklich viel über die Band. Und als ich kam bohemian Rhapsody , als ich das Drehbuch bekam und mit meiner Recherche begann, las ich jedes Buch, das es über Freddie und über die Band gab. Ich sah mir das gesamte Archivmaterial an und der Film begann in meinem Kopf zu erscheinen. Es fing an, mir in Bezug auf den Look zu gefallen und begann auch, die Art und Weise zu absorbieren, wie sich die Band selbst veränderte und wie sie den Wandel der Populärkultur widerspiegelte, von einer Art Ende der Gegenkultur, die durch den Glam tauchte Rock-Periode der späten 70er, und dann landete man bei dieser Art von 80er-Ästhetik, die besonders Freddie begeisterte, als Live Aid auf den Markt kam.

Es war also eine Veränderung im Aussehen der Band, sehr stark in Bezug auf Freddies Aussehen, als er sich mit seiner eigenen Sexualität, seinem eigenen Platz und dem, was in der Kultur als Ganzes geschah, sowohl in Großbritannien als auch in Großbritannien, wohlfühlte Die Vereinigten Staaten. Also begann der Film vor meinem geistigen Auge zu erscheinen, und dann war es nur noch eine Frage, mit welchen Mitteln man das festhalten kann? Wie soll ich das ausdrücken oder vor die Kamera bringen? Dann haben wir einige Tests durchgeführt, um bestimmte Kostüme und Farbkombinationen, Objektive, Kamerakombinationen, Filter, Beleuchtung und all das Zeug zu sehen, und es hat sich entwickelt. Es entwickelte sich sowohl in Bezug auf die dramatische Linie des Films als auch in Bezug auf die musikalische Darbietung, weil es sicherlich einen langen Weg zurücklegte, von College-Clubs mit 100 Zuschauern bis zum Wembley-Stadion mit 130.000 und mehr Milliarden Menschen im Fernsehen.

Ich bin neugierig, Tom, wegen der unterschiedlichen Looks – wenn der Film nach dem Live Aid-Teaser beginnt und wir Freddie treffen und sein Zuhause und seine Familie sehen, ist es viel weicher, sehr romantisch und mit warmer Beleuchtung als das, was wir wahrscheinlich ein wenig sehen nach der Filmmitte ist alles schärfer und sehr knackig. Sie haben offensichtlich eine Verschiebung der Objektive, die Sie zwischen diesen verwenden, und ich liebe es, wie es zu Freddies passt, wie er in seine eigene Haut kommt, wenn die Dinge schärfer und nicht so weich werden und sozusagen verschwommen sind. Welche Objektive haben Sie verwendet und welche Kameraobjektivverpackung haben Sie gewählt, um diese sehr unterschiedlichen Looks zu kreieren?

Der erste Akt des Films wird mit der Alexa SXT und den alten Cooke Speed ​​Panchro Lenses gemacht, die ziemlich alt sind. Darüber hinaus haben wir eine Menge erstellt, die speziell für diesen Abschnitt seiner Geschichte entworfen wurde. Dann nutzten wir die Spitze der Pops und ungefähr zu dieser Zeit, als sie bekannt wurden, wurden sie auf einer Art größerer, nationaler und schließlich [einer] internationalen Bühne bekannt, um auf die Alexa 65 und die Arri DNA-Objektive umzusteigen. Aber was wirklich beim Übergang geholfen hat, so dass es nicht wie ein Umlegen eines Schalters war, war das In Spitze der Pops wir haben auch etwas Beta-Cam-Material beigemischt. Da Spitze der Pops , die eine Sendung war, wollten wir ihre Tonalität so reproduzieren, wie die Sendung damals aussah. Und so fanden wir einige alte, vergrabene Beta-Cam-Kameras, und wie wir das Band dafür gefunden haben, ist mir ein Rätsel, aber wir haben es gefunden. Aus diesem Grund haben Sie diese Mischung aus Formaten während des Übergangs. Wieder passiert es mit dem „I Want to Break Free“-Video, wo wir tatsächlich 35 Filme verwenden und wir haben es mit der Originalkamera von Freddies Musikvideo gedreht, die ich im Lager gefunden habe. Sie hatten also diese verschiedenen Formate, die den Übergang dorthin unterstützten, wo wir die Alexa 65 und die DNA-Linsen hatten.

Nun, das wird offensichtlich im IMAX gezeigt. Wenn Sie wissen, dass es sich um IMAX handelt, stellt das irgendwelche neuen Überlegungen oder Herausforderungen für Sie dar? Ich weiß, dass Sie schon einmal damit gearbeitet haben, aber ich bin neugierig, ist das etwas, das Sie bei Ihren Entscheidungen berücksichtigen müssen?

Die IMAX-Version ist fabelhaft. . . Zunächst einmal wussten wir bei diesem speziellen Film nicht genau, ob er auf IMAX laufen würde. Wir hatten damals keine Ahnung, dass wir drehten. Aber der Film, insbesondere für einen Film wie diesen, wenn ich den Look entwerfe, die Technologie auswähle und die Beleuchtung feinabstimme, geschieht dies immer mit der Vorstellung, dass er auf der größten Leinwand zu sehen ist, auf der man ihn möglicherweise sehen kann. Es gibt so viele verschiedene Formate, in denen sich die Leute heutzutage Medien ansehen, es gibt keine Einheitsgröße, also denke ich, wenn Sie für den größtmöglichen Bildschirm fotografieren und dann hoffen, dass es nur umso besser aussieht, wenn Sie kleiner werden. Wenn Sie die Farbkorrekturen vornehmen, ist das heutzutage natürlich sehr kompliziert geworden, weil wir Rec 709 machen müssen, wir machen HDI, wir machen Dolby Laser, wir machen IMAX, wir machen IMAX Laser, also gibt es diese Vielzahl von Veranstaltungsorten für die Sie Ihre DI- und Farbkorrektur durchführen. Und ich denke, wenn Sie auf die höchste Leiste abzielen, können Sie alle anderen Formate immer einfacher anpassen, als wenn Sie Sachen in einem viel niedrigeren Format analysieren und dann versuchen, herauszufinden, wie Sie es auf einem riesigen Bildschirm live machen können.

Ich weiß, wann immer Sie mit Farbe zu tun haben, wirkt sich dies auf die Beleuchtung aus, und hier ist Farbe aufgrund der Jahrzehnte und der Zeiträume, die wir durchmachen, so wichtig, nicht nur für die emotionale Stimmung und den Ton dessen, was mit Freddie und mit der Band und dem passiert Welt, sondern auch auf den gesamten Look, denn wenn wir in den frühen 70er Jahren beginnen, kommen wir, wie Sie bereits gesagt haben, aus der Hippie-Ära, der weichen Farbpalette, den gedämpften Tönen, diesen wundervollen Avocado-Grün-, Gelb- und Goldtönen in der Küche wir alle erinnern uns und ist deutlich anders als wenn wir uns in den Glam Rock, in die Disco und all diese Farbverschiebungen bewegen, also wie wichtig ist es für Sie, mit Ihrem Produktionsdesigner Aaron Haye zusammenzuarbeiten, wenn es um Farbe geht, und dann mit Ihnen haben um das zu beleuchten und zu objektivieren?

Nun, es ist entscheidend, weil der Produktionsdesigner und der Kostümdesigner wirklich zwei Teile eines Dreiecks sind, von dem ich der dritte bin, und egal wie gut Ihre Beleuchtung oder Ihre Kinematografie sind, bis zu einem gewissen Grad ist Ihr Ausgangspunkt immer das, was sie Ihnen geben vor die Kamera stellen. Wenn Sie also nicht mit ihnen zusammenarbeiten, haben Sie bereits ein Handicap. Die Farbpalette im bohemian Rhapsody ist interessant, weil ich den Designelementen der 70er bis 80er eine Art Hommage und Tribut zollen und den Veränderungen im zeitgenössischen Design in diesen 15 Jahren Tribut zollen wollte, aber ich wollte auch Farbe verwenden, um das zu reflektieren, was war mit der Band passiert, aber Freddie im Besonderen.

Es ist also so etwas wie das Fundament, und das Fundament ist das, was man mit dem Designer und dem Kostümdesigner aufbaut, eines, das die in den 70er und frühen 80er Jahren vorherrschenden Designelemente sehr stark nachahmt. Und dann ist die zweite Ebene die emotionale Ebene, auf der es, wie Sie bereits erwähnt haben, einen goldeneren romantischen Look gibt; die vergötterte Sicht, fast naive Sicht, die Freddie und die Band am Anfang ihrer Karriere haben, die in einen schärferen Fokus und eine komplexere, wirklich komplexere Interaktion mit der Welt gerät, während sie zu internationalen Berühmtheiten und Superstars werden. Diese Farbpalette, die anfangs sehr warm und golden war und dann im Laufe der Geschichte ein gesättigteres und kühleres Aussehen erhält, ist eine Art emotionaler Expressionismus, der durch Farbe entsteht, die auf die Grundlage gelegt wird der Periode. Es ist also eine Art zweischichtiger Farbansatz im gesamten Film, und es erzählt wirklich die Geschichte.

Ist es für Sie als Kameramann eine Hilfe oder ein Hindernis, und gerade in diesem Fall, weil es so viele Archivaufnahmen von Live-Auftritten der Band gibt, natürlich, Live Aid gibt es die ganze Dokumentarserie, die mehr als eine Milliarde Menschen gesehen haben das und du weißt, dass die eingefleischten Fans bei jedem Konzertmoment, den wir haben, jede einzelne Sache und Kleinigkeit unter die Lupe nehmen werden. Ist es also eine Hilfe oder ein Hindernis für dich, visuelle Referenzen zu haben, auf die du dich berufen kannst? Und fühlst du dich verpflichtet, die exakte Bühnenbeleuchtung oder ähnliches nachzubilden?

Nun, ich denke, es ist eine große Hilfe. Ob Sie sich dafür entscheiden oder nicht, hängt wirklich von der Geschichte ab, die Sie erzählen, oder? Mit anderen Worten, wenn Sie sich entscheiden, etwas zu tun, das fast dokumentarisch oder historisch korrekt ist, ist dies eine enorme Hilfe. Und wenn Sie entscheiden, dass Sie einfach etwas total Expressionistisches und Fantastisches machen wollen, müssen Sie sich vielleicht nicht alles ansehen, oder Sie betrachten es nach Belieben. Wie alles im Internet steht es Ihnen zur Verfügung, wenn Sie möchten, aber das bedeutet nicht, dass Sie sich daran binden müssen. Abgesehen davon gibt es für unsere spezielle Geschichte eine poetische Freiheit und Freiheiten, die man sich genommen hat, um die Geschichte dieser epischen Band in zwei Stunden zu bringen. Aber wir wollten im Großen und Ganzen der wahren Geschichte treu bleiben.

Vor allem bei Live Aid wurde die Bühne minutiös nachgebaut. Ich meine, das gesamte Konzert lebt auf YouTube, während die BBC es ausstrahlt. Das war also eines, wo es wieder zwei Elemente gab, das eine, wo wir es sehr spezifisch und sehr genau nachgebildet haben, andererseits wollten wir nicht nur die Kameraperspektiven reproduzieren, weil man es sich dann einfach auf YouTube ansieht, [Also] warum machen wir einen Film? Unser Ansatz bestand also wirklich darin, die Bühne nachzubilden, zum größten Teil die Beleuchtung, obwohl es eigentlich ziemlich viel Live Aid war, und dennoch die Geschichte von innen nach außen zu erzählen. Mit anderen Worten, erzählen Sie die Geschichte mit den Charakteren, die wir in den letzten anderthalb Stunden beobachtet haben, und was zwischen ihnen vor sich ging, und sehen Sie sie. Also wollten wir das Filmpublikum mehr mit den Charakteren auf die Bühne bringen und die Interaktionen zwischen den Charakteren sehen, die auf dem basierten, was … Sie wissen, ich möchte nichts verraten, aber was genau in diesem Moment passierte . Weißt du, sehr schwer.

Und was ist mit den Live-Konzert-Sets, die hier überall eingefügt werden? Die ganze Montage vieler dieser Konzerte? Haben Sie sich nur auf die normale Konzertbühnenbeleuchtung berufen, die Sie hier implementiert haben, oder haben Sie sich speziell auf bestimmte Schlüsselelemente bezogen, die Queen in ihre Auftritte integrieren würde?

Ja. Nein, ich wollte unbedingt die Beleuchtung von Queen respektieren. Weißt du, Queen war vor allem in den 70ern, eigentlich 70ern und den 80ern, sie waren wirklich an der Spitze der Konzertbeleuchtung. Sie hatten damals einige der größten Beleuchtungsanlagen der Welt. Sie nutzten das Vari-Lite, das Genesis als einen ganz neuen Sprung nach vorne in der Bühnenbeleuchtung beworben hatte. Also habe ich mir all ihr Material angesehen und versucht, einen Bogen in der Entwicklung ihrer Bühnenbeleuchtung zu machen, wo es anfangs eher nur traditionelles Par-Can war, und dann haben sie diesen großartigen Drum-Riser mit Flugzeug-Landescheinwerfern eingeführt, und dann war da Diese riesigen Regale mit Par-Dosen, in die sie Farbsequenzen programmierten und die sie mitten in Konzerten senken und heben konnten, und dann stellten sie den Vari-Lite vor. Also habe ich ziemlich versucht, es wie eine Schichttorte aufzubauen, bei der jedes Konzert immer aufwändiger wurde, bis man im Madison Square Garden ankommt, wenn es mit riesigen Beleuchtungsanlagen voll ist.

Es war schwierig, weil wir sehr wenig Zeit hatten, das Zeug zu drehen, und manchmal musste ich zwei Konzerte am selben Tag machen, also hatten wir dieses eine Beleuchtungs-Rig, das sehr modular aufgebaut war, und wir würden Teile davon anheben und Teile davon absenken Platz. Ich hatte alle Sequenzen vorprogrammiert, sodass wir einfach sagen konnten: „Okay, jetzt sind wir gerade von Edinburgh gefahren, jetzt gehen wir zum Madison Square Garden.“ Das war eine riesige Herausforderung. Während es im Film massiv aussah, wurde es tatsächlich in kurzer Zeit ziemlich wirtschaftlich gemacht. Das war also eine der größten Herausforderungen des ganzen Films.

Bist du bereit, nach dieser Erfahrung jetzt irgendwo mit einer Band als Roadie auszugehen?

Ich denke, nachdem ich gesehen habe, was sie tun müssen, um ein Konzert auf die Beine zu stellen, überlasse ich das ihnen. (Lachen)

Weil Sie hier so viele Drehorte hatten und sehr große, weitläufige bis hin zu intimen, lehnen Sie sich zurück und denken Sie über die Entstehung des Films nach, was war für Sie der herausforderndste Aspekt Ihrer Arbeit? gleichzeitig am erfreulichsten?

Ich denke, die größte Herausforderung war wirklich ganz oben. Weißt du, du hast diese Band, die so ikonisch ist, und einen Leadsänger, der noch ikonischer ist, und wie findest du eine Sprache, um ihre Geschichte zu erzählen, die ehrlich und wahrhaftig ist, wer sie waren und wer sie sind? Und das ist wirklich einschüchternd. Wenn du es tust, wie Ein Star ist geboren Sie gehen von einem fiktiven Ort aus, vielleicht haben Sie einen Bezug zum vorherigen Remake, aber für uns mit bohemian Rhapsody , wählst du eine Sprache, um die Geschichte einer unglaublich berühmten Person zu erzählen. Das zu entdecken und sich damit wohl zu fühlen, es zu umarmen, das Gefühl zu haben, dass Sie einen wahren Ort gefunden haben, das war sehr beängstigend und ehrlich gesagt, es hat mich einen guten Weg in den Film gekostet, bevor ich mich sicher fühlte, dass ich ihn gefunden hatte.

Das Ganze ist einfach so meisterhaft, Tom. Wie ich FOX sagte, nachdem ich den Film gesehen hatte: „Das sind Filme, Musik und Meisterschaft in einem.“ Und deine Arbeit ist ein riesiger Teil davon, Tom.

Vielen Dank.

Sie haben gesehen, wie sich so viele Schauspieler verwandelt haben, ihre Leistung im Laufe der Jahre gezeigt haben. Wie war die Erfahrung, Rami Malek zu sehen, wie er zu Freddie Mercury wird? Denn für mein Geld ist dies eine der eindringlichsten und transformativsten Aufführungen, die ich je gesehen habe.

Das allererste Mal, als ich ihn wirklich getroffen habe, war, dass er einen kleinen Make-up-Test hatte, nicht einmal einen echten Kamera-Make-up-Test, mehr nur ein paar Klamotten anprobiert, ein paar Perücken anprobiert. Und das war wirklich früh im Prozess. Er kam mit dem Schnurrbart aus seinem Zimmer und tänzelte irgendwie vor mir her, und ich sagte: „Oh mein Gott, es ist Freddie Mercury!“ Und er zog Freddie Mercury an wie eine alte Jeans. Es war unglaublich. Und das war er während des gesamten Drehs konsequent so. Ich habe selten jemanden gesehen, der eine Figur so tiefgründig verkörpert. Es erinnert mich tatsächlich ein bisschen an Val Kilmer in „The Doors“ damals, als ich mit Bob Richardson an diesem Film gearbeitet habe. Aber ich dachte, dass Rami pure Magie ist. Ich hatte keine Ahnung, egal wie viel man sich Material anschaut und vor dem Spiegel übt und sich einen Bewegungscoach holt oder so, er war einfach phänomenal. Und er hatte einen sehr guten Bewegungscoach. Polly Bennett hat einen tollen Job mit ihm gemacht. Haare und Make-up haben einen tollen Job gemacht. Alle haben großartige Arbeit geleistet, um ihm zu helfen, aber ich sage Ihnen, er hätte Freddie Mercury auch ohne Kostüm, ohne Perücke machen können, und er hätte es zu 100 % geschafft. Er ist ein absolut phänomenaler Schauspieler. Und es macht so viel mehr Spaß, es zu sehen. Ich meine, wenn du jemanden hast, der so an der Spitze seines Spiels steht, ist es so aufregend und du schaust durch die Linse der Kamera und sagst: „Oh mein Gott.“

Wenn Sie ihn und die anderen Jungs beim Auftritt beobachtet haben, weil Sie sich alle ansehen, schauen Sie auf Gwylim Lee, den ich doppelt aufgenommen habe, es ist wie „Oh mein Gott, haben sie Brian May in eine Zeitmaschine gesteckt und einfach genommen ihn zurück?“, weil man ihnen beim Spielen zusieht und wie sie die Instrumente halten … und ich muss mir vorstellen, dass es für Sie am Set solche Momente gibt, bei Auftritten wie diesen, in denen Sie vergessen, dass Sie eigentlich einen drehen Film und es ist wie Sie transportiert werden?

Ich weiß nicht, ob Sie jemals vergessen, dass Sie einen Film drehen, weil Sie immer noch schwenken und neigen und fokussieren und es Lichthinweise gibt, aber es ist völlig transformativ. Ich meine, es gibt nichts Schöneres, als einen wirklich großartigen Take von etwas fertigzustellen und vom Set zu kommen und zu sagen: „Wow, wir haben es! Mein Gott, das war unglaublich!“ Es ist ein phänomenales Gefühl. Und mit diesen Jungs war jeder Tag transformativ. Die ganze Band kam zusammen, wir gingen manchmal nachts aus und tranken und lachten, und es war wirklich eine phänomenale Gruppe. Toll.

Tom, herzlichen Glückwunsch zu deiner Arbeit hier. Ich bin seit Jahrzehnten ein großer Bewunderer Ihrer Arbeit und ich sehe kleine Dinge wie „Towelhead“, die Sie gemacht haben, und „Drive“, das makellos ist, ich meine, so unglaublich objektiv, und sogar in etwas wie „Valkyrie“. “ oder die Arbeit mit Clooney und die Superheldenfilme. Aber dieses? Ich muss Ihnen sagen, das ist eines der besten, das Sie je gemacht haben.

Vielen Dank. Es ist interessant, wissen Sie, denn wenn ich an „Three Kings“ oder „Drive“ oder „Confessions of a Dangerous Mind“ denke, Filme, auf die ich sehr stolz bin und die ich irgendwie nachgeahmt sehe oder wie sie es haben beeinflusste Filme, die direkt danach gedreht wurden, und Sie bekommen ein gewisses Gefühl der Freude, wenn Sie daran denken, dass Sie diese Art von Einfluss unter Ihren Kollegen hatten, aber dies ist das erste Mal, dass mir jemand so viel Aufmerksamkeit schenkt, also ist es nett von nett.

von Debbie Lynn Elias, Interview 18.10.2018