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JOANNA HOGG erkundet mit THE SOUVENIR – Exclusive Interview die Themen Kunst versus Leben, erste Liebe und einen Blick in ihre eigene Vergangenheit

Wer gesagt hat, lass die Vergangenheit in der Vergangenheit sein, kennt JOANNA HOGG nicht. Mit THE SOUVENIR, ihrem vierten Spielfilm nach „Unrelated“, „Archipelago“ und „Exhibition“, besucht Hogg ihre eigene Vergangenheit mit diesen emotional aufgeladenen visuellen Memoiren durch die Zeit und katapultiert uns in das emotionale Getümmel einer Frau, die versucht, etwas zu entdecken (oder zu erfinden). ) sich und ihre Leidenschaften. Hogg hält uns nie auf Abstand, sondern lädt uns vielmehr in die Denkweise von Julie ein, einer Filmstudentin um die 20, die von einem scheinbar weltlichen Andrew fasziniert ist und sich in ihn verliebt, während sie versucht, sich von ihrem privilegierten Leben in der Oberschicht zu distanzieren wie sie versucht, den Kampf der Armut und der Arbeiterklasse durch ein Filmprojekt zu verstehen. Faszinierend ist, dass, während Julie ihr Leben in Reichweite der realen Welt verbracht hat, Hogg uns in sie eintauchen lässt.

Hogg erkundet Themen wie Kunst versus Leben, erste Liebe, passiv-aggressive Toxizität und eine Muskelerinnerung, die darauf zurückblickt, in den 1980er Jahren in den 20ern zu sein, und liefert einen Film, der von Authentizität und Intimität durchdrungen ist und einem das Gefühl gibt, eine Fliege zu sein die Wand, still eingeweiht in Julies emotionale Suche, sich selbst zu finden und ihr Leben zu definieren, vermutlich durch ihren Freund Anthony. Wie fast jede Frau und jeder Mann, der zuschaut, bezeugen wird, ist die Handschrift an der Wand, dass Anthony nicht das ist, wofür Julie ihn wahrnimmt. Sein Furnier ist dünn, aber Julies fast verzweifelte Liebe trübt das, was das Auge eines sich entwickelnden Filmemachers sein sollte. Die Intensität der Beziehung zwischen den beiden ist spürbar, oft voller Angst und sogar Angst, aber es ist unmöglich, den Blick abzuwenden. Je emotional intimer der Film wird, desto mehr möchte man sich fast verlegen abwenden, kann es aber nicht. Du schaust tiefer und hörst genauer zu.

Diese Intensität wird noch verstärkt durch die Tatsache, dass Hogg Tilda Swinton als Julies Mutter gecastet hat. Ihr wahres Filmdebüt als Julie gibt Swintons eigene Tochter, Honor Swinton Byrne. (Honor war zuvor vor 10 Jahren kurz in „I Am Love“ mit ihrer Mutter zu sehen.) Ihre Mutter-Tochter-Verbindung springt aus dem Bildschirm und verleiht Honors Leistung weitere Gravitation. Ehre ist offenbarend. Sie erfüllt Julie mit einer verwirrten Sinnlichkeit und Naivität und lässt Ihr Herz schmerzen, wenn wir Anthonys wahre Natur vermuten und Julie mit Scheuklappen auf und in Verleugnung existiert. Diese emotionale Erinnerung an Hogg hängt von der Leistung von Tom Burke als Anthony und Burke in Räumen ab. Fesselnde Leistung. Die Beziehung zwischen Julie und Anthony ist so intensiv und detailliert, dass man sich fragt, wo Hoggs eigene Erinnerungen und Erfahrungen beginnen und enden.

Naturalistisch in Ton und Optik, die Welt der 1980er Jahre zum Leben zu erwecken, ist jedoch der Arbeit von Produktionsdesigner Stéphane Collonge und Kameramann David Raedeker zu verdanken. Ihre Zusammenarbeit ist vorbildlich, zumal die Wohnung, in der Julie wohnt, von Grund auf neu gebaut wurde und Hoggs damalige Wohnung widerspiegelt. Fotos und Tagebucheinträge halfen nicht nur, die Charaktere zu informieren, sondern auch das Produktionsdesign und die Kinematographie. Bilder, die durch die Fenster zu sehen sind, sind eigentlich Dias, die Hogg damals aufgenommen hat und die ihre eigenen Ansichten festhalten. Raedeker entscheidet sich für eine nostalgische Maserung und erfüllt den Film mit zeitgemäßer Perfektion, während er gleichzeitig eine fast leichentuchartige Blässe erschafft, die das emotionale Gewicht von Julies Scheideweg im Leben verstärkt. Herausragend ist eine traumhafte Venedig-Sequenz, die blendet. Das Eintauchen wird durch das Sounddesign vervollständigt, das sich für keine instrumentale Partitur entscheidet, sondern die Umgebungsgeräusche des Lebens feiert, die von den zeitgemäßen Nadeltropfen des Films unterbrochen werden.

Ich habe ausführlich mit JOANNA HOGG gesprochen und über den Film und die Zerlegung des Lebens gesprochen, die ihr Zeit und Entfernung ermöglicht haben, indem ich Fakten mit Fiktionen verschmolz, um ihre emotionalen Eindrücke von damals statt Genauigkeit festzuhalten, und sie auf die große Leinwand brachte. . .

JOANNA HOGG, Autorin/Regisseurin DAS SOUVENIR

Das Erste, was mir bei THE SOUVENIR aufgefallen ist, ist die Kinematografie. Ich bin begeistert von ihm und der Arbeit des Kameramanns David Raedeker. Der gesamte Look des Films, der hauchdünne filmische Look eines fast Greta Garbo-ähnlichen Looks, wo man etwas anschaut, aber da ist eine Kleinigkeit, die nicht ganz so perfekt ist wie sie war oder so authentisch wie sie war, es gibt immer eine Kleinigkeit etwas Gaze, um die Erinnerung an das, was passiert, aufzuweichen. Ich liebe einfach diesen Effekt, je tiefer wir in die Figur Julie und ihre Blindheit für Anthony eintauchen und was wirklich mit ihm los ist. Sie ist genauso süchtig nach ihm wie er nach Drogen.

Ja. Ich mag deine Art, es zu sehen.

Einfach exquisit. Ich weiß, dass ein Großteil dieses Films auf Ihren eigenen Erfahrungen basiert, daher bin ich gespannt, wo Sie für Sie als Schöpfer und als Filmemacher die Grenze ziehen, um absolut genau zu sein und vielleicht Erinnerungen und Nostalgie aufkommen und mildern zu lassen Dinge, oder wo fügt man Fiktion ein?

Nun, es ist jetzt irgendwie schwer zu erkennen, wo die Realität beginnt und die Fiktion beginnt, und in gewisser Weise war ich wirklich an dieser Verschmelzung der Realität interessiert. Ich wollte, dass das Teil des Films wird. Ich habe mir den Film schon lange nicht mehr ganz angeschaut, weil ich sehr intensiv an einem Film arbeite, und gerade bei DAS SOUVENIR, natürlich schaue ich ihn mir unzählige Male an und arbeite daran, dann tue ich es. schau nicht zurück. Mein Gefühl ist, dass es für mich alles nur Erinnerung ist. Eigentlich finde ich es selbst ein wenig verwirrend, was jetzt tatsächlich passiert ist und was im Film fiktionalisiert wird, weil es eine sehr kraftvolle Sache war, die wir gemacht haben, nämlich eine Wohnung nachzubilden, in der ich damals lebte. Und indem ich es neu erstellte, indem ich es neu erfand, es wieder zum Leben erweckte, brachte es viele Erinnerungen an diese Zeit zurück, die ich verloren geglaubt hatte. Es war also eine interessante Sache, etwas wieder zum Leben zu erwecken und dann zu platzieren, was dabei herausgekommen ist.

Du machst das so schön, aber auch mit so viel Natürlichkeit. Eine Geschichte wie diese ist eine, die ich so vielen Filmemachern sehe, die, ja, sie würden eine Geschichte wie diese erfinden, voller Dialoge, und sie würden Setups machen und sie dann einfach in etwas verwandeln, das sich gezwungen anfühlt, während sich dies so anfühlt natürlich, wie es sich entfaltet.

Ich freue mich sehr, dass du das so gesehen hast. Ich bin mir sicher, dass das viel mit meiner Arbeitsweise zu tun hat. Ich erzwinge in gewisser Weise nichts, weil ich angenommen habe, viele Monate, sogar Jahre zu leben, in meiner eigenen Erinnerung zu graben und aus diesen Erinnerungen eine Geschichte zu erschaffen. In gewisser Weise gab es da schon eine Geschichte, die ich erlebt habe, die der von Julie nicht unähnlich ist. Aber dann habe ich während des Filmdrehs Türen für meine Mitarbeiter geöffnet und ihnen erlaubt, etwas von sich selbst und ihren Instinkten in den Film einzubringen, damit das Ding wirklich lebt und auf eine sehr lebendige Weise atmet. Ich bin nicht daran interessiert, ein Drehbuch zu schreiben und dann alle dieses Drehbuch exakt nachspielen zu lassen. Ich möchte andere Dinge mitbringen, erlebte Dinge, die ich nicht weiß, ohne zu schreiben, ich weiß nicht, was passieren wird. Manchmal gibt es eine Spannung zwischen dem, woran ich mich erinnert habe, und dem, was dann vor mir passiert. Und dann ist da noch die Wahl, die ich treffe. Arbeite ich hart dafür, dass es genau wie diese Erinnerung ist, oder nutze ich das Leben, das vor mir liegt, das sind die Darsteller, die ich habe, von denen einige noch keine Erfahrung vor der Kamera hatten? Beziehe ich sie mit ein und lasse ihr Leben irgendwie in den Film einsickern? Ich denke, das macht es so lebendig, wie Sie es beschrieben haben.

Ihre Besetzung von Honor [Swinton-Byrne] als Julie ist absolute Perfektion. Sie bringt diese wunderbare, großäugige Naivität mit, wo sie fest entschlossen ist, sie will einen Film machen und sie will das machen, aber gleichzeitig ist sie naiv gegenüber den Gepflogenheiten der Welt und dem Leben da draußen, dem Kloster großbürgerliches Wohnhaus ihrer Familie. Und die Art und Weise, wie sie Julie darstellt, ist, dass man plötzlich da draußen in der Welt ist und für so viele Dinge blind ist, wenn man so jung ist und gerade das erste Mal in die Welt hinausgeht. So emotional effektiv und resonant.

Nun, ich war daran interessiert, darüber nachzudenken, wie es ist, Anfang zwanzig zu sein. Sie werden in gewisser Weise von dem beeinflusst, was Sie umgibt, besonders wenn Sie sich, wie ich mich erinnere, sehr unsicher über das Leben und sehr unsicher über die Zukunft fühlen, sich aber nach Gewissheit in anderen sehnen. Diese Gewissheit, die Anthony hat, ist für sie unglaublich verführerisch. Und sie spürt auch, dass er sie versteht. Als er sagt „Du bist verloren, du wirst immer verloren sein“, hat sie das Gefühl, dass er etwas von ihr eingefangen hat, etwas, das sie vielleicht selbst nicht sehen kann. Dann ist es sehr einfach, sich von diesem Vertrauen und dieser Einsicht leiten zu lassen.

So schön gemacht. Und wenn Sie Tom Burke besetzen, können Sie natürlich beim Zuschauen und als Zuschauer die Gefahr spüren, die von ihm ausgeht. Er hat einen sehr gefährlichen, oberflächlichen Rand. Sie können sagen, dass diese angebliche Politur, die er hat, nur zur Schau steht. Da ist ein Furnier, aber Julie sieht es nicht. Die Art und Weise, wie Tom und Honor gegeneinander spielen, ist so gut ausgeführt, so gut gemacht. Du spürst, wie ihre Naivität lebendig wird, wenn es um Anthony geht, und du spürst, wie er weiß, dass er es ausnutzen und eine freie Fahrt mit ihr bekommen kann, weil sie so verliebt ist. Und wie sie es spielen und wie du sie mit der Kamera laufen lässt, verbreiterst du deine Aufnahmen, du hast längere Aufnahmen. Wir sehen also die Welt um sie herum, sind aber immer noch so auf sie konzentriert. Es ist wundervoll.

Vielen Dank. Tom Burke ist ein unglaublicher Schauspieler und er hat sich sehr viel Mühe gegeben, diesen Charakter zu erschließen. Er hat eine erstaunliche, sehr starke Leinwandpräsenz. Er hatte nicht allzu viel Kinoarbeit gemacht und kam aus ziemlich vielen Fernseh- und Bühnenszenen, aber ich denke, er ist unglaublich auf der großen Leinwand. Ich habe ihn ziemlich früh im Prozess besetzt, als ich anfing, nach einem Schauspieler für die Rolle von Anthony zu suchen, und ich wollte ausdrücklich einen Schauspieler, weil ich das Gefühl habe, dass Anthony auf eine bestimmte Art und Weise spielt. Ich caste auch oft meine Schauspieler, aber im Fall seiner Figur ist er genau ein Schauspieler. Als ich Tom sehr früh im Prozess getroffen habe, hat er mich einfach geschlagen. Da gab es eine Verbindung, die er mit dem ursprünglichen Mann hatte, den ich damals in den frühen 80ern kannte. Es gab also etwas an ihm, das mich an diese andere Person erinnerte, aber es war eher der Prozess, den Tom durchlief, um eine Figur zu erschaffen, um mit der Figur in Kontakt zu treten, [der] sehr detailliert und sehr tiefgründig ist. Er ging mit Anthony auf eine Reise. Das, was er tut, hat etwas fast Außerirdisches.

Ich wäre nachlässig, Sie nicht nach Ihrer makellosen Auswahl an Nadeltropfen-Songs in diesem Film zu fragen. Die von Ihnen ausgewählten Songs sind absolute Perfektion. Wann haben Sie erkannt, welche Art von Songs Sie einfügen möchten, und wie sind Sie vorgegangen, um die auszuwählen, die Sie ausgewählt haben?

Nun, von einigen dieser Songs wusste ich, dass ich sie haben wollte, wahrscheinlich vor ein paar Jahren, als ich noch an der Geschichte schrieb. Ich wusste, dass ich Joe Jackson dabei haben wollte. Ich wusste, dass ich The Specials, The Fall, Robert Wyatt wollte. Eigentlich war das erste Musikstück, das man unbedingt haben musste, die Bela Bartok-Oper „Blaubart“, weil die ursprüngliche Person, auf der Anthony basiert, seine Lieblingsoper war und tatsächlich in gewisser Weise die Verbindung zur Geschichte von Blaubart herstellte Das war nicht das, wofür ich die Musik zuerst haben wollte, aber dann verbindet sie sich thematisch ein bisschen – Judith und Blaubart und Julie und Anthony. Ein Großteil der Musik war also von Anfang an im Drehbuch enthalten. Dann kann es natürlich schwierig sein, die Rechte an der gewünschten Musik zu bekommen. Wir haben einige wunderbare Betreuer, die an dem Film arbeiten, und sie arbeiten sehr hart, um sicherzustellen, dass ich die Musik bekomme, die ich wollte. Es war unglaublich wichtig für mich, drei Filme vor diesem fast ohne Musik gemacht zu haben, also fand ich, dass es eine wichtige Möglichkeit war, diese Zeit heraufzubeschwören. Ich wollte diese Zeit der 80er nicht so sehr visuell durch das Bühnenbild verbildlichen, sondern ich dachte musikalisch, weil Musik als eine Art Prüfstein fungiert. Wenn man ein Musikstück von einem bestimmten Zeitpunkt hört, kommen Erinnerungen hoch. Da kommt dann das Selbstgefühl zurück, das war mir unheimlich wichtig.

Ich liebe jedes Stück, das Sie darin haben, und wie gesagt, sie sind perfekt für die Ereignisse und Umstände, die sich zu einem bestimmten Zeitpunkt im Film abspielen. Die Platzierung ist perfekt und die Auswahl ist perfekt. Absolut, durch und durch unterhaltsam und fügen Sie hier eine weitere Ebene des Geschichtenerzählens hinzu. Ich bin ebenso neugierig wie Ihre Musikauswahl, Ihr Sounddesign und dass es keine Partitur gibt, die diesen Film füllt. Sie lassen die Welt um Julie und Anthony den Sound, die Umgebungstöne, erschaffen. Wir hören die Schritte, wir hören die Türen, wir hören Schlüssel in Türen. All diese kleinen Dinge, die zum Alltag gehören. Wie bewusst war die Entscheidung in Ihrem Konstrukt, sich für diese Art von Sounddesign zu entscheiden?

Das Sounddesign ist neben dem Dreh, den ich natürlich liebe, immer mein Lieblingsteil beim Filmemachen. Sounddesign ist unglaublich wichtig, weil ich auch die Kraft davon kenne, und es interessiert mich einfach sehr, ich sitze hier im Hotelzimmer in Los Angeles und höre viel Verkehr, aber ich höre auch Vogelgesang und ich denke, ich habe, berühre Holz, mein Gehör ist ziemlich gut, ziemlich scharf und ich finde einfach Klang, natürlichen Klang, unnatürlichen Klang sehr eindrucksvoll; und Sie sagen, ich benutze keine Begleitmusik, ich habe keine Partitur als solche. Es ist also sehr interessant, einen natürlichen Klang wie eine Partitur zu verwenden. Wenn ich mit meinem Sounddesigner zusammenarbeite, mit dem ich bei all meinen Filmen gearbeitet habe, Jovan Adjer, machen er und ich die ganze Zeit Musik, sei es die eigentliche Musik oder die Geräusche; und die Geräusche müssen einen Rhythmus zum Film haben, es macht so viel Spaß, das zu schaffen.

Ich bin ein großer Fan von Sounddesign und viele meiner Freunde sind Sounddesigner. Das ist eine Sache, die ich immer schätze. Dank so vieler Sounddesigner, die ich kenne, habe ich mich noch besser mit Sounddesign und Soundbearbeitung vertraut gemacht. Wenn ich also einen Film wie diesen finde, der Atmosphäre verwendet, anstatt ihn nur mit Musik zu füllen, mit Instrumentalpartitur, bin ich einfach so begeistert davon, weil das so viel mehr über die Leben aussagt, die wir sehen, und die Zeit, in der wir ' re in.  Sie verwenden den Ton hier so perfekt als eine weitere Ebene des Geschichtenerzählens, die einfach zu der gesamten Vision dessen beiträgt, was wir sehen und fühlen. Es ist so schön gemacht.

Vielen Dank. Auch Jovan würde sich sehr darüber freuen. Er hat sehr hart daran gearbeitet, diese Atmosphäre zu finden. Es ist ein faszinierender Prozess. Ich liebe diese Seite davon. Ich bin mir dessen sehr bewusst, wenn ich mir die Filme anderer Leute ansehe, und ich finde es manchmal frustrierend, wenn es eine sehr dominante Filmmusik ist, weil ich die Geräusche hinter der Filmmusik hören möchte. Musik kann also, wenn sie zu plump eingesetzt wird, einfach so viel verderben, und dann finde ich, dass Sie als Zuschauer Ihren Platz innerhalb eines Films nicht finden können, weil die Musik auf Sie zukommt und es so dominiert wann falsch verwendet.

Bevor ich dich gehen lasse, Joanna, muss ich dich fragen, was hast du als Regisseurin bei der Arbeit an THE SOUVENIR über dich selbst gelernt, was du jetzt für dein nächstes Projekt, deine zukünftigen Projekte, mitnehmen kannst?

Mein zukünftiges Projekt ist das zweite Projekt von THE SOUVENIR, also kann ich vielleicht einen Schritt zurücktreten, wenn ich damit fertig bin, weil ich das Gefühl habe, dass ich fast mitten in den Dreharbeiten für das erste bin. Ich schwanke zwischen den beiden Filmen. Ich habe mir nicht wirklich Zeit zum Nachdenken gegeben. Vielleicht kann ich das beantworten, wenn ich den zweiten Teil gemacht habe. Du hast mich da! [lacht]  Im Hintergrund, nicht wörtlich, aber dieses Gesprächs, bin ich und meine Vorfreude auf die Dreharbeiten für den zweiten Teil, der in drei Wochen stattfindet. Ich versuche tatsächlich, in der Blase der Geschichte zu bleiben. Es war buchstäblich keine Zeit, zurückzutreten, und ich zögere irgendwie, zurück oder hinauszugehen, weil wir erst zur Hälfte fertig sind.

Nun, THE SOUVENIR ist herrlich und ich kann die zweite Hälfte kaum erwarten, Joanna.

Vielen Dank! Ich liebe es, deine Begeisterung zu hören! Das stärkt mich für das Shooting in drei Wochen.

von debbie elias, exklusives interview 11.05.2019