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AFI FESTIVAL 2008 MUSS FESTIVALFILME SEHEN

Filme. Sie haben im vergangenen Jahrhundert vielen Zwecken gedient und jeden von uns auf unterschiedliche Weise beeinflusst; uns mit individualisierter Magie zu den Zelluloidbildern zu ziehen. Während des Ersten und Zweiten Weltkriegs förderten Filme den Verkauf von Anleihen, gaben den Daheimgebliebenen einen Einblick in ihre Lieben und die Nachrichten im Ausland. Filme dienen und dienen immer noch als Bindeglied zwischen Familien, Freunden und Fremden, sofortiger „Crazy Glue“, wenn Sie so wollen, und bringen Menschen zusammen, die normalerweise nicht zueinander hingezogen würden. Während der Weltwirtschaftskrise sollten Filme auf Anweisung des Präsidenten der Vereinigten Staaten optimistisch und fröhlich sein und dem amerikanischen Volk in wirtschaftlich schwierigen Zeiten als Erholung dienen. Während dieser Zeit sang und tanzte ein kleines Mädchen namens Shirley sich in die Herzen von Millionen und zauberte ein Lächeln auf die Gesichter aller Herzen, die sie berührte. Sie sagen, die Geschichte kann sich wiederholen. Werfen Sie heute einen Blick auf die Welt. Viele glauben, dass wir in einer ebenso schlimmen Notlage sind wie 1929. Aber was interessant ist, ist, dass wir alle immer noch die 10,00 Dollar zusammenkratzen können, um ins Kino zu gehen, egal wie hart die Zeiten sind, wie knapp der Geldbeutel ist das Nickel in den 20er und 30er Jahren. Schauen Sie sich nur die heutigen Kinokassen an – alle singenden, tanzenden Highschool-Absolventen haben an einem Wochenende weltweit coole 82 Millionen US-Dollar eingespielt, die uns alle unsere Sorgen vergessen lassen (und übrigens die größte Filmmusical-Eröffnung aller Zeiten in der Geschichte der Kinokassen). ), 200 Hunde begeistern uns mit ihren wedelnden Schwänzen, und sogar Psychoterror, schrecklicher als alles andere im Leben, zieht uns in Scharen an zur Unterhaltung, Freude, Flucht oder einfach, um etwas Schrecklicheres als unser eigenes Leben zu sehen. Ja, die Filme.

Viele von denen, die uns unterhalten, informiert oder erzogen, uns zum Lachen oder Weinen gebracht haben, sind schon lange vorbei. Aber Hollywood und das Filmemachen gehen weiter und dank Organisationen wie AFI wird nicht nur die Magie unserer Filmgeschichte bewahrt, durch ihre Ausbildung, Filmemachen-Workshops und ja, das AFI Film Festival, werden frische neue Gesichter und Talente gefördert und ermutigt, weiterzumachen – und sogar übertreffen – die vergangener Tage. Und einer der ersten Orte, an denen Sie nach denen suchen können, die die Traditionen und Exzellenz, die vor ihnen entstanden sind, fortsetzen werden, ist das AFI Film Festival.

Am 30. Oktober 2008 feiert das AFI Film Festival sein 22. Jahr und öffnet den Vorhang für eine spektakuläre, vielfältige und vielseitige Auswahl an Filmen aus der ganzen Welt. Neben Wettbewerben mit Spielfilmen, Dokumentarfilmen und Kurzfilmen von aufstrebenden Filmemachern plant AFI dieses Jahr auch, uns zu begeistern, beginnend mit einem Eröffnungsgala-Debüt von DOUBT, inszeniert und adaptiert von John Patrick Shanley aus seinem mit dem Pulitzer-Preis und dem Tony-Preis ausgezeichneten Stück mit der Hauptrolle Oscar-Preisträger Meryl Streep und Philip Seymour Hoffman und endet am 9. November mit Edward Zwicks Epos DEFIANCE mit Daniel Craig und Liev Schreiber in den Hauptrollen. Vollgepackt mit Goodies dazwischen finden Sie 151 Filme aus 38 Ländern mit allem, von einer Hommage an einen meiner absoluten Lieblingsregisseure (und einen verdammt netten Kerl), Danny Boyle, bis hin zur Weltpremiere seines neuesten Werks SLUMDOG MILLIONAIRE (denken Sie an Regis und ABC und ein Teil des Themas wird sich herausstellen), sowie eine Hommage an die Oscar-Preisträgerin Tilda Swinton, an Mickey Rourkes Wiederauftauchen in THE WRESTLER, einem Film, der das Festival in Cannes zum Erliegen brachte, an Stephen Soderberghs 4hour Das epische CHE (Intermission ist ins Theater zurückgekehrt, Leute. Macht euch wieder bereit für die tanzenden Popcorn-Songs „Lasst uns alle in die Lobby gehen“!

Also, während sich der Vorhang am 30. Oktober hebt, lasst uns einen Blick auf das werfen, was für mich und euch alle zur Tradition geworden ist, einige meiner MUST SEE FESTIVAL FILMS beim AFI Film Festival 2008!

Einer der ersten Vorreiter, der sich einen Namen gemacht hat, ist Not Quite HollywoodNOT QUITE HOLLYWOOD: THE WILD, UNTOLD STORY OF ‚OZPLOITATION‘. Eine Explosion aus der Vergangenheit mit tosendem und respektlosem Donner aus Down Under – also donnerndes Gelächter – NOT QUITE HOLLYWOOD feiert die Entstehung des Australischen von den 50er und 60er bis in die 90er, aber mit großer Konzentration des australischen Filmgenres die 70er und 80er komplett mit Nacktheit, freier Liebe, viel Sex und Slasher-Hacker-blutgetränktem Terror. Und das NACH der Einführung des R-Zertifikats, Australiens Art der Zensur im Jahr 1971. „Erzählt“ von Quentin Tarantino (der ehrlich gesagt eine ärgerliche, aber sachkundige Ablenkung des Films ist), hat Regisseur Mark Hartley eine davon zusammengestellt die unterhaltsamsten historischen Chronologien, die ich je gesehen habe, und setzt die Welt mit Klassikern wie „Picnic At Hanging Rock“, „My Brilliant Career“, „The Man From Hong Kong“ und natürlich dem Inbegriff des Films dieser Ära aus, der die Welt beschenkte ein Mann namens Mel, „Mad Max“.

Hartley ist zwar unverschämt und unglaublich witzig, weckt jedoch Interesse und Bildung durch anekdotische Kommentare zur Eröffnungsdiskussion über High Art versus Low Brow 70's Culture Wars, Nacktheit im australischen Kino (Nieder Jungs, runter! die dem Todeswunsch eine neue Bedeutung gibt) und Autokultur und Drive-Ins. Vollgepackt mit Interviews der Filmemacher und Schauspieler des Genres, darunter Dennis Hopper, Jamie Lee Curtis, Stacy Keach, Russell Boyd, Schriftsteller Everett de Roche, Regisseur Richard Franklin, George Lazenby, Kameramann John Seale und der renommierte Stuntman Grant Page, webt Hartley ein ein Netz faszinierender Filmemacherei, vollgestopft mit Factoids, Spaß und oh ja, nackten Brüsten.

  Not_Quite_Hollywood Schon allein die Bearbeitung von Jamie Blanks, Sara Edwards und Mark Hartley ist Grund genug, NOT QUITE HOLLYWOOD zu sehen. Es ist mörderisch!!!!!! Warte einfach, bis du diese australischen Slasher-Hacker-Montagen siehst. Ein absoluter Aufruhr. Diese Arbeit erforderte die Präzision eines Ginzu-Messers! Pacing, aber für einen kurzen Abschnitt über die 90er, ist genau richtig. Aber der eigentliche Star dieses Films ist der Soundtrack. Absolut fantastisch. Einige echte augenzwinkernde Musikauswahlen, die mit Filmmaterial kombiniert wurden, waren besser als Essen und Wein im besten 5-Sterne-Restaurant. Der eigentliche Schlüssel ist jedoch die Tatsache, dass der Soundtrack kontinuierlich und ununterbrochen ist, den Film vorantreibt und das Energieniveau so hoch hält wie Grant Page während einer unverschämten Hochgeschwindigkeitsjagd.

Apropos Non-Stop, halten Sie sich fest, wenn Eugene Hutz und die Gypsy-Punk-Band Gogol Bordello im Dokumentarfilm GOGOL BORDELLO: NON-STOP auf die Leinwand explodieren. Sprechen Sie über das Leben des amerikanischen Traums!! Hutz auf jeden Fall. Das Herz und die Seele von Gogol Bordello, dies ist im Wesentlichen seine Geschichte, aufgezeichnet von Regisseurin Margarita Jimeno, die seine Geschichte im Jahr 2001 aufgreift, als sie entdeckt, dass die Band das Haus in der bulgarischen Bar Mehanata in Chinatown, New York, zum Einsturz bringt. Eine eklektische Mischung aus Konzertaufnahmen, seltenen Heimvideos von Hutz aus seinen Teenagerjahren in Kiew und Interviews mit Bandmitgliedern, Freunden, Fans und Hutz selbst, alles verwoben zu einer hochoktanigen, texturierten Präsentation, die Sie zum Tanzen bringen wird Gänge!

Ergreifend und von Herzen kommend, sind wir eingeweiht in ein Silvestertreffen der Familie im Jahr 1988, bei dem der sehnlichste Wunsch seines Onkels für Eugene ist, Kiew zu verlassen, nach Amerika zu gehen und der US-Armee beizutreten. Sein Onkel wusste nicht, dass die Armee für Eugene am weitesten entfernt war. Als einer der letzten 100 Menschen mit Flüchtlingsstatus, die in Russland geblieben sind, haben Eugene und seine Familie es schließlich aus Kiew geschafft. Nur 400,00 Dollar pro Familie und begrenzte persönliche Gegenstände erlaubt, brachte Eugene 20 Schallplatten, 2 Gitarren und eine Tasche mit russischen Uhren mit, da er dachte, Touristen würden sie kaufen wollen. Ungerüstet für ein Leben außerhalb Russlands wurden der Familie alle Papiere entzogen und sie musste ihre Staatsbürgerschaft aufgeben, um den Flüchtlingsstatus zu erhalten. Zunächst nach Österreich gebracht, war das Leben für Hutz und seine Familie hart. Ohne Kompromisse bei der Ehrlichkeit spricht er davon, sich einer Enttäuschung nach der anderen zu stellen, „bis es keine Erwartungen mehr gibt“. Doch trotz allem, was er verloren hat, gibt es keine Bitterkeit. Es gibt nur Freude. Es wird gefeiert. Es herrscht Frieden. Es gibt Freiheit. Freiheit, Musik zu machen. Freiheit, das Leben und alles, was es zu bieten hat, anzunehmen. Die Freiheit, Texte zu schmettern, die mit unverhohlenen gesellschaftspolitischen und religiösen Kommentaren wie „Immigrant Punk“ und „Legalize Me“ beladen sind. All dies wurde von Jimeno in Gogol Bordellos überwältigenden Konzerten – sowohl groß als auch klein – exquisit auf Film festgehalten.

Auf seinem Weg in die USA wurde aus einer Geburtstagsfeier für Hutz in einer bulgarischen Bar ein wöchentlicher Auftritt für ein bald internationales Phänomen – Gogol Bordello. Hutz wählt seine Bandmitglieder von Hand aus und erläutert seine Kriterien. Charakter zählt und steht für ihn an erster Stelle, gefolgt von der Bereitschaft eines Musikers, ein Ensemble zu sein, und seiner Grundüberzeugung „Spielen aus Freude am Musizieren“. Im Laufe der Zeit stellte Hutz eine bunt zusammengewürfelte Crew aus einigen äußerst talentierten Immigranten zusammen, darunter Yuri Lemeshev am Akkordeon, Sergey Ryabtsev an der Violine, Oren Kaplan an der Gitarre und Eliot Ferguson am Schlagzeug sowie die Tänzer-Percussionisten Pamela Racine und Elizabeth Sun. Die Interviews mit diesen Personen zeigen die wahre Liebe und Bewunderung, die jeder für Hutz und seine Hektik, Kinetik und Kreativität hat.

Bekannt für seine unverschämten Bühnenstürme, individualisierten handgenähten Kostüme, die die Texte jedes Songs widerspiegeln, durch die Auftritte der Band und dank der hervorragenden Bearbeitung von Jenny Golden und Jimeno, die im Takt von Gogol Bordello pulsiert, wird das Gypsy-Punk-Erlebnis eingefangen am glorreichsten, wenn wir sehen, wie Hutz mit seiner „möglicherweise perversen“ ununterbrochenen dynamischen Präsenz auf der Bühne Vollgas gibt (oft tritt er 6 Stunden am Stück in Clubs auf). So wie die Clubgänger und Konzertbesucher Teil der Live-Show werden und eine Atmosphäre des Genusses annehmen, die „die Hierarchie der Gesellschaft über den Haufen wirft“, so werden Sie mit diesem kaleidoskopischen, herzzerreißenden Introspektiven zu einem der heißesten Gruppen der internationalen Musikszene. GOGOL BORDELLO: NON-STOP ist Non-Stop-Unterhaltung und einer meiner zwei wichtigsten MUST-SEE-FESTIVALFILME des gesamten Festivals. (Und die Tatsache, dass Hutz die Hauptrolle spielt und die Band in Madonnas Regiedebüt „Filth & Wisdom“ zu sehen ist, das am 31. Oktober anläuft, ist ein zusätzlicher Grund, sich diesen Film anzusehen). Abel Gefahr

Sehnsucht nach einem weiteren Vorgeschmack auf Osteuropa, wie wäre es mit dem Thriller ABLE DANGER. Drehbuchautor und Regisseur Paul Krik verwebt eine komplizierte Intrigengeschichte in dieser fiktiven Geschichte von Tom Flynn, einem linksgerichteten Buchladenbesitzer, der zufällig eine Enthüllung über den 11. September veröffentlicht hat. Betreten Sie die temperamentvolle und mysteriöse moderne Femme Fatale Kasia, die selbst auf der Flucht vor einer Vertuschung des 11. September ist, da sie dank Able Danger, einer Festplatte, die die Identitäten und Pläne der wahren Architekten enthält, angeblich Verbindungen zu Mohamed Atta hat vom 11. September. Die Wege kreuzen sich in wahrem Film-Noir-Stil, der an „The Maltese Falcon“ erinnert, und es dauert nicht lange, bis Flynn nach der Begegnung mit dieser osteuropäischen Schönheit in den Mord an einem Freund verwickelt wird und vor jeder Regierungsbehörde, die der Menschheit bekannt ist, auf der Flucht ist und gezwungen sein, unter die Oberfläche zu schauen, wer und was Kasia wirklich ist.

  Abel_Gefahr Krik geht an die Gurgel und drückt den Panikknopf in jedem von uns mit dieser zu knappen Erzählung einer Tragödie, die die Welt, wie wir sie kennen, für immer verändert hat. Tatsächlich leitet sich der Titel ABLE DANGER von dem streng geheim klassifizierten Geheimdienstprojekt ab, das angeblich 1999 von den U.S. Joint Chiefs of Staff als Mittel zur Bekämpfung des Terrorismus im Allgemeinen und Al-Qaida im Besonderen initiiert wurde. Das Projekt wurde angeblich 2005 aufgelöst, nachdem die Öffentlichkeit von seiner Existenz erfahren hatte. Unter Verschwörungstheoretikern wurde gemunkelt, dass Able Danger alle Daten über die wahren 9/11-Architekten enthielt. Die schroffe Realität und Wahrheit von Kriks Geschichte trifft Sie direkt zwischen die Augen, besonders mit dem ruckartigen „Blair Witch Project“-Handobjektiv von Kameramann Charles Libin zusammen mit Krik. Nachdem er Libins Kameraarbeit in „Rachel Getting Married“ und „Be Kind Rewind“ und jetzt in ABLE DANGER gesehen hat, ist sein Styling patentiert und nimmt definierte Züge an, die für einige ärgerlich und für andere fesselnd sein können. Bei ABLE DANGER passt die schroffe Rucklerigkeit außerordentlich gut zur Film-Noir-Thematik und führt zu einigen herzzerreißenden Momenten wahren Schreckens.

Um Ihre Stimmung nicht zu dämpfen, Adam Nee ist als Thomas Flynn leider alles andere als glaubwürdig. Auf der anderen Seite ist Elina Lowensohns Kasia mühelos fesselnd. Sie zieht Sie in die Intrigen hinein und lässt ihre verborgenen Geheimnisse vor Ihnen baumeln wie eine baumelnde Karotte an einem Pferd. Man kann sie leicht in einer Mata Hari-Rolle sehen, die sich mit Terroristen anschleicht, Geheimnisse verbirgt und die Able Danger in Besitz nimmt.

Trotz seiner Budgetbeschränkungen ist ABLE DANGER ein intelligenter, gut konzipierter Katz-und-Maus-Verschwörungstheorie-Thriller, der sich auf die Stärke der Geschichte und die Angst der Öffentlichkeit vor dem Bekannten und Unbekannten stützt und an jeder Ecke, mit jedem Schatten, mit Spannung aufbaut jeder Wimpernschlag aus einer dunklen Ecke. Was auch immer Sie tun – machen Sie dies nicht zum letzten Film Ihres Abends!

Nun zu etwas echtem Terror, wie wäre es mit Geschwisterrivalität, Familienstörungen, Tod und Familienzerstörung an den Feiertagen! Ja, jetzt reden wir über die Türkei, da AFI-Favoritin Catherine Deneuve in A CHRISTMAS TALE über ihre Familie an den Feiertagen präsidiert. Gedreht in Cinemascope (ein verfrühter Feiertagsgenuss für alle Kinobesucher, wenn Sie diese technische Errungenschaft noch nie erlebt haben, und ein noch größeres Geschenk für diejenigen von uns, die das Format lieben), ist dies die Weihnachtsgeschichte von Vuillards.

Familienmatriarchin Junon hat die Familie zu einer fröhlichen Feier an den Feiertagen versammelt – nun ja, fröhlich in ihren Gedanken. Sie hat Krebs und braucht eine Knochenmarktransplantation von einem ihrer Kinder. Natürlich gibt es keinen besseren Zeitpunkt, um mütterliche Schuldgefühle einzuflößen, als an den Feiertagen. Aber den Clan zusammenzubringen, ist ein bisschen mühsam. Es scheint, dass die hochnäsige älteste Tochter Elizabeth ihren Bruder Henri vor vier Jahren aus ihrem Leben und der Familie verbannt hat, weil sie, nun ja, ihrer Meinung nach Betrug begangen hat, aber eigentlich ist es eher so, nur weil. Der kleine Junge der Familie, Ivan, steht vor der Überraschung, dass sein Leben seine Ehe mit der schönen Sylvia gefährdet. Während sich Junons Enkel Paul von seinem erfolglosen Selbstmord erholt. Abel, Junons Ehemann, tritt, wie jeder gute Ehemann und Elternteil mit einer willensstarken Frau, hinter den Wünschen seiner Frau zurück. Und nur zur Sicherheit bringen wir Henris jüdische Freundin mit. Ein Weihnachtslied Faunia Zuhause für die Feiertage.

  Ein Weihnachtslied Der Film, der im Haus von Vuillard spielt, ist zurückhaltend und fokussiert und konzentriert sich auf die Exzentrizitäten und Egos jedes Familienmitglieds. A CHRISTMAS TALE wurde von Arnaud Desplechin geschrieben und inszeniert und ist eine interessante Charakterstudie, in der jeder Figur Zeit gegeben wird, sich in einem angenehmen Tempo zu entfalten, ihre zugrunde liegenden Geschichten aufzudecken und der Familie und dem Film als Ganzes echte Tiefe zu verleihen, insbesondere in Bezug auf die Entwicklung von Elisabeth. Es scheint, dass die beiden besten Spender für Junon ihr Bruder Henri und ihr Sohn Paul sind, was ihr große Bestürzung und Angst bereitet. Muss ich meinen Sohn leiden lassen, um meine Mutter zu retten? Oder lasse ich meinen Bruder fröhlich leiden und riskiere, meine Mutter mit seinem bösen Blut zu vergiften? Entscheidungen Entscheidungen! Desplechin ist ein Meister in Subtext und Nebenhandlungen und enttäuscht hier nicht, da er alle Bälle in der Luft hält und Sie immer näher in die „Wärme“ des familiären Busens zieht.

Hochgradig stilisiert präsentiert Desplechin eine Vielfalt an Musik, auch wenn einige scheinbar fehl am Platz sind, aber bestimmten Familiengenerationen zugeordnet werden können. Er verwendet mehrere Kameratechniken und fügt Animationen, Standbilder, Ich-Erzählungen und Dritte-Personen-Erzählungen hinzu, die sich alle sehr gut für die Skurrilität der Familie eignen. Die Arbeit des Produktionsdesigners Dan Bevan ist prächtig und reichhaltig. Es ist makellos und wunderschön und erzählt viel über die Familie und jeden ihrer Direktoren.

Was die Schauspielerei betrifft, so hat A CHRISTMAS TALE in diesem Jahr eine der besten Ensemblebesetzungen aller Filme bei AFI. Es überrascht nicht, dass Catherine Deneuve als Junon einfach königlich ist und über die Schergen herrscht, die sie ihre Kinder nennt. Deneueve ist auch hier sehr geschickt mit ihren komödiantischen Fähigkeiten. Mathieu Amalric hat mich gerade letztes Jahr in „Die Taucherglocke und der Schmetterling“ begeistert und tut dies auch hier wieder mit allen Körperteilen funktionierend und animiert als verärgertes, alkoholkrankes Geschwister und Sohn und stiehlt jedem jede Szene. Er hat eine selbstironische Natur, die Aufmerksamkeit erregt und Spaß macht. Seine Chemie mit Anne Consigny, die Elizabeth spielt, ist eine perfekte Geschwisterrivalität. Immer ein Genuss, wenn Generationen einer Familie zusammenarbeiten, ist Deneuves echte Tochter Chiarra Mastroianni bezaubernd (und hinterhältig) – selbst wenn Junon versehentlich vergisst, sie vom Einkaufen nach Hause zu bringen.

Gönnen Sie sich ein frühes Weihnachtsfest und verbringen Sie etwas Zeit mit den Vuillards. A CHRISTMAS TALE wird Sie mit offenen Armen und jeder Menge angenehmer Dysfunktion empfangen.

Wenn Sie wirklich eine hinterhältige Dysfunktion wollen, suchen Sie nicht weiter als A QUIET LITTLE MARRIAGE. Meine ersten Gedanken nach der Vorführung dieses Films waren, dass er anschlussfähig, anfassbar und menschlich ist, wenn Cy Carter und Mary Elizabeth Ellis als Ehemann und Ehefrau Dax und Olive Sie in ihr Netz aus verheirateter Enttäuschung, Desillusionierung und Täuschung ziehen. Auch nach dem zweiten Screening sind das immer noch meine Gedanken.

Dax und Olive scheinen alles zu haben. Gute Freunde, eine glückliche Ehe, ein verkorkster Bruder, Vater mit Alzheimer. Sie gehen ihrer täglichen Routine nach, ohne ein Wort miteinander zu sagen, und gehen die Bewegungen der häuslichen Glückseligkeit durch. Aber das ist nur oberflächlich, weil unausgesprochene Gedanken und Wünsche eine große Rolle spielen, besonders wenn Olive Dax sagt, dass sie ein Baby will. Großer Fehler. Das Produkt einer felsigen Kindheit, das ist das Letzte, was er will. Und er war sich sicher, dass er ihr das gesagt hatte. Oder vielleicht dachte er es nur. Ebenso war Olive sicher, dass sie Dax gesagt hatte, dass sie eine Familie haben wollte. Oder vielleicht dachte sie nur, dass sie es tat.

In einer stillen Pattsituation beobachten wir, wie sie weiterhin die Schritte der Ehe durchlaufen, aber mit neuen Schichten stillschweigender Reaktion. Dann, eines Nachts, wird Olive dank etwas zu viel Alkohol dazu inspiriert, Dax auszutricksen, indem sie Löcher in ihr Zwerchfell sticht, in der Hoffnung auf eine dieser 'Ups'-Schwangerschaften. Aber im Gespräch macht sie eines Tages eine Bemerkung darüber, dass jemand trotz Verwendung eines Diaphragmas schwanger wird. Er macht Dax Angst, auf dem QT beginnt er herumzuschnüffeln und entdeckt, was Olive getan hat. Aber, um es für sich zu behalten, sagt er nichts und fängt stattdessen an, jeden Morgen Antibabypillen in ihren Kaffee zu schütten. Mit jedem Gefühl der Sicherheit und Zuversicht in ihrer eigenen Ausflucht setzt sich das Selbstvertrauen durch, ihr Sexualleben explodiert durch die Decke und dann geht Olive zu ihrem Gynäkologen.

Mehr als ein exquisites Schauspielensemble, dies ist ein exquisit charmantes, stillschweigend strukturiertes kleines Juwel von einem Film. Geschrieben und inszeniert von Mo Perkins, greift sie auf ihre eigenen Lebenserfahrungen und die ihrer Eltern und Großeltern zurück, um sehr reale, sehr menschliche Elemente in die Geschichte einzubringen. Es gibt Berührungen mit ihrem Großvater, der an Alzheimer erkrankt war. Dann gibt es die stillschweigende und äußerliche Erscheinung des Glücks, wie sie es in der Ehe ihrer Eltern gesehen hat. Und dann hat sie ihre eigene Ehe und wahre Liebe, auf die sie sich berufen kann, und die potenziellen Landminen und Fragen, denen sie sich stellen müssen, aber sie haben Angst, mit dem „Gepäck“ ihrer Familien und Vergangenheit konfrontiert zu werden, das so tief in ihnen verwurzelt ist. Durch eine Technik, die Schreiben und Improvisieren miteinander verbindet, erreichten Perkins und ihre Leads schließlich eine perfekte kleine Ehemischung.

Was die Schauspielerei betrifft, heben Sie bitte die Hände, wenn es Darsteller gibt, die nicht in „It’s Always Sunny In Philadelphia“ arbeiten. Der Wechsel von Mary Elizabeth Ellis, Cy Carter, Jimmi Simpson, Charlie Day und Lucy DeVito auf die große Leinwand, die sich bereits in einem kleinen Leinwandensemble wohlfühlen, ist ein Kinderspiel. Die gut etablierte Chemie beider, insbesondere die von Carter und Ellis, ist erfrischend und notwendig für eine Geschichte dieser Art. Für mich ist das i-Tüpfelchen dieser kleinen Zusammenkunft eine meiner liebsten Charakterdarstellerinnen, Melanie Lynskey als Olives beste Freundin Monique. Ausschlaggebend für die Handlung ist Lynskeys Rolle, klein, notwendig und perfekt positioniert.

Der Film, der sehr Guerilla-Filme macht, wurde in und um Los Angeles gedreht, wobei alle Freunde und Freunde oder Freunde um die Nutzung ihrer Wohnungen, Straßen, Garagen, Möbel baten – ganz zu schweigen von der Hilfe bei der Produktion. Bemerkenswert ist die Arbeit von Eric Zimmerman, Director of Photography. Gestochen scharfe, klare, lebendige Zeitrafferbilder werden gegen die tägliche Routine von Dax und Olive ausbalanciert, wobei das visuell überzeugende Ergebnis in einer dichotomen Natur dient, die hilft, die Geschichte zu tragen.

An A QUIET LITTLE MARRIAGE ist nichts Ruhiges. Apropos, die lauteste Botschaft ist die, mit der uns Mo Perkins als nächstes erfreuen wird.

Betcha dachte, ich würde es nicht schaffen – meine erste Wahl als Single MUST SEE FESTIVAL FILM des gesamten Fest. Nun, hier ist es – HAUT.

SKIN ist hervorragendes Filmemachen und Geschichtenerzählen. Und ich glaube nicht, dass ich das Wort „hervorragend“ zuvor oder zumindest in letzter Zeit verwendet habe, um einen Film zu beschreiben. Ich war mit der Geschichte von Sandra Laing dank ihrer bahnbrechenden internationalen rechtlichen Implikationen vor einigen Jahren gut vertraut und fand sie aus menschlicher Sicht immer sehr interessant und überzeugend. Es ist jedoch ein Privileg, es so exquisit erzählt auf der Leinwand zu sehen.

SKIN basiert auf der wahren Geschichte von Sandra Laing, einem südafrikanischen Mädchen mit weißen Eltern, das mit schwarzer Hautfarbe geboren wurde, was in den 1950er Jahren so etwas wie ein Horror war. Auf ihrer Geburtsurkunde wurde sie als Weiße identifiziert, wie es heute noch in der Welt gilt, ein Stück Papier kann nichts bedeuten, wenn ein Kind verspottet wird, Eltern hinter dem Rücken einer Familie in einer bigotten, rassistischen Welt mit Gesetzen flüstern Ungleichheit grassiert in der Gesellschaft.

Mit 10 Jahren wurde Sandra aus einer rein weißen Schule getrommelt. Ihr Vater Abraham war ein stolzer Mann. Ein hartnäckiger Mann. Ein trotziger Mann. Er fragte sich immer, ob Sandra wirklich sein Kind war, und es war ihm von größter Bedeutung, dass jeder wusste und glaubte, dass Sandra weiß war. So fest in seinem Glauben, dass er die Angelegenheit bis vor die höchsten Gerichte in Südafrika brachte und genetische Experten hinzuzog, um das Phänomen von Sandra zu erklären. Letztendlich setzte sich eine neue genetische Anomalie durch, die enthüllt und auf der ganzen Welt diskutiert wurde, aber was noch wichtiger ist, Sandra wurde für weiß erklärt und das Gesetz wurde erlassen. Weiße Eltern. Weißes Kind.

Aber trotz eines Gerichtsurteils bedeutete dieses kleine Stück Papier Nachbarn, Klassenkameraden und Jungen immer noch nichts. Sandra wurde von weißen Jungen abgewiesen und verliebte sich in Petrus, einen örtlichen Bauern, der schwarz war. Und wie Sie sich vorstellen können, war ihr Vater alles andere als erfreut und noch mehr, als sich herausstellte, dass sie schwanger war. Als er seine eigene Tochter den Behörden übergab, um im Gefängnis zu verrotten, während sie „darüber nachdachte“, was sie getan hatte, zerbrach die Familie. Seiten wurden genommen. Die Feindseligkeiten nahmen zu und Sandra wurde von Abraham aus allen Familienunterlagen ausgelöscht. Obwohl Sandra jetzt mit Patrus in Swasiland lebte, war sie im Wesentlichen eine Frau ohne Land, ohne Selbst. Mit einer Geburtsurkunde, aus der hervorgeht, dass sie weiß war, konnte sie den Vater ihrer Kinder nicht heiraten und beging ein Verbrechen, indem sie mit ihm zusammenlebte und seine Kinder zeugte, wodurch sie riskierte, ihre eigenen Kinder zu verlieren. Jetzt musste Sandra das Gesetz rückgängig machen, für das ihr Vater so hart gekämpft hatte.

Sandra Laings Geschichte wurde von Helen Crawley, Jessie Keyt und Helena Kriel geschrieben und ist so eloquent und wunderschön erzählt, dass sie Sie zu Tränen rühren wird, bevor der Abspann läuft. Aber so tadellos das Geschichtenerzählen und die Übersetzung von Sandras Geschichte auf die Leinwand sind, die Schauspielerei wird Sie umhauen. Holen Sie sich jetzt einen Verleihvertrag für seinen Film, da Sophie Okonedo eine der ersten in der Schlange für einen Oscar sein sollte. Okonedos Darstellung von Sandra ist nicht nur herzlich, sondern auch stolz und würdevoll. Die Würde und Stärke, mit der sie Sandra durch ihr Erwachsenenalter porträtiert, erinnert an ein Wort – mutig. Sie zieht dich in das Leben dieser Frau, reißt dir das Herz mit dem, was sie aushält, um groß und stark zu sein. Sie ist wie eine blühende Entfaltung, die immer mehr Farbe zeigt, während sie zu einer mächtigen Rose erblüht. Aber dann werfen Sie einen Blick auf Ella Ramangwane, die die junge Sandra spielt. Sie ist die nächste Dakota Fanning. Diese Augen und dieses ausdrucksstarke unschuldige Gesicht. Sie ist fesselnd und diejenige, die den Stein ins Rollen bringt und Sie in den Film und Sandras Geschichte hineinzieht.

Eine der besten Leistungen seiner illustren Karriere, als Abraham Laing, ist Sam Neill fesselnd als heuchlerischer Arsch eines Vaters, und obwohl es klar war, durch Neills Emotionen zu sehen, dass die Einstellung von Papa war, dass er darum kämpfte, Sandras „ Weißheit“ mehr, um sich selbst zu entlasten und sich selbst eine Rationalisierung zu geben, ein dunkelhäutiges Kind zu haben, ohne seine Frau des Betrugs zu beschuldigen, war es sein eigenes hartnäckiges heuchlerisches Verhalten, das ihn seine Tochter und die Liebe seiner Frau kostete und ihn unter einem sterben ließ Gespenst der Schuld für die Selbstsucht seines Verhaltens. Neills Darstellung ist absolut brillant. Alice Krieg war am überzeugendsten als Sandras Mutter Sannie Lang, obwohl ich anmerke, dass selbst wenn sie die Liebe einer Mutter ausdrückte und ihr eigenes Kind umarmte, dies immer mit einer distanzierten Tendenz geschah, die manchmal fast gezwungen war, was die Dichotomie der Charaktere und ihrer nährte wahre Gefühle gegenüber Sandra. Es war eine begnadete Leistung.

Regisseur Anthony Fabian, der von September bis November 2007 in und um Johannesburg gedreht wurde, sah sich mit zahlreichen Herausforderungen konfrontiert, die mit der Region verbunden sind, nicht zuletzt mit Blitzeinschlägen, da dieses spezielle Gebiet ein Mikroklima hat, das die meisten Gewitter der Welt anzieht die Menge an Metall in der Erde in dieser Region. Mit so viel Entschlossenheit zum Erfolg, wie Sandra Laing ihr ganzes Leben lang bewiesen hat, stellte sich Fabian in 42 Tagen 50 Standorten, was das Projekt bestenfalls entmutigend machte. Aber dann werfen Sie ein paar Schlammlawinen in das, was wir auf dem Bildschirm als Laing sehen, 77 Sprechrollen, Hunderte von Statisten und einmal fast 1000, plus Hunderte von Ziegen, Hunden, Hühnern, Bulldozern und ein zusammenklappbares Set in einem Szene, und man muss sich fragen, wie Fabian das hinbekommen hat. Exquisite Objektive, die die Region zeigen, sind nicht nur dem Mut der Kameraleute Dewald Aukema und George Loxton bei schrecklichen Wetterbedingungen zu verdanken, sondern auch ihrem Einfallsreichtum. Dank Loxton hat es eine der ergreifendsten und wertvollsten Szenen des Films auf den Film geschafft. Während eines Sturms sah Loxton die Schönheit eines Sonnenuntergangs hinter den Bergen, aber angesichts des Wetters kam es nicht in Frage, mit einer Kamera dort zu stehen, um ihn einzufangen. Also stellte er die Kamera auf hohe Stöcke oder ein Stativ, hüllte sich in Plastik, das von einem Assistenten niedergehalten wurde, und fing einen massiven Blitzeinschlag vor einem blutroten Himmel ein. Das könnte der „Geldschuss“ des Films sein.

Und für diejenigen unter Ihnen, die sich vielleicht fragen, enthält der Film einen Epilog mit Heimvideos, Fotos und Nachschriften über die Familie Laing. Warte, bis du Sandra heute siehst! Wer sagt, dass Träume nicht wahr werden können? Ohne Zweifel ist SKIN meine Wahl für den MUST SEE FESTIVAL FILM des AFI 2008. Aber seien Sie gewarnt – nehmen Sie Taschentücher mit, jede Menge Taschentücher.

Jetzt habe ich immer noch meine eigene „Filme, die ich unbedingt sehen muss“-Liste am Laufen, und ganz oben auf dieser Liste stehen POUNDCAKE und ADAM RESURRECTED, die beide mehr als einen Blick wert sind. Jeff Goldblum in Paul Schraders ADAM RESURRECTED

In ADAM RESURRECTED spielen Jeff Goldbum und Willem Defoe die Hauptrollen. Basierend auf einem der gefeiertsten Bücher der israelischen Geschichte ist dies die Geschichte von Adam Stein, einem einst gefeierten deutschen Kabarettisten, der jetzt in einer experimentellen Irrenanstalt lebt. Rebellisch, ausgefallen und unberechenbar erobert Stein die Anstalt im Sturm, bis er einen kleinen Jungen trifft, der sich für einen Hund hält. Die Geschichte setzt schreckliche Erinnerungen in Steins Kopf frei, an denen ein Nazi-Offizier beteiligt war, und erkundet die menschliche Fähigkeit zur Erneuerung und Wiedergeburt. Goldblum übernimmt die Rolle von Stein, während Defoe der Nazi-Albtraum ist, der ihn verfolgt. Unter der Regie von Paul Schrader und dem Drehbuch von Noah Stollman darf ADAM RESURRECTED nicht fehlen.

  Jeff_Goldblum_in_Paul_Schrader_s_ADAM_RESURRECTED

Was POUNDCAKE betrifft, wenn es jemals ein Rezept für eine gute Komödie gab, dann ist es dieses. Mit Kathleen Quinlan als Star ist man sich starker Auftritte ziemlich sicher. Wir spielen in den späten 1980er Jahren in Buffalo, New York, und werfen einen komödiantischen Blick auf eine andere dysfunktionale Familie – die Morgans – Cliff, Carol und ihre drei erwachsenen Kinder, Robby, einen Late-Night-Radio-DJ, seinen hypochondrischen jüngeren Bruder Charlie und ihre Adoptivschwester Brooke. Als sie an Thanksgiving in ihr chinesisches Lieblingsrestaurant gehen, lassen Cliff und Carol eine Bombe auf die Kinder platzen – nach 30 Jahren Ehe lassen sie sich scheiden. Kann eine Familie ihr „letztes“ Erntedankfest mit Höflichkeit und Anstand überstehen oder bricht die Hölle los? Mit einer großartigen komödiantischen Prämisse, einer großartigen Besetzung und einem Killer-80er-Soundtrack ist POUNDCAKE ein Film mit den richtigen Zutaten.

Da haben Sie es also, nur eine Auswahl dessen, was Sie beim AFI FILM FESTIVAL 2008 erwarten können! Das Festival, das vom 30. Oktober bis 9. November stattfindet, findet dieses Jahr im historischen Hollywood Roosevelt Hotel am Hollywood Boulevard statt, mit Vorführungen im Arclight und im legendären Graumann’s Chinese Theatre. Lassen Sie den Vorhang am 9. November nicht zu, ohne am AFI Fest teilzunehmen und einige dieser hervorragenden Beispiele des Filmemachens zu probieren.

Vergessen Sie nicht, bei mir vorbeizuschauen www.moviesharkdeblore.com während des Festivals, da ich im Laufe der Tage mehr Rezensionen und Interviews haben werde!! Und in der Zwischenzeit sehen wir uns im Kino.